NOTIBAR

TANGO PA QUERERTE MUCHO!

2012-01-31T06:51:00.000-08:00

por Tesy Cariaga

LOS PRIMEROS TANGOS (2)

Algunos autores han quedado como clásicos y otros cayeron en el más ingrato olvido.-

LA CUMPARSITA.- (1914 - 1924)

Si supieras

que aún dentro de mi alma

conservo aquel cariño

que tuve para tí.

Quién sabe si supieras

que nunca te he olvidado,

volviendo a tu pasado

te acordarás de mí.

Los amigos ya no vienen

ni siquiera a visitarme,

nadie quiere consolarme

en mi aflicción.

Desde el día en que te fuiste

siento angustias en mi pecho,

decí, percanta, que has hecho

de mi pobre corazón.

Al cotorro abandonado

ya ni el sol de la mañana

asoma por la ventana

como cuando estabas vos.

Y aquel perrito compañero

que por tu ausencia no comía,

al verme solo, el otro día,

también se me fue.

Sin embargo,

te llevo en el recuerdo,

con el cariño santo

que tuve para amar.

Y sos en todos lados,

pedazo de mi vida,

una ilusión querida

que no podré olvidar.-

Letra : Pascual Contursi y Enrique Maroni.-
Música: Gerardo Matos Rodriguez.-

"El tango de los Tangos", como se lo conoce, fue compuesto en Montevideo en 1916. En 1924 le escribieron esta letra Contursi y Maroni para el sainete "Un programa de Cabaret", donde la estrenó Juan Ferrari. Carlitos Gardel lo convirtió en un éxito perdurable al llevarlo al disco en ese mismo año.-

© Tesy Cariaga

http://tesycariaga.blogspot.com/

"1984", un libro que siempre tendrá vigencia

2012-01-30T07:04:00.000-08:00

Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre

"1984" es una novela política de ficción distópica, escrita por George Orwell entre 1947 y 1948 y publicada el 8 de junio de 1949. La novela introdujo los conceptos del omnipresente y vigilante Gran Hermano o Hermano Mayor, de la notoria habitación 101, de la ubicua policía del Pensamiento y de la neolengua, adaptación del inglés en la que se reduce y se transforma el léxico con fines represivos, basándose en el siguiente principio: Lo que no está en la lengua, no puede ser pensado.

Muchos analistas detectan paralelismos entre la sociedad actual y el mundo de 1984, sugiriendo que estamos comenzando a vivir en lo que se ha conocido como sociedad orwelliana. El término orwelliano se ha convertido en sinónimo de las sociedades u organizaciones que reproducen actitudes totalitarias y represoras como las representadas en la novela. La novela fue un éxito en términos de ventas y se ha convertido en uno de los más influyentes libros del siglo XX.

Se la considera como una de las obras cumbre de la trilogía de las distopías de principios del siglo XX (también clasificadas como ciencia ficción distópica), junto a la novela de 1932 "Un mundo feliz" de Aldous Huxley y "Fahrenheit 451" de Ray Bradbury. Algunos consideran a esta novela un plagio de la obra "Nosotros" escrita por Yevgeni Zamiatin en 1921. Por su parte Orwell reconoció la influencia de la misma en su novela.

Historia de la novela

La novela fue escrita por George Orwell bajo el título de trabajo de "El último hombre en Europa". No obstante, los editores tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, en donde fue lanzado el libro de forma simultánea, cambiaron el nombre a "Mil novecientos ochenta y cuatro" por motivos comerciales. En ese año transcurre la acción narrada en el libro. Publicado inicialmente el 8 de junio de 1949, el grueso de la novela fue escrito por Orwell en la isla de Jura en Escocia en 1948, aunque el autor había estado escribiendo pequeñas partes desde 1945.

Sociedad descrita en la novela

La sociedad localizada en una futura Inglaterra se encuentra divida en dos grupos, que son los únicos visibles. Los miembros del Partido Único -el Ingsoc- que viven obnubilados por una completa y atroz represión, y por otro lado una masa de gente extremadamente pobre que vive atemorizada y aislada de la política.

La novela es una descripción analítica de los régimenes totalitarios con un final desolador. El personaje principal es Winston Smith, que trabaja en el Ministerio de la Verdad (uno de los cuatro ministerios que hay). Su cometido es reescribir la historia.

Los ministerios son los siguientes:

El Ministerio del Amor (en neolengua Minimor) se ocupa de administrar los castigos y la tortura.

El Ministerio de la Paz (Minipax) se encarga de asuntos relacionados con la guerra y se esfuerza para lograr que la contienda sea permanente. Si hay guerra con otros países, el país está en paz consigo mismo. (Hay menos revueltas sociales cuando el odio y el miedo se pueden enfocar hacia fuera, como señala la psicología social).

El Ministerio de la Abundancia (Minindancia) encargado de los asuntos relacionados con la economía y de conseguir que la gente viva siempre al borde de la subsistencia mediante un duro racionamiento.

El Ministerio de la Verdad (Miniver) se dedica a manipular o destruir los documentos históricos de todo tipo (incluyendo fotografías, libros y periódicos), para conseguir que las evidencias del pasado coincidan con la versión oficial de la historia, mantenida por el Estado.

El mundo según la novela 1984.Winston Smith vive en el Londres de un virtual 1984, en un mundo dividido en tres superpotencias:

Oceanía, donde impera el Ingsoc, acrónimo inglés para "socialismo inglés". Oceanía comprende el Reino Unido, Irlanda , toda América, Australia, Nueva Zelanda y el Sur de África.

Eurasia, donde impera el neobolchevismo. Eurasia comprende la Unión Soviética (incluida la parte asiática) y Europa (excepto el Reino Unido e Irlanda).

Estasia (Asia Oriental), donde impera la "Adoración de la Muerte" o "Desaparición del Yo" . Estasia comprende China, Japón y Corea.

Además, hay diversas zonas del mundo que están siendo disputadas entre las diversas superpotencias.

El Gran Hermano suple a todo personaje político: él es el comandante en jefe, el guardián de la sociedad, el dios pagano y el juez supremo. Él es la encarnación de los ideales del Partido, el Partido ubicuo, único y todopoderoso que vigila sin descanso todas las actividades cotidianas de la población, al punto que inclusive en las calles y casas hay dispositivos de vigilancia para conocer todos los actos de cada individuo. Irónicamente, Orwell insinúa la posibilidad de que el Gran Hermano ni siquiera sea una persona real, sino un mero icono propagandístico.

El Partido es la organización al que han de pertenecer todas las personas. Sólo están exentos de esta afiliación los "proles", trabajadores que constituyen la inmensa mayoría de la población, mantenidos en la pobreza pero entretenidos de diversas formas por el Partido para preservarlos contentos con su situación, prácticamente sólo saben obedecer órdenes y sus mentes aceptan sin queja cualquier mandato aunque vaya en contra de sus mismos intereses; se les conceden los mismos derechos que a los animales y de hecho, la Policía del pensamiento apenas los vigila: "a los proles se les permite la libertad intelectual porque no tienen intelecto alguno". Ni siquiera la familia está por encima de su presencia, es común la denuncia por parte de hijos pequeños a sus propios padres por traicionar al Partido.

Los lemas del Partido, de cuya inversión de significado habla O'Brien, son:

Paz es Guerra: Cuyo significado invertido sería guerra es paz, ya que la guerra produce el miedo en los ciudadanos haciendo mucho más difícil que se rebelen por temor a la invasión del país enemigo.

Libertad es Esclavitud: Invertido sería esclavitud es libertad, pues el esclavo se siente libre al no conocer otra cosa.

Ignorancia es Fuerza: Cuya inversión daría como resultado fuerza es ignorancia, debido a que la ignorancia de los "proles" también evita su rebelión contra el partido.

Argumento

Tras años trabajando para el Ministerio de la Verdad, Winston Smith se va volviendo consciente de que los retoques de la historia en los que consiste su trabajo son sólo una parte de la gran farsa en la que se basa su gobierno, y descubre la falsedad intencionada de todas las informaciones procedentes del Partido Único. En su ansia de evadir la omnipresente vigilancia del Gran Hermano (que llega inclusive a todas las casas) encuentra el amor de una joven rebelde llamada Julia, también desengañada del sistema político; ambos encarnan así una resistencia de dos contra una sociedad que se vigila a sí misma.

Juntos Winston y Julia creen afiliarse a la Hermandad, un supuesto grupo de resistencia dirigido por Emmanuel Goldstein —un personaje casi tan ubicuo y omnipresente como el propio Gran Hermano, el Enemigo del Pueblo y escritor de El Libro, el cual Winston lee hasta llegar a comprender los mecanismos del doblepensar, herramienta base de dominación del Partido—, y que es en realidad uno más de los instrumentos de control del Partido.

A través de una historia intrincada, con temas como el lavado de cerebro, el lenguaje, la psicología y la inventiva encaminados al control físico y mental de todos los individuos, la educación totalitaria de la juventud, etcétera, Orwell relata la historia trágica y aparentemente emancipadora de Winston Smith y Julia, quienes tratan de escapar de un sistema donde la intimidad y el libre pensamiento están prohibidos.

Al descubrir que los presuntos "miembros de la resistencia" formaban parte también del mecanismo represor, los protagonistas son encerrados por la Policía del pensamiento y sometidos a tortura en el Ministerio del Amor. Winston es obligado a reconocer que un enunciado evidentemente falso como 2+2=5 es en realidad verdadero. Su fortaleza sorprende a los torturadores en la Habitación 101, pero todo no es más que parte de una alienada pesadilla. Winston acaba, tras largos e inhumanos meses, aceptando interiormente que la verdad es lo que el partido dice y no lo que su intelecto deduzca, o ni siquiera lo que sus sentidos perciban. Al final Winston reencuentra a Julia, que ha sido también torturada, pero ambos son incapaces de mantener en sus mentes alguna sensación de cercanía y se separan como dos extraños; se indica entonces que la finalidad del Partido Único se había cumplido pues de hecho el amor entre Winston y Julia ha desaparecido, reemplazado por el amor hacia el Gran Hermano, único sentimiento afectuoso tolerado por el régimen. No obstante, lo único que Winston sabía era que desaparecería, de la noche a la mañana, sin dejar ni una huella o algún conocido, incluso alguna evidencia de haber existido. Sabía también como sería su muerte, siendo lo único que tuvo certeza en toda la historia.

Adaptaciones

Nigel Kneale realizó una adaptación para la BBCorporation que se emitió en 1954. Cuenta en el reparto a Peter Cushing, Yvonne Mitchell y André Morell.

También se ha llevado la novela al cine con el mismo título más otras adaptaciones e inspiraciones menores.

En 1956 Michael Anderson dirigió la primera adaptación al cine, con el mismo título, con Edmond O'Brien y Jan Sterling.

En 1973 Woody Allen realizó una versión libre en clave de comedia titulada "El dormilón". Cuenta en el reparto Woody Allen, Diane Keaton, John Beck y Mary Gregory.

En 1984 Michael Radford realizó la segunda versión cinematográfica, con el mismo título, directamente basada en la novela. Cuenta en el reparto a John Hurt, Richard Burton y Suzanna Hamilton.

En 1985 Terry Gilliam realizó una segunda versión libre titulada "Brazil". Cuenta en el reparto Jonathan Pryce, Robert De Niro, Kim Greist y Michael Palin.

También ha sido adaptada como una ópera con el mismo título, compuesta por Lorin Maazel con un libreto de J.D. McClatchy y Thomas Meehan. Se estrenó en el año 2005 en la Royal Opera House.

El actor y director Tim Robbins dirigió una versión teatral que se representó en Madrid, Barcelona y Vitoria a finales de septiembre de 2009, así como en Bilbao a principios de octubre.

http://es.wikipedia.org/wiki/1984_(novela)

2012-01-21T03:00:00.001-08:00

Una estación rusa caerá en aguas chilenas

2012-01-14T05:05:00.000-08:00

Los fragmentos de la estación interplanetaria rusa Fobos-Grunt, que por un fallo aún no esclarecido quedó en la órbita terrestre en lugar de tomar rumbo a Marte, caerán mañana en el Pacífico junto a las costas chilenas, informó hoy Roskosmos, la agencia espacial rusa.

"El momento más probable de la caída de los restos del aparato espacial Fobos-Grunt será el 15 de enero a las 21.51 hora de Moscú (17.51 GMT)", dice el comunicado. El hecho, de acuerdo con los cálculos, se producirá "cerca de las costas de Chile".

Según los datos de hoy el aparato está en una órbita de una altura máxima de 174,2 kilómetros y mínima de 149,7 kilómetros. "Un grupo operativo sigue constantemente el descenso del aparato", indicó la agencia espacial rusa.

Con anterioridad, la agencia aeroespacial rusa Roscosmos informó de que el peso total de los fragmentos que chocarán contra la Tierra ascendería a unos 200 kilogramos.

La Fobos-Grunt, lanzada el pasado 9 de noviembre, debía cumplir una misión de 34 meses que incluía el vuelo a Fobos, una de las dos lunas de Marte, el descenso en su superficie y, finalmente, el retorno a la Tierra de una cápsula con muestras del suelo del satélite marciano. El proyecto, con un coste de unos 170 millones de dólares, tenía como objetivo estudiar la materia inicial del sistema solar y ayudar a explicar el origen de Fobos y Deimos, la segunda luna marciana, así como de los demás satélites naturales en el sistema solar.

Hoy mismo se ha anunciado en Moscú que se prorrogan por una semana más las investigaciones de las causas del fallo que impidió el cumplimiento de la misión.

Messi, en nombre del Barça

2012-01-09T18:39:00.000-08:00

Cuando Leo Messi se convirtió en mito tuvo la grandeza de tenderle la mano a quien en cada partido le pone una alfombra roja para que él desfile como solo puede hacerlo en el Barça. El oro de Leo también fue ayer para Xavi, pero la Pulga sigue dando saltos por la historia. Anoche, en Zúrich, y mientras recibía el tercer Balón de Oro consecutivo, entraba en el Olimpo de los grandes del fútbol, igualando a Platini, el único que repitió este galardón tres veces en la década de los 80. Pero Messi solo tiene 24 años y seis meses. Ya mira a los ojos de Cruyff y de Van Basten, las otras dos grandes leyendas europeas, y tiene el derecho a sentarse en el mismo trono que ocuparon antes Di Stéfano, Pelé, Maradona y Johan.

El fútbol del siglo XXI pertenece a este joven argentino y es patrimonio del Barça de Guardiola. Un equipo con alma, el único que tiene nueve Balones de Oro en toda su historia. Un equipo cuyo fútbol le ha hecho inmortal, pese a que le queda mucho presente por delante.

«Es un honor, un grandísimo honor y un placer conquistar este tercer Balón de Oro», dijo un emocionado Messi, más preparado para besar esa pelota dorada que hace un año cuando imaginó que le pertenecía a Iniesta, el héroe de la España campeona del mundo, o al artístico fútbol del Barça que está grabado en el prodigioso cerebro de Xavi. Cuando Ronaldo, sí era Ronaldo, pese a su desfigurado rostro y a que su cuerpo no recordaba ni un signo de aquel delantero explosivo y mortífero que impulsó a Brasil, le dio el Balón de Oro a Messi, Guardiola, sonrió. Y no solo por Leo sino porque a su lado, con Ronaldo como único invitado (aunque ni él ni ningún madridista acudieron a la gala con el argumento del partido de hoy en Málaga), tiene dos escoltas que venera: Xavi e Iniesta.

Ahí arriba, en el escenario, Messi demostró que también ha evolucionado. Ya nada le pilló de improviso. «Quiero agradecerlo y compartirlo con la gente que me votó, tanto jugadores como técnicos del Barça y de la selección argentina», explicó. «Sin ellos no habría conseguido ninguno de los dos anteriores», dijo antes de dirigir su mirada hacia la primera fila donde los ojos de Xavi brillaban. «Lo quiero compartir especialmente con mi amigo Xavi. Es la cuarta vez que estamos aquí juntos: 'Vos también te lo mereces'», le dijo la estrella argentina mientras su amigo parecía tener el corazón encogido. «Nada más, ojalá podamos conseguir muchas más cosas», añadió en su discurso con el balón en la mano.

«Estar a la altura de Cruyff, Van Basten y Platini es un honor, pero no es mi intención ser el mejor de la historia. Me preocupa más ser un ejemplo para jóvenes. Xavi y yo no estaríamos aquí si no fuera por los chicos, quiero dejarle cosas al fútbol», añadió mientras las votaciones ilustraban su aplastante dominio. Solo perdió el gol del año que fue concedido a Neymar, pero obtuvo el 47,88 % de los apoyos de seleccionadores, capitanes y periodistas de todo el mundo, doblando a Ronaldo (21,60%), y por delante de Xavi (9.23%), Iniesta (6.01%) y Rooney (2.31%). Guardiola también aplastó al ser coronado como el mejor técnico del año logrando el 41.92 % de los votos, mientras Ferguson quedaba segundo (15.61% ) y Mourinho, tercero (12.43%)

Libro sobre la historia del dulce de leche uruguayo fue premiado en certamen internacional

2012-01-09T18:24:00.000-08:00

MONTEVIDEO, 7 Ene (UYPRESS) - El libro ‘El Dulce de Leche. Una historia uruguaya’, de Leonardo Haberkorn, resultó ganador, por Uruguay, de la edición 2011 del certamen internacional Gourmand World Cookbook Awards.

A su vez está seleccionado para competir por los premios “Gourmand Best in the World” en la categoría mejor libro temático y mejor libro de postres.

Unas 50 publicaciones de igual número de países fueron seleccionadas para la etapa final, que se realizará en el teatro Les Folies Bergère de París, entre el 7 y 11 de marzo de 2012. Este libro es auspiciado por el Ministerio de Turismo y Deporte.

La obra que representa a Uruguay, de Leonardo Haberkorn y la editorial Atlánticosur, recopila un profundo trabajo de investigación histórica y periodística, que en forma amena presenta los orígenes, historia y actualidad de este producto, exponente del patrimonio gastronómico uruguayo.

En esta edición participaron más de 8.000 libros de 154 países, los que compitieron primero en su lengua y luego por categoría por ser el mejor del mundo.

Leonardo Haberkorn es periodista en el programa Suena Tremendo de radio El Espectador. También es columnista y comentarista político. Es Coordinador Académico de Periodismo en la Universidad ORT Uruguay. Como periodista colaboró en diversas publicaciones de Uruguay y otros países tales como las revistas Gatopardo (Colombia-México), Etiqueta Negra (Perú), Pie Izquierdo (Bolivia), Veinte Mundos (Chile), C (Argentina), Internazionale (Italia), etc.

100 AÑOS… NO ES NADA

2012-01-05T04:11:00.000-08:00

El barrio de Flores! Con sus casas chatas y largas, tipo chorizo, un gran patio con mesas de hierro forjado, sillas, macetas llenas de plantas que se trepan a las paredes como queriendo protegerlas del frío o del calor según la estación, vio? Donde las glicinas bailan al compás de la brisa de la tarde y los jazmines invaden los cuartos que se juntan todos en un mismo punto: el patio!

Y aquí estoy, como todas las tardes vengo a tomar mate con Doña Clotilde, una pobre mujer que se quedo viuda con cinco hijos chiquitos y que tuvo que mantener la casa familiar y darles de morfar como podía, porque el peso no le alcanzaba de ayer para mañana, porque el hoy estaba lleno de hambre. Pero no todo en esta vida es eterno, muchas veces las cosas cambian para bien o para mal y cuando ya los chicos estaban crecidos y las necesidades apretaban mucho, la escuela, los zapatos repletos de agujeros difíciles de tapar y sin cordones.

Todo esto dentro de la casa porque afuera seguían aparentando lo que habían sido y ya no eran. El marido de Clotilde era un empleado de banco muy respetable pero… el juego lo agarró fuerte y se vino abajo, una tarde se quedó dormido en la silla de hierro forjado y no se despertó más.

Como les decía, todo era terrible y lo peor los devaneos de su hija mayor que solo pensaba en ella y su principal elemento era el espejo y salir siempre con algo distinto, que iba a pensar la gente no?

Y un día se plantó la bandera de remate en la puerta de la casa por no poder pagar las deudas. Así fue como apareció “el salvador de la patria”(así lo llamaban los chicos), el tano que tenia un negocio de ramos generales y se casó con la hija mayor, compró la casa y se quedaron todos a vivir allí sin mayores problemas, eso es un decir porque la hija mayor se pasaba la vida delante del espejo para arreglarse el pelo, acomodarse las pestañas, ponerse rubor en las mejillas y ajustarse la cintura. ¡Un desastre!

Bueno, tan desastre no, ella era preciosa pero qué mina Dios mío ¡que mina! El pobre tano harto y estufo de aguantar todas las noche el mismo concierto de los bigudíes y el peinado, una tarde rompió uno a uno los espejos de la casa.

¿Dije una tarde? Ayer no más, es por eso que voy a tomar mate con la pobre señora que le dio miedo que el tano se embronque, venda la casa y los deje a la marchante… no… me parece que no es un tipo de hacer una cosa así, es buenazo, generoso, a mi me da para los fasos todos los días y a veces para una botellita de bon vin, como él dice. Claro, yo le hago una que otra changuita y por eso me paga unos pesitos que no vienen del todo mal.

Hace unos pocos días que llegó el año nuevo… qué te parece? Ya estamos en el 1900… bueno voy a golpear las manos para que me abran y después me llegaré hasta la ribera para bailar unos tangos orilleros como los que a mí me gustan… porque acá, para darle gusto al tano, solo se escucha “o sole mio”… no es que no me guste… pero… y buen.

Buenas tardes Doña, cómo está usted…

María del Mar Estrella: su taller

2012-01-04T05:06:00.000-08:00

EL GAUCHO ANTONIO RIVERO

2012-01-03T20:32:00.000-08:00

Había nacido en Entre Ríos, y el destino lo llevó a las Malvinas. Fue pastor y esquilador de ovejas en Puerto Soledad. Presenció impotente el atropello de los norteamericanos de la Lexington, el 28 de diciembre de 1831, y como consiguió ocultarse con algunos compañeros, no fue secuestrado como la mayoría de los colonos. Fueron un puñado, apenas, para mantener la soberanía de las islas, hasta octubre de 1832, en que llegó la goleta Sarandí, con un nuevo comandante de las islas, el mayor Mestivier, y una colonia de confinados por delitos comunes.

Era dura la vida en las soledades del Sur, y pesada la mano del mayor Mestivier. Los confinados se sublevaron, aprovechando que el capitán José María Pinedo se había ido con la Sarandí a alejar a algunos pescadores norteamericanos; Mestivier fue muerto, y se cometieron muchos desmanes. Pero el regreso de Pinedo restableció el orden.

Por poco tiempo. El almirantazgo británico quiso aprovechar el desamparo que la Lexington produjo en Soledad, y ordenó al comandante J. J. Onslow, de la corbeta Clío, que se apoderase de las Malvinas. El 2 de enero, Onslow se presentó en Soledad, y Pinedo no tuvo un gesto de heroica locura; dejó arriar el pabellón argentino porque “las instrucciones que tenía – dice en su informe – me prohibían hacer fuego a ningún buque de guerra extranjero, y sí sólo defender mi buque”.

Onslow organizó la nueva colonia británica. El piloto inglés de la Sarandí, Mateo Brisbane, fue hecho “delegado”; otro inglés, Dickson, encargado de izar la Union Jack; un francés, Jean Simon, capataz de trabajos. No faltaron – era inevitable – algunos argentinos que se plegaron al orden triunfante. Pero también era inevitable que otros no aceptaran el dominio inglés.

El 26 de agosto de 1833, los matreros, en número de ocho y encabezados por Rivero, volvieron a Soledad y dieron muerte a Brisbane, a Dickson, a Simon y a algunos más. La academia – nuestra Academia –, en mérito a documentos ingleses, dice que el móvil de Rivero y sus compañeros (“entre los cuales había algunos confinados”, recalca), al desertar primero y caer más tarde en plan de guerra sobre Soledad, era porque Brisbane les pagaba los salarios en billetes de papel, y ellos querían metálico. Me parece una explicación demasiado materialista para una reacción tan excesiva, yno comprendo qué diferencia hacía a los gauchos los billetes o el metálico en las soledades del archipiélago. Preparados para perder la vida, quisieron hacerlo bajo la bandera argentina, y arriaron el pabellón británico.

¿También por metálico? Hasta enero de 1834 estuvieron las Malvinas bajo el control de los gauchos de Rivero. Las familias de los colonos ingleses fueron confinadas en un islote y alimentadas por los dueños de la situación. En octubre llegaron algunas balleneras inglesas, pero no se atrevieron con los facciosos: debió esperarse a enero de 1834, en que una goleta de guerra consiguió imponerse, y Rivero y los suyos cayeron presos. Se les hizo un proceso en el buque Spartiate, de la estación naval británica de América del Sur. Tan inicuo, que el almirante inglés no se atrevió a convalidarlo, y prefirió desprenderse del asunto desembarcando a Rivero y los suyos en la República Oriental del Uruguay. El cabecilla fue dado de alta en el ejército argentino por Rosas,para morir, como era su ley, el 20 de noviembre de 1845 peleando contra los ingleses en la Vuelta de Obligado.

Esa fue la vida del gaucho Rivero. Nuestros académicos entienden que “sus antecedentes no son nada favorables para otorgarle títulos que justifiquen un homenaje”. Basándose en interrogatorios en inglés del curioso proceso, nos aclaran que era un gaucho peleador, tal vez de malos antecedentes, y que se juntaba con antiguos confinados. Pero también Martín Fierro era un gaucho peleador, de malos antecedentes, y que se juntaba con matreros como él.

José María Rosa: "Historia del Revisionismo y otros ensayos"

En busca del amor

2012-01-03T04:34:00.000-08:00

Un lobo de 2 años llamado OR-7 se ha convertido en una celebridad en los Estados Unidos. Todo el país sigue su viaje en búsqueda de una pareja para formar familia.

El febrero pasado, un biólogo le tiró un dardo con tranquilizante, luego le pusieron un collar especial para seguir sus pasos vía satélite. Desde entonces, el lobo ha recorrido más de 730 millas (1168 km). Cada vez que OR-7 atraviesa la frontera de un estado, es motivo de noticia.

Pero desplazarse tantas distancias es un comportamiento típico de animales como el lobo. Al cumplir dos años, se separan de su madre para empezar una vida adulta y crear su propia manada. Pero OR-7 se quedó con su prole debido a que las autoridades del estado de Oregon lo cazaban por haber matado ganado. La ley del estado permite la exterminación de lobos que ataquen ganado.

Una ONG defiende al animal y ha anunciado un concurso vía internet para nombrar al lobo. Con ello, los activistas esperan resguardar a OR-7 de los cazadores estatales. En conclusión este lobo recorre miles y miles de kilometros buscando una enamorada.

OR-7 comenzó su recorrido en el noreste de Oregón y ya llegó a la frontera de California. Según los últimos datos, el lobo se encuentra en el Parque Nacional de Crater Lake, cerca de la frontera con California. Si el animal llegara a pasar la frontera, se convertiría en el primero de su especie en hacerlo desde 1924. El récord no lo acercaría a encontrar pareja, dado que los lobos grises se encuentran en extinción en ese Estado. Aún así, los seguidores del animal aseguran que vieron sus huellas junto a las de otro lobo. Los más románticos apuestan a que OR-7 finalmente encontró el amor.

TANGO PA QUERERTE MUCHO!

2012-01-02T16:44:00.000-08:00

por Tesy Cariaga

LOS PRIMEROS TANGOS .-

Recopilación de algunos de los primeros tangos que se dieron a conocer entre 1897 a 1924.-

EL ENTRERRIANO (1897)

Letra: Homero Expósito
Música: Rosendo Mendizabal.

Sabrán que soy el Entrerriano,

que soy

milonguero y provinciano,

que soy también

un poquito compadrito

y aguanto el tren

de los guapos de tajitos.

Y en el vaivén

de algún tango de fandango,

como el querer

voy metiendo hasta el mango,

que pa'l baile y pa'l amor

sabrán que soy

siempre el mejor.

¿Ven, no ven lo que es bailar así,

llevándola juntito a mí

como apretando el corazón...?

¿Ven, no ven lo que es llevarse bien

en las cortadas del querer

y en la milonga del amor...?

Todo corazón para el amor

me dio la vida

y alguna herida

de vez en vez,

para saber lo peor.

Todo corazón para bailar

haciendo cortes

y al Sur y al Norte

suelen gritar

que el Entrerriano es el gotán.-

Este tango clásico, fue compuesto en 1897. Con el correr del tiempo fue interpretado con diversas letras. La que aquí se reproduce se cuenta entre las últimas y es la más inspirada de todas ellas.

EL APACHE ARGENTINO (1913)

Letra: Carlos Waiss

Música: Manuel Aroztegui

Soy el apache argentino,

el tipo fiel de una raza,

que deja ver en su trasa

las mentas de su valor,

Soy el apache argentino,

no pido ni doy ventaja

pa'guapear siempre en mi ley

o copar en el amor.

En la milonga saco chispas

si las paicas

al mirarme revolotean;

yo tayo, aunque no lo crean,

donde se cuadre tayar.

Yo sé jugarme cartas bravas

y guapearle

cara a cara a cualquier rival;

soy el apache argentino

pa'lo que guste mandar.

Tango de 1913 difundido por la orquesta de Juan Maglio "Pacho" en la que tocaba su autor. Tuvo varias letras; esta fue escrita para la película "La Cumparsita", donde fue interpretada por Hugo del Carril.-

El adiós a Nina Miranda

2012-01-02T03:46:00.000-08:00

La cantante uruguaya Nina Miranda, de gran éxito en ambas orillas del Plata en la década de 1950 y luego ausente de los escenarios durante medio siglo, falleció este domingo a causa de una enfermedad terminal.

La intérprete tenía 86 años, estaba radicada en Buenos Aires y era considerada por muchos tangueros como la mejor voz femenina que dio Montevideo, su ciudad natal -en desmedro de la encumbrada Lágrima Ríos-, e hizo famosa su interpretación del tango "Maula", junto a la orquesta local de Donato Racciatti, hasta que en 1955 cruzó el "charco".

Por intervención del periodista Augusto Bonardo, cantó con la orquesta de Lucio Demare en Radio Belgrano y en el sello Odeón fue acompañada por el conjunto de Graciano Gómez.

Tras haber abandonado el tango en aquella época por imposición de su esposo, un influyente industrial, volvió a lucir la misma voz de antaño en 2006, cuando se presentó en público en el bar Tuñón, junto al guitarrista Alfredo Sadi.

Miranda tomó su nombre artístico del personaje que interpretaba Libertad Lamarque en "Puerta cerrada", grabó 68 títulos y compuso los tangos "Canción para mi amor" y "No hagas caso de la gente".

La razón de tanta ausencia frente a los micrófono fue "el amor que pudo más", relató la cantante en aquella oportunidad. "Mi esposo me conoció cantando, pero cuando llegó el momento de los papeles me dijo: `O el tango o yo`." El hombre falleció en febrero de 2006 después de una larga enfermedad y su amiga de toda la vida, Elba Cosentino, convenció a Nina de que el mejor remedio contra la tristeza y el dolor era volver al tango.

En su regreso a los escenarios, Miranda se sorprendía por la edad de sus admiradores: "Conozco chicas de 40 años que me siguen y yo le pregunto por qué, si cuando dejé de cantar todavía no habían nacido, pero me dicen que sus padres tenían mis discos".

Consultada sobre los años que estuvo alejada de la actuación confesó que no cantaba. "Me había alejado totalmente, pero el instrumento, la garganta, no se agota; aunque yo pensé que tenía las cuerdas vocales atrofiadas", apuntó.

Acompañada a un maestro de canto por sus amigas, Nina se sorprendió: "Nunca, en mi vida de profesional, había hecho ejercicios de vocalización, tenía impostación natural y ahora estoy cantando como antes, aunque tuve que bajar un poquito el registro".

Sobre las supuestas diferencias en el fraseo y la intención de los cantores uruguayos y argentinos, Miranda retrucó: "No hay ninguna, y si no fíjese en Julio Sosa, con el que empezamos juntos y fue un querido compañero".

En 2008, con las cantantes María de la Fuente y Elsa Rivas (fallecida el año pasado) y la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto presentaron el espectáculo El retorno de las cancionistas en Harrods, donde cantaron sus temas más exitosos evocando las épocas de esplendor del tango.

Se casa Ricky Martin

2012-01-02T03:32:00.000-08:00

El cantante puertorriqueño Ricky Martin y su novio, Carlos González, se casarán el próximo día 28 en Nueva York. Martin y su compañero contraerán nupcias en la ciudad estadounidense en la que el pasado 24 de junio se aprobó el matrimonio entre personas del mismo sexo.

Desde que hizo pública su homosexualidad en marzo de 2010, el cantante, que el pasado 24 de diciembre cumplió 40 años, se ha manifestado a favor del matrimonio homosexual. Su petición se ha extendido hasta Puerto Rico, su isla natal, donde aún no es legal y donde el artista dijo en junio pasado que deseaba que dicho matrimonio pudiera hacerse también realidad.

"Es lo que deseo, que se le diga no al discrimen, para que la igualdad entre nosotros los humanos sea una realidad en mi país", expresó Martin en aquella ocasión.

Martin, a quien el 4 de noviembre se le concedió ciudadanía española, dio a conocer su homosexualidad el 27 de marzo del 2010, calificándola como "un regalo" en su página web en un comunicado titulado "En los últimos meses me di a la tarea de escribir mis memorias". Desde ese momento, el artista ha participado en eventos a favor de los homosexuales, entre ellos, el celebrado en marzo del año pasado en Nueva York cuando recibió el premio Vito Russo de la Alianza Gay y Lésbica contra la Difamación (GLAAD) por su aportación a la promoción de la igualdad de los derechos de la comunidad gay. El acto fue aprovechado por Ricky Martin para confirmar su relación sentimental con Carlos González, tantas veces insinuada.

"Yo solo quería ser libre y puedo decir que hoy soy libre", dijo Martin en el acto, en el que dio especialmente las gracias a su novio y "cómplice": "Carlos, eres lo máximo", dijo.

Los fanáticos de Ricky Martin no habían dejado de sorprenderse con la decisión del cantante al pedir al gobierno español que le otorgue la naturalización española, la que finalmente fue entregada al ahora español cantante. Muchos comentarios en las redes sociales formaron un enjambre de posibles razones por las que el ex puertorriqueño haya tomado esa decisión, siendo la que más adherentes tuvo, la de que -siendo español- podría casarse con su novio, el también ibérico Carlos González.

Para dejar en claro todo, Ricky Martin lanzó un comunicado público.

“Hace un tiempo que hice la petición de la ciudadanía española y estaba a la espera de que se me respondiera. Este paso es parte de una planificación de cara al futuro como parte de una comunidad global de la que me siento parte. Yo nací en Puerto Rico, soy puertorriqueño y esa es mi patria, España es un país al que me unen muchos sentimientos y unos lazos fuertes que nacen de mis raíces y del amor que me han dado desde que los visité por primera vez”.

Ley Antitabaco en Buenos Aires

2012-01-02T02:59:00.000-08:00

Una ley que prohibe en forma total fumar en lugares cerrados entró en vigor en la Ciudad de Buenos Aires desde ayer, por lo cual no podrán funcionar más los espacios exclusivos para consumo de tabaco que existían en algunos bares y restaurantes porteños.

Se trata de una ley que fue aprobada en diciembre de 2010 y que dio un plazo de un año para que los locales de expendio de bebidas y alimentos adecuen sus instalaciones con el objeto de cumplir con la norma.

Los salones para fumadores fueron construidos dentro de algunos locales gastronómicos a partir de 2005, cuando mediante el artículo 21 de la Ley 1799 de control de tabaco, se permitía la habilitación de áreas para fumar de más de 100 m2 con ciertos requisitos: en todos los casos, las áreas para fumadores debían estar señalizadas, apartadas de las zonas de paso, y tenían que contar con sistemas de purificación de aire.

De esa manera, los comerciantes se aseguraban la concurrencia de los clientes fumadores, incluso corrían con ventaja respecto de los que no contaban con salón exclusivo, pero al mismo tiempo ponía en riesgo a los trabajadores que estaban en contacto con el humo. Si bien la mayoría de los bares y restaurantes porteños ya habían cerrado estas áreas, ayer se cumplió el plazo establecido para prohibirlas definitivamente, por lo que ya no habrá excepción.

En el texto de la norma que entró en vigencia se establece la derogación en la práctica de una anterior autorización que la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires había dado a los restaurantes y bares con una superficie superior a los 100 metros cuadrados a disponer lugares cerrados y con las condiciones mínimas para que los fumadores pudieran consumir tabaco.

La medida, apenas se sancionó el 14 de diciembre del año pasado, activó a los locales comerciales a desarmar esos espacios que se habían puesto en marcha en 2007, por lo que no se esperaba un masivo cambio de costumbre. Es que los fumadores, en la Ciudad, ya están en su mayoría habituados a prender sus cigarrrillos en la vereda, aunque hay algunas infracciones a la legislación.

El Dakar 2012 ya cobró una víctima

2012-01-02T02:41:00.000-08:00

Jorge Martínez Boero, víctima del Dakar

Venía en el último tramo del primer especial del Dakar. Después de sortear las dunas de las playas de Necochea, encaraba a toda velocidad hacia la meta, en un trayecto recto, rural, donde el ripio y la tierra habían reemplazado a la arena. Pero imprevistamente, la moto Beta trepó un pequeño terraplén y se clavó. El piloto salió volando, literalmente, aterrizó contra el duro suelo y rebotó, para caer fulminado unos cuantos metros más allá. Y pese a que la asistencia fue rápida, lo mismo que el traslado al hospital, Jorge Martínez Boero no lo resistió y falleció en el trayecto en helicóptero. Así, el oriundo de Bolívar, el hijo del recordado Gaucho campeón del Turismo Carretera, se transformaba en el primer competidor argentino en morir en la competencia más dura del mundo. La edición 2012 empezó entonces de la peor manera.

Nadie podía prever semejante golpe. Y es que el primer tramo de velocidad era de los considerados "livianos" dentro de los 14 del Dakar. Apenas 57 kilómetros debían recorrer los pilotos, apenas más de media hora para los pilotos de punta en motos, los primeros que partieron de la Base Naval de Mar del Plata. Y Martínez Boero, que corría su segundo Dakar (abandonó en la 6ª etapa en el 2011), parecía en condiciones de terminarlo, como el resto de los 177 competidores en dos ruedas que lo hicieron. Venía acelerando porque era el único tramo prácticamente que se lo permitía, pero a las 10.44 de la mañana de ayer, el camino le jugó una mala pasada.

El golpe contra el pecho fue tremendo, a tal punto que fueron en vano los esfuerzos médicos de la organización, que llegó enseguida al lugar, para reanimarlo. Testigos contaron que en un momento reaccionó, pero después de tres paros cardiorrespiratorios, falleció ya en vuelo hacia la base naval de Mar del Plata, adonde era regresado. Después de ser trasladado a las 14.30 a la morgue judicial para realizarle la autopsia, anoche los restos del piloto de 38 años (casado, una hija) llegaron a la ciudad bonaerense para ser velados en el domicilio familiar.

Martínez Boero, que corría para homenajear al padre fallecido al cumplirse 30 años de su título en el TC, había tenido un mal augurio en la previa a la carrera, al chocar su vehículo que iba a asistirlo por afuera de la competencia. Y se había quedado sin el apoyo oficial de Beta. Por eso escribió en su último twitter: "Voy a dejar todo, lo que no mata fortalece".

Y lo dejó todo, inscribiendo su nombre como el número 60 que muere en un Dakar y el primer piloto argentino. Desde que el Dakar llegó al país, es la segunda muerte de un competidor, y la primera en un accidente. La anterior, del francés Pascal Thierry en 2009, se debió a un edema pulmonar luego de permanecer perdido en la Patagonia.

¡Felices Fiestas!

2011-12-13T12:45:00.000-08:00

TANGO...Pa`quererte mucho!

2011-12-10T19:32:00.000-08:00

¡FELIZ CUMPLEAÑOS!

por Tesy Cariaga

El 11 de diciembre, día del nacimiento de nuestro zorzal criollo Don CARLOS GARDEL, fue establecido como el DÍA NACIONAL DEL TANGO.-

Hoy es un día de fiesta, y como tal, entonaremos las notas de este bellísimo tango que fue una de las últimas grabaciones registradas por Carlos Gardel.

Lo grabó en Nueva York con la orquesta dirigida por Terig Tucci el 30/7/1934. Fue incluido en la película "EL TANGO EN BROADWAY", producida por Paramount y dirigida por Louis Gasnier.

(para cantar "Golondrinas" y ver el video al pie, apaga la radio del blog, arriba a la derecha)

GOLONDRINAS

Letra: Alfredo Le Pera

Música: Carlos Gardel

Golondrinas de un solo verano

con ansias constantes de cielos lejanos.

Alma criolla, errante y viajera,

querer detenerla es una quimera.

Golondrinas con fiebre en las alas,

peregrinas borrachas de emoción.

Siempre sueña con otros caminos

la brújula loca de tu corazón.

Criollita de mi pueblo,

pebeta de mi barrio,

la golondrina un día

su vuelo detendrá.

No habrá nube en sus ojos

de vagas lejanías,

y en tus brazos amantes

su nido contruirá.

Su anhelo de distancias

se aquietará en tu boca,

con la dulce fragancia

de tu viejo querer.

Criollita de mi pueblo,

pebeta de mi barrio,

con las alas plegadas

también yo he de volver.

En tus rutas que cruzan los mares

florece una estela azul de cantares.

Y al conjuro de nuevos paisajes

suena intensamente tu claro cordaje.

Con tu eterno sembrar de armonías,

tierras lejanas te vieron pasar.

Otras lunas siguieron tus huellas,

tu solo destino es siempre volar.

Idea, imagen y texto: © Tesy Cariaga
http://tesycariaga.blogspot.com/

10 de diciembre: Día de los Derechos Animales

2011-12-10T04:42:00.000-08:00

En estos momentos millones de animales esperan su muerte. En su vida no han conocido nada más que el miedo y el dolor.

PELETERÍA en los criaderos de la industria peletera malviven hacinados en sucias jaulas donde enferman psicológicamente. Para ser finalmente gaseados, asfixiados, electrocutados o apaleados con el fin de darles muerte. En el caso de las focas su cráneo es aplastado a golpes y a muchas de ellas se les arranca la piel cuando aún están vivas. El fin de esto consiste en no dañar la piel que más tarde será utilizada para la confección de un abrigo.

EXPERIMENTACIÓN en los laboratorios con fines médicos, cosméticos o militares son obligados a padecer un sufrimiento indescriptible para obtener "resultados" a los que se hubiera podido llegar igualmente sin utilizar animales. Se les administra tóxicos, se les inoculan enfermedades, se les fracturan partes de su cuerpo, se les deja parapléjicos, se les electrocuta y se les disecciona vivos.

ENTRETENIMIENTO esclavizados de por vida para entretener a la sociedad. Arrancados de sus hábitats, separados de sus madres, torturados en el ruedo hasta su muerte, confinados en zoos y acuarios, obligados a realizar "números" mediante métodos basados en el castigo físico, usando látigos o barras de metal.

ALIMENTACIÓN Más de 817 millones animales murieron en los mataderos españoles en el 2004 y 854.000 toneladas de animales marinos fueron arrancados de mares y ríos. No ven el sol hasta que son transportados al matadero, son hacinados entre sus propios excrementos, engordados con los cadáveres de sus compañeros, y finalmente asesinados.

Hace casi 60 años la humanidad entera alzó su voz en un manifiesto contra las atrocidades del holocausto de la segunda guerra mundial y, de forma unánime, lo expresó en lo que hoy es la Declaración Universal de los Derechos Humanos.

Queremos reflejar aquí el mismo espíritu que movió a aquellas personas para no permitir que un colectivo de seres humanos sufriera a manos de otro, siga ocurriendo con otro colectivo: los animales no humanos. Queremos unirnos a todas las personas y organizaciones que piensan que a esta injusticia hay que ponerle fin.

DECLARACIÓN DE LOS DERECHOS ANIMALES (promovida por la Fundación Equanimal)

Preámbulo

Considerando el hecho de que una gran cantidad de animales, incluyendo de manera general a los vertebrados y a toda una serie de invertebrados, poseen la capacidad de sufrir y disfrutar;

Considerando que un enorme número de estos sufre cotidianamente múltiples agresiones a manos humanas, agresiones que implican su pérdida de libertad y de integridad física, su sufrimiento, y su muerte;

Considerando que esto tiene lugar singularmente en el caso de su uso institucionalizado como recursos para fines humanos;

Considerando que dichas agresiones se llevan a cabo de un modo generalmente ratificado en el ámbito del derecho, en el que los animales no humanos son considerados como bienes o propiedades privadas o públicas;

Considerando que ello tiene su origen fundamentalmente en una discriminación de los animales que no pertenecen a la especie humana;

Considerando que está discriminación, paralela al racismo y al sexismo y que cabe denominar especismo, carece totalmente de justificación pese a su extendida aceptación;

Considerando esencial que todos los animales con la capacidad de sufrir y disfrutar, sea cual sea su especie, se vean libres de ser agredidos a manos humanas;

Considerando necesario para que así sea que todos los animales con la capacidad de sufrir y disfrutar posean una serie de derechos fundamentales reconocidos por un régimen de Derecho, y la importancia, para que ello pueda tener lugar, de una concepción común de estos derechos;

se proclama la presente

Declaración Universal de Derechos Animales

A fin de que tanto los individuos como las instituciones, inspirándose constantemente en ella, promuevan, mediante la educación de la opinión pública, el respeto a estos derechos, y aseguren, por medidas progresivas de todo tipo, su reconocimiento y aplicación universales y efectivos.

* Artículo 1

Todo animal dotado de la capacidad de sufrir o disfrutar ha de ser respetado, y reconocido como un sujeto de derechos legales.

* Artículo 2

1. Todo animal con la capacidad de sufrir y disfrutar tiene todos los derechos proclamados en esta Declaración, sin distinción alguna en función de la especie a la que pertenezca.

2. Además, no se hará distinción alguna fundada en cualquier otra circunstancia, como sus facultades intelectuales, su uso de un lenguaje, o su capacidad para entender o exigir el contenido de esta Declaración, que no determine como tal su capacidad de sufrir y disfrutar.

* Artículo 3

1. El respeto y reconocimiento de derechos de un animal vendrá dado en función de su posibilidad de ser perjudicado si este no tiene lugar, sin que deba jugar en ello ningún papel el interés humano que pudiere haber en que se dé respeto y reconocimiento.

2. Tal respeto y reconocimiento han de darse de manera independiente del hecho de pertenecer a una especie más o menos numerosa o en peligro de extinción.

* Artículo 4

Todo animal con la capacidad de sufrir y disfrutar tiene derecho a la vida.

* Artículo 5

Todo animal con la capacidad de sufrir y disfrutar tiene derecho a la integridad física y a la libertad.

* Artículo 6

Todo animal con la capacidad de sufrir y disfrutar tiene derecho a no ser sometido a sufrimiento.

* Artículo 7

Ningún animal con la capacidad de sufrir y disfrutar estará sometido a esclavitud. No podrá ser una propiedad, ni ser así utilizado para fines humanos de modo que suponga alguna clase de daño para él.

* Artículo 8

Todo animal con la capacidad de sufrir y disfrutar tiene derecho a disponer, cuando ello sea preciso, de representantes legales que reclamen que sus derechos sean respetados.

* Artículo 9

Todos tienen derecho a igual protección contra toda discriminación que infrinja esta Declaración y contra toda provocación a tal discriminación.

* Artículo 10

1. Todo animal con la capacidad de sufrir y disfrutar tiene derecho a desarrollar su vida en su medio.

2. Ningún animal verá vulnerados sus derechos con el fin de conservar un determinado ecosistema.

* Artículo 11

Ningún animal con la capacidad de sufrir y disfrutar será privado para su perjuicio del resultado de su trabajo.

* Artículo 12

Todo animal con la capacidad de sufrir y disfrutar tiene derecho a que decisiones políticas que se puedan adoptar tengan en cuenta sus intereses y necesidades.

* Artículo 13

Los seres humanos somos animales. Los derechos humanos especifican qué forma más concreta han de adoptar los derechos animales en el caso de los seres humanos.

10 de diciembre: Día de los Derechos Humanos

2011-12-10T04:24:00.000-08:00

La Declaración Universal de Derechos Humanos es un ideal común por el que todos los pueblos y naciones deben esforzarse, a fin de que tanto los individuos como las instituciones, inspirándose constantemente en ella, promuevan, mediante la enseñanza y la educación, el respeto a estos derechos y libertades, y aseguren, por medidas progresivas de carácter nacional e internacional, su reconocimiento y aplicación universales y efectivos, tanto entre los pueblos de los Estados Miembros como entre los de los territorios colocados bajo su jurisdicción.

Todos los derechos para todos

•Todos los hombres nacen libres e iguales en dignidad y derechos.

•Nadie podrá ser discriminado por su sexo, raza, religión o cualquier otra condición.

•Todos tenemos derecho a la vida y la libertad.

•Nadie será sometido a la esclavitud ni a la servidumbre en cualquier forma.

•Nadie será sometido a torturas.

•Todos tenemos derecho al reconocimiento de nuestra personalidad jurídica.

•Todos somos iguales ante la ley.

•Todos somos libres de ejercer recursos legales contra actos que violen nuestros derechos.

•Nadie podrá ser arbitrariamente detenido o desterrado.

•Todos tenemos derecho a ser escuchados por un tribunal independiente.

•Toda persona es inocente mientras no se pruebe lo contrario.

•Toda persona tiene derecho a la protección de su privacidad, honra y reputación.

•Todos tenemos derecho a transitar libremente.

•Todos tenemos derecho a solicitar asilo.

•Toda persona tiene derecho a una nacionalidad.

•Todos tenemos derecho a casarnos libremente y crear una familia.

•Todos tenemos derecho a la propiedad individual y colectiva.

•Todos tenemos libertad de conciencia y religión.

•Todos tenemos libertad de expresión, derecho de estar informados y comunicados.

•Todos tenemos derecho de reunirnos y organizarnos.

•Todos tenemos derecho a la participación política y social.

•Todos tenemos derecho a la seguridad social.

•Todos tenemos derecho al trabajo, a un salario justo y a fundar sindicatos.

•Toda persona tiene derecho al descanso, al tiempo libre y a las vacaciones.

•Todos tenemos derecho a la asistencia social (salud, vivienda, servicio publico).

•Todos tenemos derecho a la educación.

•Todo pueblo tiene derecho a crear y disfrutar su propia cultura.

•Todos tenemos derecho a un justo orden social e internacional.

•Todos tenemos deberes con respecto a la comunidad.

•Nadie podrá suprimir ninguno de los derechos.

TANGO PA QUERERTE MUCHO!

2011-12-06T01:33:00.000-08:00

LOS PRIMITIVOS CONJUNTOS
por Tesy Cariaga

La formación clásica del primitivo conjunto de tango era la del trío de violín, flauta y guitarra; el bandoneón llegaría recién a fines del siglo XIX.

La formación clásica de tango era la del trío de violín, flauta y guitarra; el bandoneón llegaría recién a fines del siglo XIX, pero no siempre fue así; en realidad el conjunto se formaba como se podía, es decir, con la cantidad de músicos que se tuvieran a mano, incluyendo a arpistas, acordeonistas, mandolinistas e intérpretes de otros instrumentos luego desterrados para siempre del tango.

Era común que estos músicos pasaran de un conjunto a otro, ya que se unían para actuar en el lugar donde eran contratados y, al término del período estipulado, se separaban. Por lo tanto, no había conjuntos estables. A veces, la formación era de lo más elemental: bastaba con un dúo de peine con papel de seda para la melodía y una guitarra para el ritmo. En otras palabras, apenas dos instrumentos (uno de ellos, casero) formaban el conjunto, al que incluso llegaba a llamársele, popularmente ¡orquesta!

La orquesta se componía

de bandoneón y guitarra

porque aquella era una farra

de las que muy poco había.-

(testimonia una vieja milonga)

Y en algunas oportunidades ni siquiera el conjunto se necesitaba, el piano era el dueño y señor y el pianista podía ser Rosendo Mendizábal (autor de El Entrerriano) su hermano Sergio, Manuel Campoamor (La cara de la Luna) o Enrique Saborido (La Morocha).

Uno de los primeros conjuntos fue, sin duda, el del negro Casimiro Alcorta en violín, y el mulato Sinforoso en clarinete, al que seguramente se añadía un instrumento rítmico, probablemente la guitarra, y que actuaba en los prostíbulos de los alrededores de Corrientes y Paraná, allá por el año 1870.

En 1883, hay constancias de que ya hacía sus presentaciones el trío integrado por Francisco Ramos y Eusebio Aspiazú en violines (el último sería luego un célebre guitarrista) y el "Pardo" Canaveri en guitarra.

También había por entonces numerosos cuartetos (ya entrando a los albores del siglo XX), por ejemplo, Ernesto y Vicente Ponzio (violines), Bazán (clarinete) y "Tano" Tortorelli (arpa), Domingo Santa Cruz (bandoneón) Juan Orioli (violín) Carlos Macchi (flauta) y Juan Santa Cruz (piano).

Pero el tango también fue interpretado por otros tipos de agrupaciones, como las clásicas bandas - Española, de Policia, Municipal.

Con el tiempo, los pequeños conjuntos fueron transformándose en lo que se llamó "Orquesta Típica Criolla".-

ANTONIONI, LA NOCHE Y LA FRAGILIDAD AFECTIVA

2011-12-05T12:12:00.000-08:00

Esta peli es cosa seria, la volví a ver, y no puedo dejar de exclamar lo mismo una vez más: ¡esta peli es cosa seria!

Alguna vez Bergman confesó que veía cine constantemente y que había muchos directores muy buenos, pero muy pocos tenían algo que decir y justamente uno de los que puso por ejemplo fue a Michelangelo Antonioni, como que él sí tenía algo que decir... y yo agrego: y lo decía de una forma muy especial, con una capacidad plástica fuera de lo común, de acuerdo a mi perspectiva: junto con Kurosawa fue el estético más grande del cine de todos los tiempos.

Tanto a Kurosawa , como a Antonioni, les fascinaba la pintura, y solían antes de realizar alguna escena, bosquejarla en dibujos...

Bergman y Antonioni fallecieron el mismo día, se fueron tomaditos de la mano hacia el más allá... fue tremendo para el cine... si bien ambos estaban retirados, pese a eso,todavía estaban... Recuerdo que justamente en CineSeva habíamos hecho una reseña del cine de Antonioni, poco tiempo antes de que falleciera y luego nos dedicamos a homenajear a Bergman.

Bergman, Kurosawa, Antonioni...

Próceres inmensos, genios del cine, que ya no están...

Tristeza, nostalgia, y resignación...

Lidia y Giovanni son una pareja de la alta burguesía italiana, sin hijos, lo tienen todo en el aspecto material, pero están en lucha por la insatisfacción de sus vidas tanto en lo afectivo como en lo laboral. El enemigo fundamental es la rutina, como así también el hastío, la incomunicación que lenta y progresivamente va desactivando el amor... Jeanne Moreau, excepcional, y Mastroianni, contenido, distante, seductor, en el personaje de un escritor más famoso que profundo, con cierta inclinación al best seller pero lejos de la inmortalidad; ellos son piezas fundamentales en las que se sostiene el gran director para contar su historia. También están, en participaciones especiales, la singular Mónica Vitti, musa de Antonioni, y Bernhard Wicky como el amigo moribundo que es visitado en el sanatorio.

La obra es profunda, se basa en los gestos, las palabras, las actitudes, y no todo está explicado de punta a punta, queda la participación del espectador para integrarse tanto en la discusión como en captar todo ese mundo que es detallado en forma minuciosa, al describir ambientes, personas, esquemas, argumentos, ideas...

La desencadenante de la situación, la que menos conforme está con la misma, como suele suceder en la obra de Antonioni, y también en la vida real, es la mujer, Lidia percibe que la situación está al borde del fracaso y es testigo de como se desmoronan los afectos. Giovanni, en cambio, parece como resignado, adaptado al ajuste de las situaciones; buscando en otras alternativas lo que falta, más como complemente que como reemplazo. Ahí dejo...

La parte formal, como antes marqué, es fundamental, hay una belleza muy especial en algunas escenas, que se pueden ver y admirar más de una vez, ahí la fotografía de Di Vennanzo hace prodigios.

Film muy importante, con un tema universal que va más allá del tiempo y del espacio, que nos hace reflexionar incluso sobre nuestras propias vidas: no vemos, a veces, casi siempre, en la rutina algo tan peligroso como lo que es y representa en realidad. Cuidado...El distanciamiento, la incomunicación, el rompimiento del vínculo con la pareja, puede estar a la vuelta de la esquina. Sin que nos demos cuenta, incluso creyendo que todo está bien, que solamente es una simple etapa...

Y como toda obra que se puede tomarse como modelo o parámetro, bueno, resulta de un valor inmenso.

© Angel Capparelli

Buenos Aires, Argentina

El Hueso de Alba

2011-12-02T04:52:00.000-08:00

El 12 de diciembre a las 20:30, en el tradicional Café Monserrat de la zona sur capitalina, la poeta Alba Estrella Gutiérrez brindará, en el día de su cumpleaños, un recital poético de carácter humorístico el cual, según palabras de la autora, fue "escrito en noches de insomnio".

Alba Estrella Gutiérrez en

"HUESO DURO DE PELAR"

Lunes 12 de diciembre a las 20:30

Café Monserrat

San José 524

Capital Federal

Entrada Libre

Desde Notibar deseamos para nuestra querida amiga Alba Estrella Gutiérrez el mayor de los éxitos en su recital y un ¡muy feliz cumpleaños!!!!!

"LA DE TANGO" en Ingeniería

2011-12-01T04:53:00.000-08:00

"La de Tango"

Orquesta de Tango del Conservatorio Ginastera de Morón

"última presentación del año de su 1er. CD"

en el Auditorio de la Facultad de Ingeniería de la UBA.

El próximo viernes 2 de diciembre "La de Tango", Orquesta de Tango del Conservatorio Ginastera de Morón, dirigida por Javier González, hace la última presentación del año de su primer CD en el Auditorio de la Facultad de Ingeniería de la UBA.

Además de esta formación actuarán el "Conjunto de Guitarras Tango" y los cantantes Paulina García, Alberto Raúl y Adriana Carlevari.

Interpretarán versiones instrumentales y cantadas de tangos clásicos y contemporáneos.

Viernes 2 de Diciembre - 20,30 hs.

Auditorio de la Facultad de Ingeniería de la UBA

Av. Paseo Colón 850 - CABA

Bono contribución $15

Lucy Saborido y sus alumnos de Canto

2011-11-30T13:01:00.000-08:00

Lucy Saborido presenta a sus alumnos en Concierto:

Laura Conroy

Ana Fonderbrider

Adriana Gadea

Fernando González Saborido

Pablo Moreno

Carla Pousa

Andrea Sassi

Camille Wiener

Piano: Patricia Motta

Preparación vocal y producción general: Lucy Saborido

Sábado 17 de diciembre de 2011, 20.30hs.

Av. de Mayo 1117, Ciudad de Buenos Aires

Derecho de admisión $40 (incluye una pizzeta y 1 cerveza ó gaseosa)

-----------

Lucy Saborido

Seminarios permanentes de Tango.

Técnica Vocal para Niños y Adolecentes.

Entrenamiento vocal para actores y estudiantes.

Clases especiales para Extranjeros.

http://www.lucysaborido.com.ar/

Felicitaciones Raquel Luisa Teppich!

2011-11-30T12:47:00.000-08:00

Notibar felicita a Raquel Luisa Teppich por los Premios "Faro de oro" y "Sexto Sentido" 2011. Los mismo fueron entregados el pasado día 26 del corriente en la ciudad de Mar del Plata.

Es el deseo de esta columna que nuestra amiga y colaboradora siga firme en el rumbo que se ha propuesto desde su labor literaria y radial: lograr un mundo de paz, amor y sin discriminación.

William Blake, pintor visionario y poeta apocalíptico

2011-11-27T09:25:00.000-08:00

Hoy recordamos a William Blake, poeta, pintor y tipógrafo inglés, cuya pintura es definida por los académicos como pintura fantástica. Nació en Londres el 28 de noviembre de 1757 y vivió en un tiempo significativo de la Historia, caracterizado por el Iluminismo y por la Revolución Industrial en Inglaterra. Siendo escritor, Blake puede ser catalogado como romántico pues su pluma acentuó lo que muchos se negaban a ver: la pobreza, la injusticia social, la negatividad del poder de la Iglesia Anglicana y el Estado. Fue un artista que recreó un mundo extraño y fantástico y que tuvo gran peso en el arte del siglo XX ya que se lo ha considerado precursor del Surrealismo. Hay quien afirma que hacía sus obras en estado de alucinación.

Perteneció a una familia de clase media: su padre era fabricante de ropas y su madre cuidaba de la educación de sus cuatro hijos. Ya en su infancia la Biblia tuvo una profunda influencia sobre Blake, volviéndose una de sus mayores fuentes de inspiración.

Desde muy joven William afirmaba tener visiones. La primera de ellas ocurrió cuando tenía 9 años y dijo haber visto a los ángeles colocando guirnaldas brillantes en las ramas de un árbol. Más tarde, en una oportunidad en que observaba a los labriegos trabajando el heno, tuvo la visión de figuras angélicas caminando entre ellos.

A los 10 años de edad, comenzó a grabar copias de antiguos dibujos griegos comprados por su padre, además de escribir e ilustrar sus propias poesías. Debido a ello fue enviado por sus padres a trabajar como aprendiz en el taller del entonces famoso grabador James Basire. Este discipulado, que se extendió hasta sus 20 años, logró que Blake se volviera un profesional del arte. A través de sus biógrafos, se comprueba que la relación entre maestro y discípulo era tranquila y armoniosa. Entre los trabajos realizados en esa época, se destacan las imágenes de las iglesias góticas de Londres, particularmente de la Abadía de Westminster, afirmando así su estilo personal en el diseño.

Blake comenzó a escribir poesía a la edad de 12 años, y su primera obra impresa, “Esbozos poéticos” (1873), es una colección de poemas de juventud, en los que, entre una serie de elementos bastante tradicionales destacan pasajes que presagiaban lo que sería su estilo posterior. Como el resto de su producción, llegó a muy pocos lectores en su época.

En 1779 comenzó sus estudios en la Royal Academy, una respetada institución artística de Londres. Su beca estudiantil sólo contemplaba que no pagase las clases pero el material requerido en los seis años de duración del curso debería proveerlo el alumno. Este período de su vida se caracterizó por el desarrollo del carácter y las ideas artísticas de Blake, que a veces chocaban contra las de sus profesores y colegas, especialmente con el director, Joshua Reynols, ya que las doctrinas de Reynols sobre la búsqueda de la verdad y la belleza no terminaban de encajar del todo con los ideales de Blake. El joven estudiante siempre vería en lo clásico un modelo a imitar, Rafael y Miguel Ángel serian punto de discusión entre ambos.

En 1782, después de un noviazgo que terminó con un terminante rechazo a su propuesta de casamiento, Blake se casó con Catherine Boucher, a quien le enseñó a leer y escribir, además de las tareas de tipografía. Catherine le retribyó, ayudándolo devotamente en sus trabajos, durante toda la vida. Fue un matrimonio sin hijos, pero feliz.

William Blake escribió e ilustró más de veinte libros, incluyendo “El Libro de Job” de la Biblia, “La Divina Comedia” de Dante Alighieri –trabajo que quedó inconcluso debido a su muerte- y muchos títulos de grandes artistas británicos de su tiempo. Muchas de sus obras fueron marcadas por sus fuertes ideas de libertad, principalmente en los poemas del libro “Songs of Innocence and of Experience” donde condenaba a la Iglesia y a la alta sociedad como explotadores de los débiles. En el primer volumen de esa obra, “Songs of Innocence”, aparecen trazos de misticismo. Cinco años después retoma el tema en el segundo volumen: “Songs of Experience”, estableciendo una relación dialéctica con el libro anterior, donde acentúa la malignidad de la sociedad. Inicialmente publicados en forma separada, los dos libros se unieron luego, revelando así los dos estados opuestos del alma humana.

El poeta siempre rechazó al autoritarismo, en otros textos publicados en 1788: “No hay religión natural” y “Todas las religiones son una”. En 1790 publicó su prosa más conocida, “The marriage of Heaven and Hell”, donde formula una posición religiosa y política, revolucionaria para la época: “la negación de la realidad de la materia, de la condena eterna y de la autoridad”. Entabló amistad con muchas feministas de su época, ya que compartía con ellas, su visión de la igualdad de sexos y el respeto hacia la mujer. Mary Shelley (autora de “Frankenstein”) llegó a ser una de sus más queridas amigas. En su obra “Visions of the Daugthers of Albion” (1793) Blake condenará el matrimonio sin amor y la crueldad de la castidad.

A pesar de su talento, el trabajo de grabador era poco requerido en su tiempo y los libros de Blake eran considerados extraños por la mayoría. Debido a esto, Blake nunca alcanzó una significativa fama y vivió prácticamente en la pobreza.

Muy a menudo William Blake es tildado de “místico” por una amplia corriente de académicos de la poesía, pero esto no es así. Si bien escribió deliberadamente en el estilo de los profetas hebreos y de los escritores apocalípticos, presentía que sus trabajos expresaban profecías y, para ello, seguía los pasos del poeta Milton. En realidad, creía claramente que su ser había incorporado al espíritu del autor de “El Paraíso perdido”.

A los 67 años, comenzó los diseños para el “Infierno” de la Divina Comedia, y se concentró tanto en esa tarea, que aprendió el italiano para profundizar mejor en el universo del Dante. Hasta el día de su muerte, el 12 de agosto de 1827, trabajó exhaustivamente en esta obra, a pesar de la pésima condición física que lo llevaría a su fin. Su funeral, bastante humilde, fue pagado como parte del trabajo por quien le encargara el libro de Dante. Y a pesar de su precaria situación financiera, Blake murió sin deudas.

Hoy en día, William Blake es reconocido como un Santo por la Iglesia Gnóstica Católica, y el premio Blake Prize for Religious Art se entrega anualmente en Autralia, en su homenaje.

UNA IMAGEN DIVINA

La crueldad tiene corazón humano

y la envidia humano rostro;

el terror reviste divina forma humana

y el secreto lleva ropas humanas.

Las ropas humanas son de hierro forjado,

la forma humana es fragua llameante,

el rostro humano es caldera sellada

y el corazón humano, su gola hambrienta.

William Blake

Versión de © Antonio Restrepo

Buenos Aires, Argentina

En el cine las estrellas: Boris Karloff

2011-11-23T13:12:00.000-08:00

Hoy recordamos el 124º aniversario del nacimiento de quien fuera uno de los grandes íconos del cine de terror de todos los tiempos: Boris Karloff. A partir de su protagónico en “Frankenstein” (1931), de James Whale, su nombre y su rostro quedaron plasmados en el imaginario popular como uno de los monstruos más queridos, más admirados y más inolvidables de todos los públicos.

Karloff nació en Inglaterra, en el suburbio londinense de Camberwell, el 23 de noviembre de 1887 y fue bautizado como William Henry Pratt. Su familia estaba compuesta por siete hermanos y una hermana, y sus padres fallecieron cuando aún era niño. Ya jovencito, asistió a clases en varias escuelas de arte escénico. Aunque la primera meta de Karloff era unirse al servicio diplomático (su hermano Sir John Henry Pratt, llegó a convertirse en un famoso y distinguido diplomático), en 1909, viajó a Canadá, intentando probar suerte como actor en ese país. En ese tiempo creó su nombre artístico el cual, según él, el apellido Karloff venía de sus ancestros rusos por parte de su madre y el nombre Boris fue elegido al azar. Por razones de salud, no combatió en la Primera Guerra Mundial.

Trabajó en teatro y radio hasta que finalmente, en 1919, cuando contaba con 32 años de edad, actuó en su primera película, "His Majesty, the American", muda, dirigida por Joseph Henabery, donde Karloff aparece sólo como un extra más en una historia de aventuras y su nombre no figura en los títulos. A partir de allí y hasta su gran éxito, apareció en otros 48 filmes mudos y en 15 sonoros.

Tuvo que esperar hasta 1931 para ser mundialmente conocido al personificar a la criatura de “Frankenstein, película que ha sido considerada por infinidad de críticos como uno de los mayores y más importantes clásicos de terror. La adaptación que James Whale hiciera de la novela de Mary Shelley y la estupenda actuación de Boris Karloff, han hecho de esta película una obra de arte inolvidable.

“Frankenstein” inicialmente sería dirigida por Robert Florey y protagonizada por Bela Lugosi (quien recientemente había actuado en “Drácula”) pero ambos nombres fueron cambiados a último momento. Lugosi rechazó el papel debido a que no poseía diálogos y a que estaría cubierto de maquillaje. Entonces llamaron a Karloff para el personaje del monstruo (Florey y Lugosi terminaron luego haciendo “Los crímenes de la Rue Morgue”, basado en el relato de Edgar Allan Poe).

Contando con la ayuda del importante maquillador de la Universal, Jack Pierce, la criatura de Frankenstein resultó aterrorizante y fascinó al público. Son conocidas las largas sesiones de maquillaje con vendajes, barniz y algodón a las que tuvo que someterse y el incómodo traje y los zapatos de plataforma que le causaron daños en la espalda por el resto de su vida. Fue un gran éxito de boletería, recaudando cerca de 12 millones de dólares, superando en mucho a la modesta producción de 250 mil. El actor no aparece en los créditos iniciales de la película, siendo su lugar ocupado por un signo de interrogación; solo en los créditos finales se aclara que es Karloff, a secas, quien interpreta al monstruo. Bette Davis fue considerada para interpretar a Elizabeth, pero finalmente Mae Clarke obtuvo el papel. En la película participaron también Dwight Frye, como Fritz, y Edward Van Sloan como el Dr. Waldman; ambos habían actuado con anterioridad en “Drácula”.

Y fue a partir de este trabajo que Karloff ganó la celebridad y se apoyó de ahí en más en personajes misteriosos y aterrorizantes que lo acompañaron hasta la muerte.

En los años siguientes fue muy requerido, principalmente por la Universal, y protagonizó otros clásicos como "El caserón de las sombras " (1932), donde interpretó a un mayordomo mudo y asesino que vivía en un caserón gótico, “La momia” (1933), personificando a una momia egipcia que volvía a la vida después de 3700 años, y en el mismo año actuó en "El vampiro", su primer trabajo para Inglaterra, interpretando a un profesor que muere y retorna a la vida como un zombi. En 1935 Karloff volvió a su papel del monstruo en “La novia de Frankenstein”, otro éxito que superó al original, cerrando la trilogía en 1939, con “El hijo de Frankenstein”. Nunca más habría de interpretar al personaje que lo catapultó al estrellato.

Entre el final de la década del 30 y comienzos de los ’40, realizó varias películas de la Columbia, interpretando a científicos locos en medio de sus macabras experiencias, como en "El poder invisible " (1936), donde Karloff descubre un rayo poderoso que lo transforma en un asesino, “El hombre que trocó su mente”(1936) protagonizando a un científico que busca el origen del alma y de la mente, "La hora fatídica” (1940), donde encarna a un detective chino, "The Man With Nine Lives" (1940), abordando el tema de la cura del cáncer por congelamiento, "Before I Hang" (1940), con el tema del rejuvenecimiento, "The Devil Commands" (1940), sobre la investigación de las ondas cerebrales en personas muertas, y "The Boogie Man Will Get You" (1942), donde el actor crea una máquina que fabrica superhombres. En "La casa de Frankenstein" (1944), interpretó a un sabio demente que huye de la prisión y resucita a Drácula (John Carradine), al Hombre Lobo (Lon Chaney Jr.) y a la criatura de Frankenstein (Glenn Strange). Y ya en plena década del 40 Karloff realizó una serie de filmes para la RKO asociado con el productor Val Lewton. El resultado fue una serie de pequeñas obras maestras del horror junto a Bela Lugosi, como “El ladrón de cadáveres”, (1945), "La isla de la muerte" (1945) y "Bedlam" (1946).

Los años ’50 fueron de escaso éxito para el actor, sin ninguna obra importante. Sólo hizo algunos trabajos de humor negro con los cómicos Abbott y Costello.

Luego vino su etapa con Roger Corman y la productora American International. Ambos se asociaron, en la década del 60, y rodaron juntos varias películas al lado de grandes actores como Basil Rathbone, Vincent Price, Peter Lorre y Jack Nicholson. A esta época pertenecen joyas del humor negro, como “El cuervo” (1963), "La comedia de los horrores” y también “El terror” interpretando aquí, junto a Nicholson, a un viejo barón recluido en una macabra mansión.

En 1964 fue el presentador de la película italiana "Las tres caras del miedo", dirigida por Mario Bava, que está dividida en tres episodios donde también interpretó, en uno de ellos, a un vampiro. En 1965 filmó “Muere, monstruo, muere” basada en una historia de H. P. Lovecraft. Y en 1968 protagonizó su última película: “Míralos morir”, personificando a un actor de películas de terror, dirigido por Peter Bogdanovich.

A partir de ahí, anciano ya, su estado de salud empeoró, con graves problemas respiratorios que lo llevarían a la muerte en 1969. Después de su fallecimiento, fueron estrenadas dos películas que había rodado en 1967-68: "La maldición del altar rojo”, con Christopher Lee, una historia basada en un relato de H. P. Lovecraft, y "El coleccionista de cadáveres", ambas con Karloff en silla de ruedas debido a su precario estado de salud. En 1971 fueron estrenados cuatro películas de producción mexicana, en las cuales Karloff había filmado su participación en Estados Unidos, escenas que luego fueron montadas en México. De esa serie, películas que se volvieron rarezas y de culto, se destaca "Serenata macabra” donde interpreta a un anciano millonario que convoca a sus familiares para darles a conocer su testamento.

Boris Karloff actuó en el cine a lo largo de medio siglo y trabajó con algunos de los más importantes nombres del cine norteamericano de su época, como Mervyn LeRoy, Michael Curtiz, Raoul Walsh, James Whale, Howard Hawks o John Ford, y también formando binomios con sus colegas contemporáneos, como Bela Lugosi o Lon Chaney Jr. Si bien Karloff quedo estigmatizado con su personaje en “Frankenstein”, la fuerza que su nombre adquirió fue tan grande que decir Boris Karloff era decir terror. Por eso fueron muchos los que se aprovecharon del valor comercial de tal asociación, y sería importante saber que, por detrás de aquella horrorosa criatura, podía encontrarse a un hombre alto y pacífico, de enorme sensibilidad, elemento que permitió la grandeza de su interpretación en la más perfecta versión que hubo de la obra de Mary Shelley. Además fue conocido en su vida real como un caballero generoso, sobre todo con la infancia.

Boris Karloff siempre hizo comentarios cariñosos sobre el personaje: “Fue mi mejor amigo”, llegó a decir. Pero no siempre le gustó que asociaran su nombre a los clásicos del terror.

Cierta vez le preguntaron si le importaba ser identificado siempre como el protagonista de “Frnakenstein”. Respondió: “Siempre estoy escuchando quejas de los actores por estar identificados con la imagen de sus personajes. Si el actor es joven, le dicen juvenil y pasa a secundario. Y si es lindo, queda como protagonista. Yo tuve suerte. Mientras los fabricantes gastan millones en establecer una patente, a mí me ofrecieron un modelo registrado, sin contrapartidas. Cuando un actor está en condiciones de elegir sus propios papeles es probable que le vaya mal porque nunca sabrá cuál es su especialidad o lo que sabe hacer mejor. Estoy seguro que yo sería muy bueno personificando “El pequeño Lord Fauntleroy” pero ¿quién pagaría para verme?”

Karloff actuó en 200 películas (mudas, sonoras y televisivas) en radio, teatro, y participó en muchos shows para la televisión. Falleció en Londres, a los 82 años, el 2 de febrero de 1969.

El trailer de "Frankenstein" (1931)

© Alberto Peyrano

Buenos Aires, Argentina

Javier González, conurbano, ida y vuelta

2011-11-21T06:30:00.000-08:00

JAVIER GONZÁLEZ y Grupo

presentan su CD

¨Conurbano. Ida y vuelta¨

(Tango instrumental contemporáneo)

El experimentado y premiado músico, autor de varios tangos emblemáticos de la generación de los ´90, (como ¨Pompeya no olvida¨ y ¨Ser mina flor de cardo¨, e/otros) da a luz ahora, a su primer CD de "Nuevo Tango Instrumental". Frente de su sexteto presentará un repertorio, integrado por tangos, milongas y candombes de su autoría y de otros compositores contemporáneos, en el que plasma un sonido intenso y poco melancólico, que da cuenta de la estética tanguera de estos días. Un tango que se produce en los márgenes de la ciudad, ¨alejado de las luces del centro¨, pero que sin embargo testimonia el lugar y el tiempo, en el que le toca existir.

JAVIER GONZALEZ: composición; arreglos; dirección; guitarras.
LUIS VÁZQUEZ: bandoneón
MARIANO SILVA: piano
ALEJANDRO WARD: bajo eléctrico
MARIELA FOCAS: flauta traversa
HÉCTOR CORREA: batería y percusión

PATRICIA BARONE: artista invitada

Jueves 24 de Noviembre - 20 Hs.

Casa del Fondo Nacional de las Artes

Rufino de Elizalde 2831 - CABA (Barrio Parque)

Entrada: Libre y gratuita

http://www.baroneygonzalez.com.ar/

www.myspace.com/javiergonzaleztango

javier@baroneygonzalez.com.ar

Welles, La dama de Shangai y el cine de autor

2011-11-21T06:17:00.000-08:00

Muchas veces decimos: es una obra de autor. ¿No?

Entonces, nada mejor que La dama de Shangai para definir qué es cine de autor. O sea, estamos ante alguien que deja marcas, huellas notables, que toma una simple historia policial que en manos de otro sería una peli más y van...tantas, pero tantas, y hace algo diferente, distinto, inmortal, para todas las épocas y todas las latitudes. Emerge entonces la figura del genio... de eso que hablábamos inicialmente: el cineasta de culto que reverencian todos.

Los primeros planos, los rostros sudorosos, los diálogos profundos, las situaciones caóticas, casi oníricas, casi surrealistas, de algunos pasajes y todo eso en una historia de cine negro, bien negro, film noir por excelencia, pero al que se le da un toque distinto, sustancial, de un director que deja su personalidad. Eso, señoras y señores, es cine de autor. Cuando sin saber quien filma, por algunas escenas, tomas, o secuencias, podemos decir, establecer sin temor a equivocarnos, esto es de Orson... como cuando vemos un cuadro de Renoir, o Van Gogh y no necesitamos ver la firma.

Las escenas finales de las películas, copiadas, homenajeadas hasta el hartazgo, resultan inolvidables. Esa secuencia de espejos múltiples que significan también maldad múltiple es algo sencillamente excepcional. Nadie puede dejar de quedar seducido por el film. Con dos puntales soberbios: Welles en su doble función de director e intérprete, y Rita, más actriz que nunca, desmitificada de su aureola de mujer fatal pero buena, aquí es fatal y no tan buena, como suele ocurrir con las mujeres del cine negro. Además no es la clásica pelirroja admirada. Está fría, distante, maquiavélica, y además rubia y con el cabello corto. Es una Rita distinta que juega como contrapartida del irlandés corpulento que interpreta Orson.

Rita y Orson... fundamentales Pero no son los únicos; los trabajos de Everett Sloane y Glenn Anders también alcanzan niveles superlativos. Qué cuarteto, por Dios...

Qué cine.

No voy a olvidar nunca algunas secuencias, como ser la canción sensual que entona Elsa en el yate. O el diálogo monólogo de Michael sobre la destrucción de los tiburones, impresionante metáfora que anticipa las posteriores derivaciones del argumento. O toda la secuencia del final en el parque de diversiones, en la casa de los locos, o en el mundo de los espejos, y la escena de Elsa implorando y la cámara a ras del suelo en plano medio, mientras Michael se va, se aleja, se retira, queriendo huir de toda la pesadilla, pero sabiendo al mismo tiempo que va a estar condenado al recuerdo.

Si alguno no vio esta película, persona a la que envidio, no deje de verla. Las citas con Welles son sencillamente impostergables, es el encuentro con el cine grande, el cine más grande, aquel que puede realizar muy poca gente... Aquí, transforma una novelita común que se vendía en quioscos de diarios, sin demasiadas expectativas, en un film inmenso...

Cada vez más inmenso con el paso de los años...

Buenos Aires, Argentina

TANGO...pa´quererte mucho!

2011-11-19T03:07:00.000-08:00

LOS INICIOS
por Tesy Cariaga

En los años 1880 la Ciudad de Buenos Aires era, prácticamente, una gran Aldea ubicada sobre el puerto.

La gente buscaba diversión en los circos, donde los payadores criollos improvisaban con música de milonga criolla sus payadas. De más esta decir que el disco no se había inventado, ni la radio y menos aún la televisión, el único modo de escuchar música era en vivo, en presencia de los músicos, quines además tocaban de oído, no sabían leer música. Estos fueron nuestros primeros pasos hacia el Tango.

La mayoría de los habitantes que se distribuyeron en la zona del Río de la Plata eran inmigrantes que llegaban a estas tierras en busca de un futuro mejor, y dejaban en sus países a sus familias constituidas o a sus novias; fue éste el motivo por el que se originaron tantos burdeles, y se trajo para ese trabajo a mujeres francesas, italianas, españolas, polacas y alemanas. En realidad como la demanda era superior a la oferta los dueños de los burdeles, para que el cliente no se aburriera mientras esperaba satisfacer sus necesidades, contrataban grupos de músicos -en esa época los grupos eran formados por tríos: guitarra, violín y flauta, estos amenizaban la espera, y ejecutaban la música conocida del momento: polcas, habaneras, valses, chotís.

En una oportunidad, de la fila salieron dos clientes envueltos por la sensualidad de esa música y trataron de seguir el ritmo, fue tanto el éxito que los músicos tuvieron que repetir el tema, ignorando que había nacido el Tango.

Comencemos por establecer que el tango es la música característica de los porteños, de los que habitaban la ciudad de Buenos Aires.

Hay quienes vinculan el término tango al negro y, más precisamente al africano. Alguno pretendió compararlo incluso con el jazz. Si bien nacieron prácticamente en la misma época, este último es de origen netamente africano; los lamentos de los esclavos, los cantos religiosos, los blues fueron sus comienzos; el tango en cambio, nada tuvo de estos orígenes.

He aquí el primer tango "oficial" podríamos llamarlo, la letra es de Alfredo Gobbi (padre) y la música de Angel Villoldo, y fue escrito en el año 1903.-

EL PORTEÑITO

Soy hijo de Buenos Aires,

por apodo "El porteñito",

el criollo más compadrito

que en esta tierra nació.

Cuando un tango en la vigüela

rasguea algún compañero

no hay nadie en el mundo entero

que baile mejor que yo.

No hay nunguno que me iguale

para enamorar mujeres,

puro hablar de pareceres,

puro pico y nada más.

Y al hacerle la encarada

la filo de cuerpo entero.

asegurando el puchero

con el vento que dará.

Soy terror de los franelas

cuando en un baile me meto,

porque a ninguno respeto

de los que hay en la reunión.

Y si alguno se retoba

queriendo meterse a guapo

yo le encajo un castañazo

y a buscar quien lo engendró.

Cuando el vento ya escasea

le formo un cuento a mi china

que es la paica más ladina

que pisó el barrio del sur.

Y como caído del cielo

entra el níquel al bolsillo

y al compás de un organillo

bailo el tango a su salú.

No sólo están los que afirman que el tango procede de la habanera, otros establecen un parentesco con el tanguillo andaluz. El maestro Horacio Ferrer afirma que el tango es hermano y no hijo de las otras. Entre los primeros tangos podemos mencionar: “Dame la lata”, “El tero” y “Andáte a la Recoleta”.

A partir de esta época los peringundines, academias, salas de baile y otros locales de diversión comienzan a sucumbir a los encantos de esta danza original, que se va extendiendo inexorablemente, es entonces cuando tuvo lugar el comienzo de la enorme producción de tangos.

http://tesycariaga.blogspot.com/

En el cine las estrellas: Clark Gable

2011-11-17T12:12:00.000-08:00

Se cumplió ayer el 51º aniversario del fallecimiento de Clark Gable Pasión imposible de innumerables mujeres de todo el mundo, ganador de un Oscar en 1934 y el gran actor de “Lo que el viento se llevó” fue uno de los más famosos actores de la historia del cine. En pleno auge de su carrera fue llamado “el Rey de Hollywood” y en 1999 el prestigioso Instituto Americano del Cine lo consideró la séptima estrella masculina más grande de todos los tiempos.

William Clark Gable nació en Cadiz, Ohio, Estados Unidos, el 1º de febrero de 1901. Era hijo del perforador de pozos petrolíferos William Henry Gable, y de Adeline Hepshelman, descendiente de alemanes e irlandeses. Pero el apellido paterno de Clark no era Gable sino Goebel y fue cambiado por Gable. Aprovechando esto, la MGM inventó la idea de que Gable era descendiente de holandeses e irlandeses y no de alemanes, debido al auge del nazismo en la época exitosa del actor, y además porque podía sugerir algún parentesco con el jerarca nazi Joseph Goebbels. Clark era el apellido de soltera de su abuela.

A los pocos meses de nacer, Clark perdió a su madre, debido a la fragilidad física de la mujer y porque las condiciones del parto la debilitaron en extremo, pero también a las complicaciones que surgieron con su epilepsia muy avanzada. Es probable, entonces, que haya fallecido a causa de un tumor cerebral. Pero antes de morir, la madre lo bautizó en la religión católica aunque después de su muerte, el ala paterna de su familia no aceptó tal bautismo, creándole problemas a la familia materna, problemas que sólo fueron resueltos cuando el padre de Clark lo mandó a vivir con su tío materno, Charles Hershelman, en Vernon, Pensilvania. Hasta los dos años Clark estuvo bajo el cuidado de sus tíos materno, hasta que su padre lo llevó nuevamente a vivir a Hopedale, Ohio. El padre se casó nuevamente, en abril de 1903, con una mujer culta y gentil, Jannie Dunlap, quien crió a Clark como a un hijo propio.

Gable cursó sus estudios elementales en la Hopedale Grade School, y después en la Edinburg High School. A los 14 años ya medía 1,83 m, pesaba 68 kg y formaba parte de un club deportivo, además de tocar la trompeta en la escuela. Uno de sus amigos, Andy Means, comenzó a trabajar en una fábrica neumáticos, la B. F. Goodrich, en Akron, y Gable decidió acompañarlo, abandonando sus estudios a los 16 años.

Ya en Akron, asistió a una función teatral donde se representaba la obra "The Bird of Paradise", y fue allí que su vocación de actor se hizo presente, y consiguió inmediatamente un pequeño papel en esa compañía, personificando a un mandadero.

Al año siguiente falleció su madrastra y Clark, acompañado del padre y muy a disgusto, marchó hacia los campos petroleros de Tulsa. Trabajó entonces como empleado en la explotación del petróleo y simultáneamente como domador de caballos, aunque no dejó de lado su idea de volver a actuar. A los 21 años, habiendo heredado 300 dólares de su abuelo, abandonó los negocios del padre y se marchó a Kansas City. Esto bastó para que su padre rompiera relaciones con su hijo y no volvieran a hablarse durante diez años.

En su nueva residencia, Clark formó parte de una compañía de teatro ambulante, la Jewell Players, la que terminó disolviéndose dos meses después. Entonces, queriendo cambiar de suerte, partió hacia Oregon, y en el trayecto llegó a ser vendedor de corbatas en la tienda Meier & Frank. Allí, uno de sus compañeros, Earle Larrimore, estaba por unirse a un grupo teatral que partía para Astoria y Gable los acompañó. Una de las integrantes del grupo, la actriz Franz Dorfler, se enamoró de Clark, comenzaron un noviazgo pero no llegaron a casarse. Posteriormente, Dorfler escribiría un artículo llamado “Yo fui la novia de Billy Gable” publicado en el libro “The Films of Clark Gable", de Gabe Essoe.

En Portland (Oregon), Gable trabajó en un diario y en la compañía telefónica, y al mismo tiempo tomaba lecciones de canto. Integróse a otro grupo de teatro, dirigido por la actriz ya retirada Josephine Dillon, catorce años mayor que Clark, y que sería de mucha influencia para la carrera de quien sería el gran actor. Josephine le enseñó expresión corporal, actuación, declamación y pagó el arreglo de su dentadura y su nuevo estilo de cabello, preparándolo así para la carrera cinematográfica.

En 1924, cuando Josephine se marchó a Hollywood, Gable la siguió y el 13 de diciembre de aquel año se casaron. Y fue ella quien cambió el nombre de W.C. Gable, por el de Clark Gable. Bajo la protección de su esposa, el actor consiguió participar como extra en algunas películas, como la comedia “Forbidden Paradise" protagonizada por Pola Negri, y una serie de episodios titulada “The Pacemakers”.

Entre 1927 y 1928 Gable actuó con la Laskin Brothers Stock Company, en Houston (Texas), donde hizo diversos papeles, ganando considerable experiencia y convirtiéndose en un ídolo local. Fue así que decidió viajar a Nueva York y consiguió trabajo en Broadway. El diario Morning Telegraph lo consideró “joven, vigoroso y brutalmente masculino”.

En 1930 se divorció de Josephine Dillon y, en viaje a Houston, conoció a una mujer muy adinerada de Texas, 17 años mayor que él, Rhea Franklin Prentiss, quien se tornó su compañera insoslayable y le enseñó a vestir como un neoyorkino. A los pocos días de conocerse se casaron y luego volvieron a hacerlo en California.

En ese mismo año, después de una impresionante actuación personificando a Killer Mears en la obra “The Last Mile”, producida por su esposa, Clark consiguió excelentes críticas, lo que le valió numerosas invitaciones para hacer pruebas en el cine. En una de ellas, Darryl F. Zanuck lo probó para el papel de "Little Caesar" y lo rechazó alegando: “No sirve para el cine. Las orejas son grandes y se parece a un mono”.

La representante Minna Wallis, hermana de Hal Wallis, habiendo visto la prueba, quedó impresionada con la actuación de Clark e inmediatamente lo llevó a la Pathé, donde su primer papel en un film sonoro fue un pistolero, en el western “Desierto pintado” de William Boyd, en 1931. En ese tiempo, comenzó a recibir muchas cartas de fans, enamoradas de su voz y su actuación.

La MGM se interesó en él y resolvió confiarle un papel en “La pecadora”, junto a Constance Bennett, Robert Montgomery y Anita Page. No obstante, su nombre era el último del elenco pero su éxito le valió que la MGM lo contratara para los dos años venideros.

Después de representar a algunos villanos en muchas películas, tales como “Danzad, locos, danzad”, “Los seis misteriosos”, “The Finger Points” y “Laughing Sinners”, Gable alcanzó la fama como el marginal de "Un alma libre", en 1931, junto a Norma Shearer, donde su personaje secundario pasó a ser el protagonista, aun cuando el marido de la Shearer, Irving Thalberg, intentó modificar el argumento tratando de distanciarlo de su esposa.

Louis B. Mayer y el director de publicidad Howard Strickling, quien se tornaría uno de los grandes amigos de Clark Gable, tuvieron la idea de lanzar un nuevo tipo de galán, más cínico y menos romántico, con fuerza y sex-appeal agresivo, características muy compatibles con el período de violencia y agitación que se vivía durante la Gran Depresión. Y ese armado del nuevo ídolo, no sólo le abrió la puerta del estrellato a Gable sino también a James Cagney, Humphrey Bogart, Spencer Tracy y George Raft.

En 1933, debido a su rebeldía y a las tentativas que hacía para elegir los papeles que le gustaba representar, Gable fue cedido, como “castigo” a la entonces incipiente Columbia, para el rol del periodista Peter Wayne, en la premiada película “Lo que sucedió aquella noche”, de Frank Capra, con el cual ganó un Oscar como mejor actor. Se cuenta que, debido a esta película, Gable influenció sobre la moda masculina de la época, cuando en una escena, al quitarse la camisa, lució su torso desnudo sin camiseta, contrariando la costumbre entonces vigente entre los hombres. Los vendedores de ropas masculinas de todo el país confirmaron que, a partir de entonces, hubo una importante caída en las ventas de camisetas.

Gable, transformado por Capra en un gran comediante, comenzó a apartarse del estereotipo de galán machista que había utilizado hasta entonces, convirtiéndose en el galán romántico de “Encadenada”, “Cuando el diablo asoma” y “El escándalo del día”; en el médico de “Men in White”, en el rufián de “El enemigo público Nº 1”; en el aventurero de “Mares de China” y “La llamada de la selva”, y en el inolvidable Fletcher Christian de “Motín a bordo”, que le valió una nueva nominación para el Oscar. Actuando en “La llamada de la selva”, de William Wellman, Gable tuvo un romance extraconyugal con Loretta Young, unión de la cual nació una niña, Judy Lewis (en ese tiempo, Loretta decía que había adoptado a la niña al poco tiempo de nacer).

Cedido temporariamente a la Paramount en 1932, para filmar “No Man of Her Own”, fue el coprotagonista de Carole Lombard, quien en ese tiempo estaba casada con William Powell, y se volvió su admirador. Carole, posteriormente, se divorció, y el interés de Gable por ella, aumentó. Se divorció de Rhea en 1939 y un mes después se casó con Carole en Kingman, Arizona. Había comenzado la Segunda Guerra Mundial, y Gable fue nombrado, por el Presidente Roosevelt, Presidente del Comité de Hollywood para la Victoria, y Carole fue incluida en el primer viaje con la finalidad de vender Bonos de Guerra.

A pesar de que rechazaba el personaje de Rhett Butler en “Lo que el viento se llevó”, en 1939, Gable fue aún más conocido por ese papel, por el cual fue nominado nuevamente al Oscar. Carole Lombard pude haber sido la primera en sugerirle que lo aceptase ya que ella pensaba personificar a Scarlett

En realidad, Gable fue elegido para el papel de Buttler no sólo por la opinión del público, que lo seleccionó por votación en un concurso de la Revista Photoplay sino también por el productor David O. Selznick, quien primero había negociado con Errol Flynn, a lo cual la Warner Brothers se negó pues no quería ceder a Flynn sin Bette Davis.

La negociación de Gable se hacía difícil porque estaba contratado por la MGM, perteneciente al suegro de Selznick, Louis B. Mayer, con quien Selznick tenía problemas por haberse ido de la MGM y afiliado a la United Artists, formando la Selznick International. La Metro terminó aceptando ceder a Gable a cambio de la distribución mundial de la película. Se cuenta que para obtener a Gable como protagonista, Selznick le pagó a la MGM cerca de 40 millones de dólares. “Lo que el viento se llevó” fue el mayor éxito cinematográfico de la carrera de Clark Gable y su momento cumbre como actor.

El estreno de esta joya de todos los tiempos se llevó a cabo en Atlanta pero debido al extremo racismo que había en esa ciudad, se determinó que la actriz Hattie McDaniel (la primera mujer negra en ganar un Oscar y de gran presencia en el fillme) no podría asistir. Bastó esto para que Clark se solidarizara con Hattie, renunciando a estar presente en la gala y ganó así una amiga para toda la vida.

En enero de 1942 el avión en que Carol Lombard y su madre viajaban se precipitó a tierra, cerca de Las Vegas, muriendo ambas en el accidente. Fue la gran pérdida afectiva en la vida nuestro actor.

Un mes después de la tragedia, Gable actuó en “Yo la encontraré”, junto a Lana Turner. El actor había quedado devastado por la muerte de Lombard y vivió el resto de su vida, aun habiéndose casado otra veces, en la casa en que vivió con Lombard, en Encino, California. Volvió a casarse “pero nunca fue lo mismo”, le comentó cierta vez a Esther Williams.

Luego sirvió como voluntario en Europa durante la Guerra. Adolf Hitler le tenía gran admiración y al saber de su presencia en el frente, ofreció una fuerte recompensa para su captura, que nunca se llevó a cabo.

Después de volver de la Segunda Guerra mundial, recibió la Cruz de la Distinción en Vuelo, y la Medalla de la Fuerza Aérea, por "hazañas excepcionalmente meritorias en cinco diferentes misiones de combate en bombarderos". En 1944, fue ascendido a mayor y regresó a los sets, donde continuó actuando para la MGM. Retornó al cine, entonces, con "Adventure", en 1945, junto a Greer Garson, que no tuvo mucho éxito, iniciándose así el período crepuscular de su carrera. Sus últimas películas para la compañía fueron “Mogambo” y “La traición”.

Después de su tercer divorcio, tuvo un breve romance con la actriz Joan Crawford quien luego, en un reportaje, admiró sus dotes masculinas. Luego vendría una situación similar con Paulette Goddard, y en 1949, se casó con Silvia Ashley, viuda de Douglas Fairbanks y Baronesa de Alderly. El matrimonio duró sólo tres años.

En 1955, fue contratado por la 20th Century-Fox, actuando en “Cita en Hong-Kong" y "Garras de Ambición". Posteriormente, probó producir sus propias películas pero no tuvo éxito y desistió, firmando contrato con la Warner Bros primero, y después con la Paramount. Ese mismo año se casó con su antiguo amor, Kathleen Williams Spreckles, 15 años menor, quien tenía dos hijos, Joan y Adolph Spreckels III. Kathleen fue la última esposa de Clark, con quien vivió hasta el fin de su vida.

En 1960, su esposa descubrió que estaba esperando un hijo pero Gable no vivió para verlo nacer. Estaba filmando su última película: “Los inadaptados”, con argumento de Arthur Miller, dirigida por John Huston, y coprotagonizada por Marilyn Monroe, Eli Wallach y Montgomery Clift (ésta fue también la última película de Marilyn). Gracias a una vida regada con whisky y tres paquetes diarios de cigarrillos, la salud de Clark estaba muy deteriorada. Durante la filmación, rechazó el uso de dobles en las escenas en que montaba a caballo, sufría grandes tensiones nerviosas entre una escena y otra y eso significó una exigencia enorme para su corazón debilitado. Dos días después de finalizar el rodaje, Gable sufrió una trombosis coronaria.

Tras una aparente recuperación, la repetición del ataque cardíaco, diez días más tarde, provocó su fallecimiento el 16 de noviembre de 1960 en Los Ángeles, a la edad de 59 años. A lo largo de una carrera de 30 años, Clark Gable actuó en 67 películas, sin contar las que trabajó como extra en la época del cine mudo. Con una hija que nunca reconoció públicamente, una esposa con un destino trágico y un hijo que la muerte no le permitió ver, el Rey de Hollywood partió hacia la eternidad. Sus restos descansan junto a su esposa Carole Lombard en el cementerio de Glendale, en Los Ángeles.

Clark Gable y Carole Lombard en sus mejores tiempos

© Alberto Peyrano

Buenos Aires, Argentina

Los besos del escándalo

2011-11-17T04:28:00.000-08:00

Vuelve la polémica a las campañas publicitarias. Los besos son los protagonistas del nuevo anuncio de Benetton, pero el quid de la cuestión recae en quién los da. Los líderes políticos y religiosos del mundo desatan su pasión y unen sus labios para "combatir la cultura del odio".

Barack Obama y el líder chino Hu Jintao o Nicolás Sarkozy y Angela Merkel se dejan llevar por sus instintos más básicos y se comen a besos para la nueva campaña publicitaria de Benetton, que mediante montajes fotográficos recrea apasionados e imposibles besos.

Otros montajes de la campaña, llamada Unhate (algo así como Des-odia) son los del primer ministro israelí Benjamin Netanyahu besándose con el presidente de la Autoridad Nacional Palestina Mahmud Abbas o Kim Jong-il con Lee Myung-bak, dirigentes de Corea del Norte y Corea del Sur. Obama es el único político que repite beso, ya que también sale labio con labio con el presidente de Venezuela, Hugo Chávez.

La campaña incluía la imagen del papa Benedicto XVI sumido en un beso con el imán de la mezquita Al-Azhar de El Cairo, Ahmed Mohamed el-Tayeb.

Pero el Vaticano se quejó de inmediato y anunció que estudiaba emprender medidas ante las "autoridades competentes". "Se trata de una grave falta de respeto hacia el papa, de una ofensa a los sentimientos de los fieles, de una demostración evidente de cómo en el ámbito de la publicidad se pueden violar las reglas elementales del respeto a las personas para atraer la atención mediante la provocación", dijo el portavoz de la Santa Sede, Federico Lombardi.

Ante ello, el grupo textil italiano ha anunciado que retirará de modo "inmediato" el fotomontaje del papa. A través de un comunicado, la firma de moda ha lamentado que el uso de la imagen del pontífice haya herido la sensibilidad de la Santa Sede y de los fieles católicos.

"Insistimos en que el sentido de esta campaña es, exclusivamente, combatir la cultura del odio en cualquier forma", reza el comunicado.

Fuente: http://www.elalmanaque.com/

San Alberto Magno

2011-11-15T05:37:00.000-08:00

Hoy se celebra el día de San Alberto Magno. Yo ignoraba que tuviera un santo pero efectivamente, San Alberto existió. Por eso investigué un poco, y como siempre, la Wikipedia me dio todos los datos de éste mi santo. Veamos:

-------

San Alberto Magno nacio en Lauingen, Baviera, entre 1193 y 1206 y falleció en Colonia, el 15 de noviembre de 1280. Fue un destacado teólogo, geógrafo, filósofo y figura representativa de la ciencia medieval. Su humildad y pobreza fueron notables.

Estudió en Padua, donde tomó el hábito de Santo Domingo de Guzmán y profundizó en el conocimiento de la filosofía aristotélica, y en París, doctorándose en 1245. Enseñó en algunas de las pocas Universidades que existían en ese momento en Europa, también desempeñó su trabajo en distintos conventos a lo largo de Alemania.

En la universidad de París tradujo, comentó y clasificó textos antiguos, especialmente de Aristóteles. Añadió a estos sus propios comentarios y experimentos, aunque Alberto Magno no veía los experimentos como lo verían luego los fundadores de la ciencia moderna y en especial Galileo Galilei, sino que en su opinión la experimentación consistía en observar, describir y clasificar. Este gran trabajo enciclopédico sentó las bases para el trabajo de su discípulo Santo Tomás de Aquino. También trabajó en botánica y en alquimia, destacando por el descubrimiento del arsénico en 1250. En geografía y astronomía explicó, con argumentos sólidos, que la tierra es redonda.

En 1259 ó 1260, fue ordenado obispo de la sede de Ratisbona, cargo que dejaría poco después habiendo remediado algunos de los problemas que tenía la diócesis. En 1263, el Papa Urbano IV aceptaría su renuncia, permitiéndole volver de nuevo a la vida de comunidad en el convento de Wurzburgo y a enseñar en Colonia.

Murió a la edad de 87 (o 74) años, cuando se hallaba sentado conversando con sus hermanos, en Colonia. Antes había mandado construir su propia tumba, ante la que cada día rezaba el oficio de difuntos. Está enterrado en la cripta de la Iglesia de San Andrés, en Colonia.

Sus obras, recogidas en 21 volúmenes, fueron publicadas en Lyon en 1629.

Fue beatificado en 1622, pero la canonización se haría esperar todavía. En 1872 y en 1927, los obispos alemanes pidieron a la Santa Sede su canonización, pero sin éxito. El 16 de diciembre de 1931, Pío XI, proclamó a Alberto Magno Doctor de la Iglesia lo que equivalía a la canonización. Su fiesta en la Iglesia Católica se celebra el 15 de noviembre. San Alberto es el patrono de los estudiantes de ciencias naturales, ciencias químicas y de ciencias exactas.

-------

Y hasta aquí la Wikipedia, que me desasnó con respecto a mi Santo.

Felicitaciones a todos los Alberto (en primero o segundo nombre) y que los estudiantes de ciencias reciban Su gracias para los próximos exámenes de estos días.

Alberto Peyrano

El adiós a Ilya Zhitomirskiy

2011-11-15T05:09:00.000-08:00

Ilya Zhitomirskiy, cofundador de la red social Diaspora, una de las alternativas al dominio de Facebook entre los consumidores, murió el pasado fin de semana en San Francisco (California) a los 22 años, informó hoy el portal del canal de televisión ABC.

Nacido en la Unión Soviética, Zhitomirskiy emigró hacia los Estados Unidos con sus padres cuando niño, eventualmente estableciéndose a las afueras de Philadelphia, donde se graduó de la Lower Merion High School en 2007. Posteriormente, estudió matemáticas, economía y ciencias de la computación en la Universidad de Tulane, la Universidad de Maryland, College Park y la Universidad de Nueva York. Ahí estudió ciencias de la computación en el Courant Institute of Mathematical Sciences, donde entabló una amistad con Dan Grippi, Maxwell Salzberg y Raphael Sofaer, con quienes después fundaría la red social Diaspora, una alternativa a Facebook, en 2010.

Su muerte fue "un posible suicidio", según dijo a la cadena la oficial de policía de San Francisco Alvie Esparza.

La oficial indicó que el sábado por la noche su departamento recibió una llamada de aviso y que el cuerpo de Zhitomirskiy fue trasladado a un centro médico de San Francisco para que se le practique una autopsia que permita esclarecer lo ocurrido.

Un representante de la oficina del forense de San Francisco aclaró que los resultados no se conocerán hasta pasadas varias semanas.

Zhitomirskiy fue uno de los cuatro estudiantes de la Universidad de Nueva York que dieron origen a Diaspora en 2010, una red que catalogaron como menos centralizada y más privada que sus grandes modelos a seguir, como Facebook, Twitter o Google.

El anuncio de la nueva plataforma se hizo en abril de 2010 y recibió donaciones superiores a los 200.000 dólares en poco más de un mes a través de la web Kickstarter, incluida la de Mark Zuckerberg, el creador de Facebook, al que no le importó que los jóvenes aprovecharán la polémica en torno a la configuración de privacidad de esa red social para publicitar su propia obra.

"Creo que está bien que la gente intente hacerlo por su cuenta. Veo algo de mí en ellos", dijo Zuckerberg al portal Wired.com en mayo del año pasado.

Diaspora promulgaba la idea de compartir contenidos haciendo énfasis en el control de ese material por parte de cada usuario.

En un vídeo publicado en abril de 2010, Zhitomirskiy describía su proyecto como la alternativa a los grandes nombres de la industria.

"Ya no tendrás que aguantar los caprichos de las grandes compañías que aseguran que compartir contenido y mantener la privacidad no son compatibles", afirmaba rodeado por sus compañeros Raphael Sofaer, Dan Grippi y Max Salzber.

¡Felicitaciones Cataratas del Iguazú!

2011-11-14T10:02:00.000-08:00

Miles de personas de todo el mudo, por iniciativa del empresario suizo Bernard Weber, eligieron a las siete maravillas de la naturaleza, entre las que se encontraron el río Amazonas y las cataratas de Iguazú de Latinomaerica, además de la bahía de Halong (Vietnam), Komodo (Indonesia), la isla de Jeju (Corea del Sur), la montaña Mesa (Sudáfrica) y el río subterráneo de Puerto Princesa (Filipinas).

Según lo informó el portal new7wonders.com, la votación se hizo por internet, teléfono y mensajes de texto y se eligieron entre 28 candidaturas escogidas por un panel de expertos después de analizar 450 bellezas naturales de todo el planeta.

De las 28 finalistas, siete candidaturas procedían de América, cinco de Europa, dos de África, tres de Oceanía y once de Asia.

Por su parte, Bernard Weber, fundador de New Open World Corporation, agradeció el apoyo a la iniciativa e indicó que las personas que votaron “se preocupan por algo que es muy importante para todos nosotros: nuestra casa, la Madre Tierra”.

Las cataratas del Iguazú, ubicadas en tercer lugar en el resultado, se localizan en la provincia de Misiones, en el Parque Nacional Iguazú, Argentina, y en el Parque Nacional do Iguaçu del estado de Paraná, Brasil; asimismo, están próximas a la frontera entre Paraguay y Argentina, a solo 13,8 km en línea recta. El 11 de noviembre de 2011 fueron elegidas provisionalmente como una de las «Siete maravillas naturales del mundo».

Estas cataratas están formadas por 275 saltos de hasta 80 m de altura, alimentados por el caudal del río Iguazú. Se pueden realizar paseos en lancha, bajo los saltos, y caminatas por senderos, apreciando algunos animales de la selva semitropical. Un espectáculo aparte es su salto de mayor caudal con 80 m, también el más alto: la garganta del Diablo, el cual se puede disfrutar en toda su majestuosidad desde solo 50 m, recorriendo las pasarelas que parten desde Puerto Canoas, al que se llega utilizando el servicio de trenes ecológicos. Por este salto pasa la frontera entre Argentina y Brasil.

En el año 1542, mientras realizaba una travesía desde el océano Atlántico hasta Asunción del Paraguay, Alvar Núñez Cabeza de Vaca divisó las sorprendentes cataratas del río Iguazú y las bautizó como «saltos de Santa María», nombre que con el tiempo fue reemplazado por su primitiva denominación guaraní Iguazú (antigua ortografía de yguasu 'gran cantidad de agua', de y 'agua' y guazú 'grande').

Por entonces la región era habitada por indígenas de la etnia mbyá-guaraní, quienes alrededor de 1609 comenzaron a vivir el proceso evangelizador protagonizado por los sacerdotes jesuitas de la Compañía de Jesús, quienes desarrollaron en la región una experiencia única en Latinoamérica: la conformación de un sistema reduccional que llegó a contar con 30 pueblos distribuidos en las regiones del Tapé y el Guayrá (actualmente sur de Brasil y Paraguay, toda la provincia argentina de Misiones y parte del norte de Corrientes).

Las cataratas de Iguazú se hallan dispuestas en una forma que parece una gran J inversa. En la margen derecha se encuentra el territorio brasileño, el cual posee poco más de un 20% de los saltos de dichas cataratas; y del lado izquierdo se hallan los saltos argentinos, los cuales conforman casi un 80%. Para conocer completamente y apreciar del todo estas cataratas, la recomendación es visitar tanto el lado argentino como el brasileño, porque de un lado se aprecia panorámicamente el otro, y viceversa. Los que conocen han dicho que “desde Brasil se ven las cataratas, y desde Argentina se viven”. Sin embargo, uno se mueve entre los saltos del lado argentino, no sólo en las pasarelas que permiten casi tocar el agua, sino también en los paseos en lancha, que permiten ir hasta al lado de las impactantes caídas de agua, e incluso, se puede adentrar hasta la mismísima Garganta del Diablo, si se parte en lancha desde territorio argentino.

Fuente informativa: Wikipedia

El cine de Kubrick y "La patrulla infernal" o "Senderos de gloria", y algunas analogías

2011-11-10T17:32:00.000-08:00

Es una de esas películas que hicieron historia. No lo conocía al gran Stanley antes de presenciar esta joyita cinematográfica. Pienso que probablemente es la película de guerra más importante que he visto, y por varias razones que voy a pasar a explicar. Se basa en un hecho real ocurrido en la gran guerra, la primera; en ella, unos militares franceses muy capangas, más que capangas, el uno y el dos de las fuerzas militares, ante la necesidad de hacer algo como para evitar los malos comentarios por la marcha de la contienda contra los alemanes, no tienen mejor idea que mandar al frente, y a una muerte segura, a una de sus compañías.

Al mando de esa unidad está un coronel que es el militar que todos quisiéramos tener entre las filas de nuestros ejércitos, es valiente, es arrojado, es duro, pero al mismo tiempo humano y sensible con sus hombres. Kirk Douglas, en uno de sus mejores papeles, tuvo muchos mejores papeles Kirk, es el último de los mohicanos de la vieja guardia hollywoodense, como les decía, en uno de sus mejores papeles, está espléndido interpretando al mencionado jefe. La patrulla del caso que no es infernal, el título en Argentina fue pésimo y solamente establecido por atracción comercial, queda diezmada y sus hombres terminan como la carne picada para empanadas... Además, los que vuelven son tildados de cobardes. Claro, los capangas no pueden hacer otra cosa que buscar falsos culpables ante tanta ineficiencia, incapacidad, y cinismo... Them, ahí aparece la resolución del caso. Que no cuento, no digo, no comento, porque quiero que aquellos que no hayan visto estos senderos de gloria, entren en ellos, porque son también senderos de gloria del cine.

Las escenas de guerra, que hasta ese momento eran súper convencionales -y parecía que los soldaditos de USA se iban de picnic-, aquí tienen un realismo impresionante. Es la primera vez que vemos algo tan dramático. Yo creo que como antecedente podría citar, como algo también similar, pero no tanto, lo exhibido en pelis como "Sin novedad en el frente" y "Tiempo de vivir, tiempo de morir"... Luego vendría el amigo Spielberg con esa media hora inicial de "El soldado Ryan", que había que bancársela, pero que posteriormente se echaría mucho a perder con una historia bastante poco creíble, y llena de un patrioterismo pueril.

En cambio, ésta sí me parece importante en ese aspecto. Y en otros. Pocas veces me conmoví tanto con un desenlace como el que ocurre aquí, con esa mujer alemana, triste, indefensa, puteada, carajeada que se pone a cantar, en un cafetín de mala muerte poblado de soldados enemigos; ahí, se larga tímidamente con una canción tan desolada como ella, y tremendamente nostálgica, que hace que todos, tanto los franceses como la misma alemana se unan en esa melodía...

Tristes, solos, indefensos y repodridos de la guerra.

¡Cuántas situaciones! Me cuesta no identificar esto con lo de Malvinas... ¿Cómo tengo que hacer para no derramar una lágrima, pensando en nuestros chicos, en nuestros pobres chicos allá en Puerto Argentino, o Stanley, como dicen ellos... muertos de hambre, de frío, luchando contra una de las potencias más grandes del mundo? Pregunto y vuelvo a preguntar ¿cómo puedo hacer para no identificar esto con aquello?

Tristeza, mucha tristeza en la evocación... Y aquellos mariscales de la derrota, como estos mariscales de la derrota, los mismos perros con diferente collar, como diría alguien muy cercano en mi vida y en mi historia.

Los mismos perros con diferente collar...y muchos inocentes muertos.

Determinados compatriotas, o colegas de rutas, o compinches ocasionales, o amigos incompatibles ideológicamente, dicen, dirán, dirían, como el tango:

Olvide amigo...

Y convocan a la amnesia, al hipnotismo, al sonambulismo, a la impiedad, al letargo pensante, a la irrealidad, a la sumisión, al ostracismo, al aturdimiento.

Sí, así es...Se quieren olvidar muchas cosas...

¿Se puede?

¿Se puede olvidar?

Olvide amigo dirán algunos, pero olvidarlo nunca podré...

Buenos Aires, Argentina

Manual Yankee te enseña cómo torturar y/o matar a tu hijo

2011-11-09T03:01:00.000-08:00

Después de que una joven de Texas publicara la semana pasada en YouTube un video en que su padre, un juez de familia, le propinaba una brutal paliza con un cinturón, Estados Unidos se pregunta hasta dónde pueden llevar los padres el castigo corporal. Hace un mes comenzó el juicio contra un matrimonio de Washington por maltratar hasta la muerte a su hija adoptada. Emplearon para ello un manual de castigo muy popular entre los padres que educan a hijos en casa, sin llevarlos a la escuela, una práctica común entre los 80 millones de cristianos evangélicos del país. Los consejos de ese manual, llevados al extremo, han provocado al menos tres muertes en los años recientes.

Hay en Estados Unidos más de dos millones de niños que no acuden a la escuela y a los que educan sus propios padres, eminentemente por motivos religiosos; no quieren que se les enseñe la teoría de la evolución, por ejemplo. Para ellos el pastor evangélico de Tennessee Michael Pearl, que tiene cinco hijos, ha escrito el polémico libro Cómo educar a tu hijo, impreso por primera vez en 1994, del que se han imprimido 670.000 copias y que se ha traducido a numerosos idiomas, entre ellos el español.

El libro no se anda con rodeos. El primer capítulo comienza así: "Pégale a tu hijo". Los consejos son, sencillamente, crueles. "Una experiencia particularmente dolorosa para la madre lactante es el bebe que muerde. Mi esposa no perdió tiempo para encontrar un remedio. Cuando el bebe la mordía, ella le tiraba del cabello (hay que buscar una alternativa para los bebes sin pelo)", escribe.

La tesis central del libro es que la Biblia aconseja el uso de la fusta, a la que llama "varita mágica": "Puede ser que experimentes sentimientos que te impidan pegarle a tu hijo, pero eso no es amor. Dios, que creó a los niños, y sabe lo que más les conviene, ordena a los padres que usen la fusta".

Pearl recomienda, por ejemplo, dejar armas de fuego por casa, cargadas, para poner a prueba a los niños, y pegarles con la vara cuando se acerquen a ellas. Sus consejos son muy específicos: "Para el menor de un año, basta una vara de sauce, de 25-30 centímetros de largo y medio centímetro de diámetro, sin nudos que le puedan cortar la piel". Aconseja enfáticamente pegarles a los niños con una tubería flexible de plástico, de 0,6 centímetros de diámetro, porque duele, pero no daña gravemente la piel.

Fue esa tubería la que acabó, entre muchas otras penurias, con la vida de la pequeña Hana, nacida en Etiopía pero adoptada, junto a su hermano menor, por el matrimonio formado por Larry y Carri Williams, del Estado de Washington. Hana, de 11 años, que se comportaba con cierta rebeldía, apareció muerta en el patio familiar en mayo, desnuda, desnutrida y congelada. Sus padres, fieles seguidores de la doctrina Pearl, la habían sometido a un castigo corporal implacable.

El pasado 30 de septiembre, comenzó el juicio por homicidio contra ellos, y se declararon inocentes. El siniestro tubo de castigo se empleó también en 2010 en California, en la muerte de la pequeña Lydia Schatz, de siete años, adoptada de Liberia. Sus padres adoptivos, Kevin y Elizabeth Schatz, la sometieron a una brutal paliza, con parones para rezar. La niña, que tenía ocho hermanastros, murió por las heridas y hemorragias provocadas. Los padres se declararon culpables y están ambos en prisión.

Bahía Blanca: Concierto de Música Medieval

2011-11-08T08:27:00.000-08:00

"Amor de Gatos"

2011-11-08T07:43:00.000-08:00

Los felinos más increíbles y sus asombrosos dueños llegan a Animal Planet en la nueva serie AMOR DE GATOS

- El programa permite descubrir, en cada episodio, personas, lugares y fantásticas historias relacionadas con el mundo de curiosos y adorables felinos.

- Estreno a partir del sábado 12 de noviembre, a las 20 hs.

No todos los gatos, ni sus dueños son iguales y sin duda hay algunos tan peculiares que merecen su propio show de televisión. Hay gatos súper talentosos que han formado una banda musical y otros muy rebeldes que se escapan cada noche para robar a sus vecinos. Gatos estrellas de moda y gatos rescatistas. Hay de todo y para todos en la nueva serie de Animal Planet AMOR DE GATOS que estrena el sábado 12 de noviembre a las 20:00 horas.

Para encontrar a estos singulares felinos y conocer a sus extraordinarios dueños, el compositor y cantante John Fulton nos lleva a un viaje increíble en el que visitará decenas de ciudades y a cientos de familias hasta conseguir a los gatos más alocados, asombrosos, curiosos, estrafalarios y adorables. Por supuesto, no nos olvidamos de sus dueños, quienes llegan a extremos impensados por amor a estas mascotas.

AMOR DE GATOS es un viaje único y divertido que nos permite descubrir a personas, lugares e historias fantásticas relacionadas con el mundo gatuno. Hay todo un universo relacionado con los gatos que está esperando ser descubierto y AMOR DE GATOS mostrará cada pequeño trocito de él.

Durante su recorrido, John Fulton compondrá y cantará sobre lo que ve: desde un rancho “gatuno” que es hogar para 500 felinos, hasta una ciudad famosa por sus adorados gatos gordos, pasando por sembradíos de una hierba misteriosa que vuelve locos a los gatos y una cafetería cuya bebida especial es un café hecho de granos ¡extraídos de la caca de gato!

Con tantas ciudades, personas y gatos que visitar, John encuentra extenso material para escribir sus melodías y demostrar que el mundo es realmente una “locura de gatos “.

La serie AMOR DE GATOS fue producida para Animal Planet por Powderhouse Productions. Joel Olicker, Tug Yourgrau y Carter Seanbaker fueron los productores ejecutivos por parte de Powderhouse. John Tomlin fue el co-productor ejecutivo de Powerderhouse y Erin Wanner es el productor ejecutivo de Animal Planet.

Animal Planet es la única marca global que ofrece contenido envolvente, informativo y de alta calidad dedicado totalmente al mundo animal. El canal explora la relación única que existe entre los animales y los seres humanos, proporcionando entretenimiento e información, a través de plataformas múltiples. Lanzado en los Estados Unidos en 1996 y en América Latina en octubre de 1997, Animal Planet está disponible en más de 180 países.

Tratamiento para el Sobrepeso y la Obesidad

2011-11-08T07:33:00.000-08:00

El adiós a Walter Vidarte

2011-10-31T09:34:00.000-07:00

Ha muerto Walter Vidarte. Y con su partida, Uruguay, Argentina y España llevan hoy un crespón de luto en su corazón, pues se siente ya la ausencia de uno de los más grandes actores de todos los tiempos.

El actor falleció ayer en la Clínica de la Concepción de Madrid, a consecuencia de un cáncer de páncreas diagnosticado recientemente.

Su nombre suena desde muy temprano en mis recuerdos, tal vez desde su primera interpretación cinematográfica junto al gran Narciso Ibáñez Menta, en “Procesado 1040”. Su personaje de “el Zorrito” sería el puntapié inicial para ir descubriendo a un gran actor de aquilatados méritos, que supo siempre salir airoso de cualquier rol que le tocara interpretar.

Efectivamente, desde la mencionada película de 1958, hasta su última labor en la Argentina (“Quebracho”, 1974), sus dieciséis años de trabajo en nuestro país marcaron una huella inolvidable que se constituyó en modelo a seguir para actores y estudiantes de arte escénico y en recordados –y nunca agotados- aplausos de un público cautivado por su entrega y su dedicación.

Luego vendría el exilio, motivado por las amenazas de la Triple A, y el puerto final para su creativa barca sería España, donde nunca le faltó trabajo y donde permaneció hasta el final. En su larga trayectoria prevalecen logros de un actor magistral que logró sinceros aplausos al ritmo incansable de una inmensa creatividad que lo perfiló como uno de las más grandes y necesitadas figuras sobre el escenario y la pantalla.

Había nacido en Montevideo, el 18 de julio de 1931. En esa ciudad estudió teatro en la Escuela de Arte Dramático y muy pronto integró la Comedia Nacional Uruguaya. En 1958 se trasladó a la Argentina, donde fue discípulo de Margarita Xirgu, quien lo adopta como alumno dilecto y le guía con mano magistral, y en ese mismo año lo vemos debutando en “Procesado 1040”.

Tanto en el teatro como el cine le cupo en suerte interpretar muchos y muy variados personajes inolvidables de obras clave de la historia del siglo XX.

En los últimos años sus interpretaciones se produjeron en los teatros nacionales de España. El María Guerrero y el Valle Inclán fueron sus escenarios de despedida.

FILMOGRAFÍA DE WALTER VIDARTE EN ARGENTINA

1959: “Procesado 1040” y “Gringalet”

1960: “Luna Park” y “La Patota”

1961: “Alias Gardelito”, “El Romance de un Gaucho” y “Tres veces Ana”

1962: “Hombre de la Esquina Rosada” y “Los Venerables Todos”

1964: “Los evadidos” y “Circe”

1965: “Nadie oyó gritar a Cecilio Fuentes”, “Orden de matar” y “Los hipócritas”

1966: “Vivir es formidable” y “Una máscara para Ana”

1968: “Martín Fierro”

1969: “El Dependiente” y “Quiero llenarme de ti”

1970: “El habilitado”

1971: “Y que patatín y que patatán” y “Santos Vega”

1972: “Operación masacre”

1974: “Los golpes bajos”, “La tregua” y “Quebracho”

Buenos Aires, Argentina

Paseando al perro y al gato

2011-10-30T08:11:00.000-07:00

Llega la primavera, y con ella el buen tiempo. Los días son más largos y nuestro amigos los animales, sobretodo los perros pasan más tiempo fuera de casa, en el campo, en los parques, etc…

En esta estación los dueños de animales deberían tomar algunas precauciones para disfrutar al máximo de sus animales y evitar en la medida de lo posible problemas de salud que en esta época son más frecuentes.

PICADURAS DE INSECTOS:

*Durante la primavera y el verano los veterinarios atendemos muchos animales con reacciones alérgicas muchas veces debidas a las picaduras de insectos. Los síntomas pueden ir desde una leve urticaria con prurito e inquietud del animal hasta una reacción más grave con hinchazón de la cara, y en el peor de los casos edema de glotis, que puede ocasionar dificultad para respirar e incluso asfixia.

En éste último caso, deberá acudir urgentemente a un veterinario para que ponga el tratamiento oportuno, casi siempre con corticoides y/o antihistamínicos.

En los casos más leves, en los que sólo hay inflamación y edema de una o varias zonas de la piel, se puede intentar un tratamiento homeopático muy efectivo, con los siguientes medicamentos:

Apis mellifica 30CH: 2 gránulos disueltos en un poco de agua mineral cada 15 o 30 minutos hasta que la inflamación vaya disminuyendo. Después se van espaciando las tomas de los gránulos y se suspende el tratamiento cuando los síntomas desaparezcan.

Histaminum 15CH o Poumon Histamine 15CH: 2 gránulos 3 o 4 veces al dia.

Recomiendo tener estos dos medicamentos en el botiquín de nuestras casas o cuando salimos al campo con los animales pues este problema es muy frecuente en ellos y nos puede sacar de más de un apuro.

Muchas veces, la administración de estos medicamentos homeopáticos es suficiente para resolver el problema sin necesidad de administrar corticoides y/o atihistamínicos. Evidentemente, si el problema persiste o el animal empeora, acuda con su animal al veterinario lo antes posible,

*También es muy frecuente en esta época las reacciones alérgicas producidas por las Orugas de los pinos( Procesionaria). Muchos cachorros y animales jóvenes las chupan y éstas provocan a veces graves lesiones en la mucosa bucal y/o lengua. Los animales babean mucho, tienen la lengua inflamada y les cuesta tragar. En estos casos hay que acudir rápidamente al veterinario para que le aplique un tratamiento lo antes posible.

Mientras acudimos al veterinario podemos administrarle el tratamiento recomendado para las picaduras de insectos.

*Para evitar que nuestros perros puedan contraer la temida Leishmaniosis( enfermedad transmitida por la picadura de un mosquito) debemos proteger a éstos de las picaduras de los mosquitos sobretodo en zonas donde esta enfermedad está presente. Esto puede hacerse de diferentes maneras:

1. Utilizando antiparasitarios en forma de: collares, sprays, pipetas, etc… Estos productos están hechos con insecticidas de diversa índole.

2. Se pueden utilizar tambien collares y otros productos fabricados a base de aceites esenciales de plantas, conocidas por sus efectos repelentes de insectos: aceite de Neem, tea tree, citronella, geranio, romero, etc… Estas sustancias son menos tóxicas que las anteriores, y suponen una alternativa para la gente que no quiere utilizar insecticidas químicos en sus animales.

3. Se puede suplementar la dieta del animal con Ajo crudo o en forma de perlas, pues también es sabido que posee un efecto repelente de insectos y parásitos.

4. En el interior de las casas podemos poner dispositivos en los enchufes destinados a tal fin.

5. Podemos darle tambien a nuestros animales el siguiente medicamento homeopático en la época de exposición a los mosquitos: Ledum palustre 5CH gránulos: 2 gránulos 2 o 3 veces al dia. Este medicamento tiene un efecto repelente de mosquitos y además se utiliza en casos de picadura de insectos para ayudar en la curación de las lesiones producidas.

*En esta época también nuestros perros y gatos (los que salen al exterior), pueden coger pulgas y garrapatas, parásitos muy molestos porque les pueden producir picor, dermatitis, y además les pueden transmitir graves enfermedades. Para evitarlos utilice pipetas o collares antiparasitarios de buena calidad o productos a base de aceites esenciales como he mencionado anteriormente..

REACCIONES ALERGICAS:

Podemos encontrarnos perros y gatos con alergias a diferentes tipos de pólenes y en ésta época lo pasarán mal. Los síntomas pueden variar desde conjuntivitis, rinitis, dermatitis, etc…

La medicina convencional utiliza en estos casos corticoides y/o antihístamínicos, que aparte de los numerosos efectos secundarios que conllevan, no curan la enfermedad, sólo suprimen los síntomas, que suelen reaparecer cuando se suspende el tratamiento.

Merece la pena intentar un tratamiento natural con diferentes terapias: acupuntura, homeopatía, fitoterapia, oligoelementos, consejos de nutrición, etc… que además de no presentar efectos secundarios, suele dar buenos resultados en la mayoría de los casos.

LAS ESPIGAS

A partir de la primavera y durante todo el verano y otoño, en el campo, e incluso en los parques de las ciudades crecen las llamadas “espigas” por todas partes. Cuando éstas se secan se desprenden las semillas y es muy fácil que cuando nuestro perro pasea o se restriega encima de ellas, éstas se introduzcan por diferentes orificios: nariz, ojos, oídos.

Cuando se introducen en los orificios nasales notamos que nuestro perro o gato no para de estornudar repetidamente. Cuando se introducen en los oidos nuestros animales no pararán de sacudir las orejas o bien irán con la cabeza torcida hacia el lado donde está la espiga. Cuando se introducen en los ojos, se quedan enganchadas por dentro del párpado y producen una reacción inflamatoria y hasta úlceras en la córnea. Notaremos que el animal tiene el ojo medio cerrado y muy inflamado.

Tambien es muy frecuente, sobretodo en razas de perros de pelo largo como el cocker, caniche, etc…. Que se introduzcan por los espacios interdigitales produciendo fístulas tambien muy molestas.

En todos estos casos debería llevar a su perro o gato al veterinario para que éste extraiga las espigas lo antes posible.

Sólo en éste último caso, en el que las espigas se introducen debajo de la piel, podemos intentar un tratamiento homeopático con Silicea 5CH: 2 gránulos 3 veces al día. Este medicamento posiblemente hará aumentar la supuración para que la espiga sea eliminada por medios naturales, sin necesidad de tener que utilizar el bisturí.

En perrros con mucho pelo como es el caso del cocker recomiendo que lleven el pelo corto en ésta época minimizar el problema.

Estas hierbas tienen unos pelitos que hacen muy fácil su entrada en el cuerpo pero muy difícil su salida. Por eso aunque el perro sacuda las orejas es muy difícil que salgan al exterior y será necesario que las extraiga el veterinario, muchas veces bajo sedación.

IRRITACIÓN EN LAS ALMOHADILLAS

Algunos perros, después de un periodo de inactividad invernal, de repente hacen una larga excursión o caminata por el campo y pueden volver con las almohadillas muy inflamadas e incluso con ampollas.

Para ayudar a cicatrizar las heridas se pueden utilizar diferentes productos:

-Gel de Aloe Vera: ayuda a calmar y cicatrizar las lesiones.Si disponemos de la planta en casa, aplicar la pulpa de ésta y poner encima un vendaje. Recomiendo poner algún tipo de protección( calcetines, etc…) en las patitas para salir a pasear hasta que se curen las heridas.

-Caléndula oficinalis: en forma de crema, aceite, tintura, etc… Tiene propiedades antiinflamatorias, antiinfecciosas y cicatrizantes.

-Aceite del árbol del té o Tea Tree: Tambien tiene propiedades antiinflamatorias, cicatrizantes y antiinfecciosas.

-Tepezcohuite: en polvo, en crema, etc…

-Sangre de drago. Etc…

Estas recomendaciones no sustituyen a la consulta con un veterinario en caso necesario.

Cristina Delgado Pascual (veterinaria)

Madrid, España
http://infoplus.qdq.com/palomeras/

PARA AYUDAR A UNA PERSONA NO VIDENTE

2011-10-27T10:26:00.000-07:00

SUGERENCIAS PARA AYUDAR A UNA PERSONA CIEGA

Si se cruza con una persona ciega parada en una esquina, pregúntele si necesita ayuda.
Para cruzar la calle u orientarlo hacia algún sitio, ofrézcale su brazo o su hombro. No la sujete ni la empuje delante de usted.
Si encuentra una persona ciega esperando un transporte público, pregúntele cuál desea tomar. Para ayudarla a subir, sólo es necesario que le ubique su mano en el pasamanos. No sujete ni levante a la persona.
Para subir a un automóvil, ubíquele su mano en la puerta.
Para indicarle un asiento, acerque su mano al respaldo del mismo.
Ante una escalera, indíquele si esta sube o baja, al mismo tiempo que coloca su mano en la baranda.
Para orientar a una persona ciega, no utilice señas, gestos, ni palabras como “allá” o “ahí”, ya que no podrá comprender esa referencia. Use palabras como “izquierda”, “derecha”, “atrás” o “adelante”.
Para dirigirse a una persona ciega, háblele directamente a ella, no a través de terceros.
Hable naturalmente. No evite palabras como “ciego”, “ver”, etc.
Si se encuentra dentro de una oficina pública, pregúntele qué trámite desea realizar y oriéntela convenientemente.

POR SOBRE TODO: no tenga miedo.

Una persona con discapacidad visual puede manejarse con independencia como cualquier otra para desplazarse, viajar, estudiar, trabajar y desenvolverse en su vida personal. Sólo requiere ayudas puntuales, como las que mencionamos aquí.

Creemos que cuanto mayor sea el acceso a la información, mejor conviviremos con la diversidad.

*BIBLIOTECA ARGENTINA PARA CIEGOS*

1924/2011: 87 años de servicios.

Pasaje Lezica 3909. Ciudad de Buenos Aires.

Telefax: 4981-0137/7710

Correo electrónico: bac@bac.org.ar

Página Web: http://www.bac.org.ar/

HOMENAJE A LAS MADRES, EN SU DÍA

2011-10-16T06:44:00.000-07:00

¡Muchas felicidades!

BIEN PUDIERA SER

Pudiera ser que todo lo que en verso he sentido
no fuera más que aquello que nunca pudo ser,
no fuera más que algo vedado y reprimido
de familia en familia, de mujer en mujer.

Dicen que en los solares de mi gente, medido
estaba todo aquello que se debía hacer...
Dicen que silenciosas las mujeres han sido
de mi casa materna... Ah, bien pudiera ser...

A veces en mi madre apuntaron antojos
de liberarse, pero, se le subió a los ojos
una honda amargura, y en la sombra lloró.

Y todo eso mordiente, vencido, mutilado,
todo eso que se hallaba en su alma encerrado,
pienso que sin quererlo lo he libertado yo.

Alfonsina Storni (1892-1938)
.

El adiós a Laura Pollán (1948-2011)

2011-10-15T09:34:00.000-07:00

La líder del grupo disidente cubano las Damas de Blanco, Laura Pollán, falleció ayer por un paro cardiaco en el hospital Calixto García, de La Habana, donde se encontraba ingresada desde hace una semana a consecuencia de una insuficiencia respiratoria, según informaron fuentes de la disidencia interna de la isla.

Pollán, de 63 años, sufrió en la tarde de ayer un paro cardiaco que no logró superar, aseguró Berta Soler, portavoz de las Damas de Blanco, y Elizardo Sánchez, de la Comisión Cubana de Derechos Humanos y Reconciliación Nacional (CCDHRN).

En el hospital se le aplicó ventilación artificial y le tuvieron que realizar varias transfusiones así como una traqueotomía que se le practicó ayer mismo. Pollán padecía dengue tipo cuatro que se le complicó con la combinación de otro virus identificado como «sincitial respiratorio», que ataca principalmente a los niños, personas inmunodeprimidas y de la tercera edad. A ese cuadro se sumó la diabetes crónica que padecía.

Pésame de Yoani Sánchez
La noticia del empeoramiento progresivo de su salud circuló rapidamente en las redes sociales, así como en los medios de comunicación de Estados Unidos, después de que la bloguera cubana Yoani Sánchez publicara la noticia en su cuenta en twitter. La propia bloquera aseguró nada más conocer la noticia que «le acabo de dar un abrazo a Héctor Maseda (su marido y ex preso político)», dijo Sánchez en conversación telefónica con Efe.

Laura Pollán fue protagonista junto a un grupo de mujeres de una de las gestas más importantes de la resistencia y la oposición en Cuba: el Movimiento de las Damas de Blanco. El detonante para la creación del grupo de disidencia se plasmaron cuando Pollán exigió la liberación de su esposo Héctor Maseda Gutiérrez, de 63 años, quien fue condenado a 20 años de prisión durante la Primavera Negra de 2003 por el régimen dictatorial de los hermanos Castro. Pollán se enfrentó, durante más de diez años, con gran coraje y determinación, a la policía política y desafió el hostigamiento de los partidarios castristas.

La fallecidad tenía una hija, Laura María Labrada Pollán, de 41 años.

Teppich, Godoy y Peyrano celebran a la "Pastora de Palabras"

2011-08-17T08:10:00.000-07:00

El sábado 13, en Mar del Plata, la poeta Raquel Luisa Teppich, presentó su libro "Pastora de Palabras", en una reunión que contó con un público afable, amistoso y entusiasta, celebrando ésta y esperando ya la quinta obra de la autora.

La ceremonia de presentación estuvo a cargo de los poetas Jaro Godoy y Alberto Peyrano, quienes, contra lo acostumbrado en este tipo de eventos, sorprendieron a los presentes con un nuevo estilo al presentar la obra: un original ping-pong constituido por tres pases principales: la poesía, la poeta y la obra.

Entre los invitados figuraban, además de amigos personales y familiares de Teppich, personalidades radiales del ámbito marplatense y cálidos exponentes de la poesía argentina como Angie Ayllén Flores y Ernesto Baldi Grienti entre otros.

Al mismo tiempo, la autora celebró su cumpleaños, transformándose la reunión en un doble festejo, con el beneplácito del público, quien brindó por Raquel augurándole felicidad y la próxima aparición de su nueva obra.

"Pastora de Palabras" es el cuarto poemario que Teppich lanza a la consideración del lector. Tal como lo expresa el poeta Jaro Godoy en el prólogo de la obra, "Raquel Luisa Teppich sabe de qué se trata la poesía, sabe que afuera hay una pelea antre ángeles de largas espadas, sabe que hay huérfanos que la primavera abandona y, como pastora de palabras, aprecia conducir el rebaño por nuevas praderas, liberando esclavos, cortando las cadenas de una eterna melancolía".

Alberto Peyrano, en la contratapa, comprueba que "en su diario ejercicio de la verdad, la autora va arreando su majada de términos hacia el lector, demostrando con ello que la Palabra aún conserva su virtud y su vigor originales".

La autora, Raquel Luisa Teppich, en su doble celebración

Los presentadores, hermanados por la Amistad y la Poesía

La mesa ceremonial, recibiendo a "Pastora de Palabras" en el mundo de las letras argentinas.

Pierre de Fermat

2011-08-17T07:47:00.001-07:00

Pierre de Fermat nació en Beaumont-de-Lomagne, Francia, el 17 de agosto de 1601 y falleció en Castres, Francia, el 12 de enero de 1665. Fue un jurista y matemático francés apodado por Eric Temple Bell con el sobrenombre de «el príncipe de los aficionados» y fue, junto con René Descartes, uno de los principales matemáticos de la primera mitad del siglo XVII.

Descubrió el cálculo diferencial antes que Newton y Leibniz, fue co-fundador de la teoría de probabilidades junto a Pascal e, independientemente de Descartes, descubrió el principio fundamental de la geometría analítica. Sin embargo, es más conocido por sus aportaciones a la teoría de números en especial por el conocido como último teorema de Fermat, que preocupó a los matemáticos durante aproximadamente 350 años.

Los internatuas que hoy abrieron Google quedaron sorprendidos con la ilustración del buscador, que conmemora el 410º aniversario del nacimiento del notable matemático. Este “doodle” de Google es el diseño del manuscrito del último teorema de Fermat, con su fórmula, que el matemático garabateó en el margen de un libro, donde también escribió "he descubierto una demostración verdaderamente maravillosa para este teorema, pero este margen es demasiado pequeño para contenerla".

Sin enunciar el resultado, Fermat se fue de este mundo dejando un enigma que durante más de tres siglos y medios obsesionó a los estudiosos de las Matemáticas.para que alguien pudiera demostrarlo. El enigma quedó resuelto en 1995 por Andrew Wiles ayudado por Richard Taylor.

Las Magnolias y Fabián en Flores

2011-08-15T11:50:00.000-07:00

María José Mentana: "De Buenos Aires a París"

2011-07-30T18:10:00.001-07:00

HOTEL CLARIDGE
Jueves 4 de agosto- 20:00 hs- Tucumán 535

MARÍA JOSÉ Mentana
"De BUENOS AIRES a PARIS"

El próximo jueves 4 de agosto a las 20:00hs en el Clarige’s Bar, Tucumán 535, la popular cantante MARÍA JOSÉ Mentana presentarà el espectàculo

“De BUENOS AIRES a PARIS ”,
acompañada por PABLO FRAGUELA en Piano .

María José hermanará a Buenos Aires y a Paris a través de su música y melodías.

Cantante Invitada: FERNANDA VEGA

María José Mentana, a quien el público recuerda simplemente como María José, inició su carrera artística con tan sólo nueve años. Dueña de una voz con intensos matices, su fuerza al interpretar el tango la han posicionado entre las cantantes más reconocidas de su generación. Compartió escenarios con Roberto Goyeneche, Roberto Rufino, Nelly Omar, Osvaldo Pugliese, Floreal Ruiz, Edmundo Rivero, Osvaldo Piro, Tita Merello, Sexteto Mayor, Atilio Stamponi, Leopoldo Federico y Raúl Garella, entre otros. Realizó giras por Argentina, Brasil, Chile,Uruguay,Venezuela, Holanda,Italia, Suiza, España, Francia, Finlandia, Bélgica, Suiza y Oriente . Asidua cantante invitada de Orquesta Sinfónicas y Orquestas Típicas, las actuciones de MARÍA JOSÉ MENTANA obtienen resonante éxito de crítica y público.

Consumiciòn mínima $ 60.

Informes:
4 314 7700 ( internos 3109,3335)
actividadesculturales@claridge.com.ar
mailto:claridge.com.armartindiaz@eurostarshotels.com
http://www.mariajosementana.com/
.

Concierto de Tango

2011-07-12T12:50:00.000-07:00

Los 450 años de una Catedral

2011-07-12T06:55:00.000-07:00

Google recuerda hoy en su página principal el 450º aniversario de la Catedral de San Basilio de Moscú, un templo ortodoxo localizado en la Plaza Roja de esa ciudad. Es conocida mundialmente por sus cúpulas en forma de bulbo (acebolladas) y está ubicada en pleno centro neurálgico del país más grande del mundo.

La construcción de la catedral fue ordenada por el zar Iván el Terrible para conmemorar la conquista del Janato de Kazán, y se realizó entre 1555 y 1561. En 1588 el zar Fiodor Ivanovich ordenó que se agregara una nueva capilla en el lado este de la construcción, sobre la tumba de San Basilio el Bendito, santo por el cual se empezó a llamar popularmente la catedral.

El templo se encuentra en el extremo sureste de la Plaza Roja, justo frente a la Torre Spasskaya del Kremlin y la Iglesia de San Juan Bautista en Dyákovo. El concepto inicial era construir un grupo de capillas, cada una dedicada a uno de lo santos en cuyo día el zar ganó una batalla, pero la construcción de una torre central unificó estos espacios en una sola catedral. En realidad no es un solo templo sino 9 iglesitas adosadas, apiñadas unas a otras. Y no siempre tuvieron esa forma.

La leyenda dice que el zar Iván dejó ciego al arquitecto Póstnik Yákovlev para evitar que proyectara una construcción que pudiera superar a ésta, aunque parece claro que no se trata más que de una fabulación, ya que Yákovlev participó, pasados unos años, en la construcción del Kremlin de Kazán.

San Basilio se salvó milagrosamente de muchos intentos de destrucción por parte de varios enemigos, como Napoleón (quien quiso destruirla ante la imposibilidad de llevarla a París) o de Kaganovich, un colaborador de Stalin, que sugirió su demolición y que afortunadamente tampoco tuvo éxito. El arquitecto P. Baranovsky amenazó con quitarse su vida si se destruía el edificio, lo cual hizo que Stalin desistiera, y que hasta la actualidad podamos disfrutar de esta gloria arquitectónica.

La Catedral es hoy en día una filial del Museo Histórico, y se le han hecho trabajos de reparación a fin de que los visitantes puedan verla en todo su esplendor. Su interior contrasta con su exterior, ya que es mucho más modesto en su decoración, y conserva un ambiente más íntimo y austero, basado en la iluminación tenue y los diseños florales en tonos pastel, aunque a sus visitantes les quitará el aliento el iconoclasto de oro de la capilla central, junto a las pinturas de la Virgen y Su Hijo.

Creer para crear

2011-07-07T04:33:00.000-07:00

Puedes matricularte en la universidad nocturna de la buena suerte. Joaquim Valls, entrenador de inteligencia emocional, se acoge a las neurociencias para proponer un plan con “nocturnidad y premeditación”: antes de acostarte, escribe lo que deseas que tu cerebro crea (de creer), pues durante el sueño nocturno las sinapsis neuronales se organizarán según esa creencia... y durante la vigilia te harán actuar para crearla (de crear). El manual Buenas noches y buena suerte (Viena) detalla “cómo atraer la fortuna mientras duermes”, que completa su anterior método Kimmon, que expuso en Buenos días y buena letra (Viena), según la que cambiar la letra puede ayudar a mejorar la actitud ante la vida. Todo es probar: al fin y al cabo, casi todo es sugestión.

-Está observando mis notas?
-Es que soy grafólogo, ejem... Pero no lo sienta como una amenaza, ¿eh?

-Ya. ¿Qué ve en mi letra?
-Escriba una efe, por favor.

-f.
-¡Buena efe! El lazo de arriba y el de abajo, proporcionados: o sea, usted piensa y luego actúa en consecuencia.

-Pim, pam. No siempre...
-Yo antes hacía una efe con lazo arriba... pero palo abajo: o sea, que lo que yo pensaba luego no lo ponía en práctica. Y me esforcé en hacer una efe como la que usted hace.

-¿Lo consiguió?
-Sí. Y eso promovió un cambio en mi carácter: desde que la hago así soy más proactivo.

-Cambio mi letra: ¿cambia mi carácter?
-Tu letra expresa tu psiquismo. Por eso no tienes siempre la misma letra: porque vas cambiando. Y a la inversa, lo mismo: si cambias tu letra..., ¡algo te cambiará por dentro!

-¿Respalda esto la ciencia?
-La grafotransformación es controvertida... Pero la ciencia sí confirma la plasticidad del cerebro: ¡puedes transformarte!

-¿A qué transformación se refiere?
-Puedes reeducar tu cerebro para mejorar tu actitud, ¡sugestionarlo para ser más feliz!

-¿Cómo lo hago?
-Fuerza una sonrisa ¡y pronto te sentirás más alegre! ¿Sabe del síndrome de Moebius?

-No.
-A causa de una disfunción muscular, tu rostro deja de expresar emociones... Y, al poco tiempo, ¡dejas de sentir esas emociones!

-¿Conclusión?
-Que es un proceso reversible: si actúas "como si" sintieras una emoción, ¡acabarás por sentir esa emoción sugestionada! Por tanto, si sonríes y ríes, te pondrás contento. Y si piensas y actúas como si tuvieras éxito, ¡te llegará el éxito! Y si actúas como si fueses feliz..., acabarás siendo feliz.

-¿Puedo sentir lo que desee sentir?
-Si actúas como si fueras afortunado, atraerás la fortuna. No es magia: ¡es sólo que tenemos un cerebro muy, muy sugestionable!

-Pero por mucho que el cerebro se crea algo, el entorno es el que es.
-Ese cerebro sugestionado creará las condiciones para modificar el entorno en consonancia. Ya lo dijeron los griegos: ¡carácter es destino!

-Póngame algún ejemplo de todo esto.
-El mío mismo: al nacer mi hija, me pregunté cómo podía ayudar a esa niña a ser feliz...

-¿Y qué hizo?
-Rastreé los rasgos que tienen en común las personas afortunadas, las personas con buena suerte, satisfechas de su suerte.

-¿Y qué rasgos son esos?
-Son siete rasgos: uno, buen autoconcepto (aunque seas bajo y calvo, eso no te acompleja); dos, optimismo (ves salidas a todas las situaciones): ¿sabe lo de los militares húngaros perdidos en los Alpes?

-No.
-Encontraron un mapa, y eso les ayudó a hallar la salida. Pero ese mapa... ¡era de los Pirineos! Ellos no lo sabían: o sea que si crees que hay salida, ¡será más fácil encontrarla!

-Tres.
-Extraversión: allá donde van, establecen buenas relaciones (¡es el mejor modo de encontrar trabajo!). Cuatro, empatía: saben ponerse en la piel del otro, escuchar con el corazón. Cinco, autogestión emocional.

-¿Autocontrol?
-O saber enfadarse... ¡cuando toca enfadarse! Seis, proactividad: generan sus circunstancias, las que les resultan más favorables. Y siete, perseverancia: saben picar piedra.

-Ahora ya sabemos cómo es la persona afortunada. ¿Qué hacemos con eso?
-Ahora se trata de fomentar en uno mismo todos esos rasgos.

-¿Cómo?
-Yo aplico, por un lado, la grafotransformación. Y, por otro, las instrucciones nocturnas al cerebro.

-¿Instrucciones nocturnas?
-Sí: liberadas de sus obligaciones de la vigilia, las neuronas establecen más conexiones mientras dormimos. ¡Aprovechémoslo para reeducarlas en nuestro beneficio!

-¿Cómo puedo hacerlo?
-Relájate y escribe en un papel cinco veces alguna instrucción para tu cerebro: "me gusta mi cuerpo", "valgo mucho", "soy enérgico", "tengo aplomo", "hablo con facilidad", "voy a desarrollarme", "domino mis emociones", "dirijo mi vida", "me siento feliz"...

-¿Y ya está?
-Recítalas, cada una, en voz alta, cada noche, durante veintiocho noches. Y sigue luego con tandas de nuevas autoinstrucciones.

-¿Y el cerebro obedece a esto?
-Sí: al repetir la frase, el consciente baja la guardia y esa orden empapa el inconsciente... ¡Y ya sabemos que el inconsciente rige el 90% de lo que hacemos durante el día!

-Qué fácil parece, pues.
-Durante el sueño, el cerebro reconstruye y reorganiza conocimientos. Y es tan sugestionable... Fíjate en cómo caminan tus hijos, ¡y verás que caminan como su madre o como tú! Esto es inconsciente: imitamos. Aprovéchalo, ¡date instrucciones!

-¿Debo escribir esas autoinstrucciones de mi puño y letra, a mano?
-No hay un modo mejor de aprender algo que escribir a mano. Tonifica la memoria, reactiva neuronas... Es la gran noticia: puedes reeducar tu cerebro cuando quieras. Tú serás lo que quieras ser. Bien lo dijo Huxley: "Hoy es siempre todavía".

Joaquim Valls nació en Barcelona, estudió Ciencias Empresariales y Ciencias Económicas y es Máster Oficial en Sociedad de la Información y del Conocimiento. Es diplomado en grafología, así como profesor en diversas universidades e instituciones. Quim Valls ha invertido más de diez años en estudiar cómo modificar nuestras pautas de pensamiento y comportamiento para ser felices, y para ello creó un método que ha adquirido ya un gran prestigio: método KIMMON para la grafotransformación de la personalidad, un mapa del tesoro que traza la ruta de nuestra realización personal.

Compagina su labor docente con el estudio, la difusión y la enseñanza de la grafología e imparte seminarios de grafología para el éxito.

Es autor del libro BUENOS DÍAS Y BUENA LETRA y colabora regularmente con los medios de comunicación. Ha participado en programas de TVE, BTV, Catalunya Ràdio, Com Ràdio y RAC 1, donde colabora asiduamente para el programa Via Lliure. Es autor también del libro Saka Sudoku y creador del Tablero Sakasudoku.

.

Los Samaritanos astrólogos

2011-07-01T08:54:00.000-07:00

En el norte de Cisjordania, los últimos miembros de la antigua comunidad de los samaritanos, arrinconados entre palestinos e israelíes, viven de la práctica milenaria de la videncia y la astrología.

La avenida de la Universidad, en Naplusa, hasta donde llegan numerosos palestinos en busca de una respuesta a sus problemas más insuperables, está adornada con banderolas blancas en las que están escritos los nombres de los sacerdotes samaritanos.

"Heredamos libros de astrología milenarios y los más recientes que utilizamos tienen casi 450 años", indicó el sacerdote Hosni al Samiri, de 67 años, que "aprendió la adivinación y la astrología a los 12 años".

"La videncia está reservada a la clase de los sacerdotes, es decir a un tercio de la confesión samaritana que cuenta unos 750 miembros, la mitad en Naplusa y la otra en Holon en Israel", precisó.

En Naplusa, los samaritanos viven en el monte Gerizim, que consideran sagrado, en casas con hermosas tejas.

"No creemos en la brujería, en la lectura de las líneas de la mano o de restos de café o en el exorcismo. Todo aquello no es más que charlatanería. Practicamos la astrología pidiendo en nombre de la madre, el esposo o la esposa y predecimos la enfermedad, el fracaso en el matrimonio o la pérdida del trabajo", explicó el sacerdote.

"Cada letra del nombre tiene un sentido para nosotros y el antiguo idioma hebraico cuenta 22 letras, cada una de las cuales corresponde a una parte del cuerpo", agregó.

"Los samaritanos poseen libros de astrología que no existen en ninguna otra parte y son capaces de prever el comienzo de cada mes lunar y los eclipses lunares y solares", aseguró.

Según explicó, obtuvieron su ciencia de su antepasado el profeta José, que interpretaba los sueños.

Los samaritanos se consideran como los verdaderos hijos de Israel, salidos de Egipto con Moisés y los depositarios de su tradición.

"La división del pueblo de los hijos de Israel se produjo después de 450 años de vida en la tierra de Canán y de Palestina, cuando el rey Salomón construyó su templo en Jerusalén", relató el sacerdote.

"En ese momento, los judíos creyeron en el templo de Salomón y nosotros, los samaritanos, creemos que el verdadero templo se encuentra en el monte Gerizim".

Pero la mayoría de los libros antiguos fueron vendidos debido a la pobreza y se encuentran ahora en bibliotecas rusas o estadounidenses.

"Los palestinos, en su mayoría aldeanos, los consultan y están convencidos de que la adivinación de los samaritanos es insuperable", afirmó Akil Jalil Johary, que tiene una tienda junto a los puestos de los samaritanos.

"Hay palestinos que viven en Estados Unidos y que vienen a verlos cuando están de paso por el país", agregó.

"La primera consulta para identificar el tipo de problema cuesta 150 shekeles (42,8 dólares) pero la adivinación propiamente dicha puede ir de 500 a 5.000 shekeles (de unos 143 a 1.430 dólares), prosiguió.

Oum Firas, de 28 años, una palestina de Jerusalén, conoció una experiencia amarga el año pasado cuando consultó a los samaritanos.

"Fui al monte Gerizim cuando los desacuerdos con mi marido se agravaron y le di mi nombre, el suyo, los de mis hijos y todas las informaciones que me pedían", relató.

"Estaba desesperada y ansiosa por encontrar una solución, pero aquello no sirvió de nada porque me divorcié y mi marido se casó con una rusa que trabajaba con él. Yo perdí mi oro donde los samaritanos", se lamentó la mujer, que entregó una onza de oro, por un valor de unos 2.800 dólares.

"Era una ignorante y creía que la videncia me devolvería a mi marido", indicó.

"Le decimos a la gente que nos den lo que quieran", precisó el sacerdote Hosni al Samiri.

"Cuando el sacerdote se concentra y vela para resolver el problema, que calcula y analiza y además lee los libros de astrología, lo que puede llevar días, tiene derecho a ser remunerado como por cualquier otro trabajo".

El anillo del galeón

2011-06-25T09:49:00.000-07:00

Un anillo de oro con una esmeralda valorado en (353.022 euros) 500.000 dólares, que formaba parte del tesoro del galeón español del siglo XVII Nuestra Señora de Atocha, fue hallado en los cayos de Florida, en el extremo sur de Florida, informó el Museo Marítimo Mel Fisher en su página de internet. La valiosa joya fue hallada el jueves a unos 9 metros de profundidad por un equipo de exploración submarina perteneciente al Museo Marítimo Mel Fisher, en Cayo Hueso, que continúa buscando restos del galeón español que naufragó en las costas de ese estado cargado de oro y plata en 1622.

El anillo con iniciales grabadas proviene del Atocha, que se hundió cerca de Cayo Hueso como consecuencia de un huracán mientras intentaba regresar a España. Gran parte del tesoro, compuesto por más de cien mil monedas de plata españolas y valorado en 450 millones de dólares, fue descubierto en 1985 por el cazatesoros Mel Fisher, quien murió en 1998, a la edad de 76 años.

Los descendientes de Fisher, que poseen los derechos del barco naufragado, siguen buscando el resto del tesoro del Atocha. "El tesoro hallado del Atocha, de más de cuarenta toneladas de plata y oro", se compone de monedas denominadas "piezas de ocho", esmeraldas, cadenas de oro, objetos preciosos y lingotes de plata, según la página de Tesoros del Mel Fisher.

Se estima que unos 400 lingotes de plata y más de 100.000 monedas podrían permanecer todavía en el fondo marino. Una parte de las monedas originales de oro y plata, con el cuño del Rey de España, se venden en la tienda que tienen los Fisher al lado del museo.
.

El adiós a Peter Falk

2011-06-25T09:32:00.000-07:00

Se despedía del culpable, que respiraba aliviado, se alejaba de la cámara, y en el último momento soltaba aquello de "Solo una cosa más...". Y ahí todos los televidentes sabíamos que el caso estaba resuelto, y que el teniente Colombo -en su versión original, Columbo- había vuelto a triunfar.

El jueves Peter Falk, el actor que daba vida al mítico detective, el íntimo amigo de John Cassavetes, el abuelo de "La princesa prometida", falleció en su casa de Beverly Hills a los 83 años. Aunque sufría de Alzheimer, en el anuncio realizado por un amigo de la familia no se han especificado las causas de la muerte. Por cierto, Solo una cosa más se convirtió en el título de sus memorias en 2006.

Falk ha sido algo más de un policía con gabardina grasienta -por cierto, era suya-, un Peugeot 403 del 59 y una esposa de la que hablaba a menudo, pero que nunca vimos en la pantalla. Falk fue algo más que Colombo o Columbo. Que mucha gente sólo recuerde su protagonismo en la serie de televisión, no debería hacer olvidar que este neoyorquino logró dos candidaturas a los Oscars o que trabajó en algunos de las mejores películas de John Cassavetes.

Perteneciente a una familia con raíces polacas, húngaras y checas, Falk nació en 1927 en Nueva York. A los tres años tuvieron que extraerle su ojo derecho por culpa de un cáncer y usó de por vida uno de cristal. Aún así, apasionado de los deportes, compitió en atletismo, béisbol y baloncesto, y aunque participó en las típicas funciones escolares, cuando acabó el instituto intentó alistarse en la Armada en 1945.

Rechazado por su ojo de cristal, acabó de cocinero en la marina mercante. Después de año y medio enrolado, se cansó del agua, volvió a estudiar en EE UU, antes de viajar por Europa seis meses. "No sabía qué hacer con mi vida", comentó en su autobiografía. En 1952 retornó a los estudios en la Universidad de Siracusa, donde se graduó en Administración Pública. Intentó entrar en la CIA, donde no le aceptaron por haber pertenecido a un sindicato en su período en la marina, y empezó a dedicarse al teatro en una compañía de actores aficionados, y a estudiar en las clases de Eva Le Gallienne.

Le Gallienne fue la primera que se dio cuenta de su talento, intercedió por él ante un par de agentes y le empujó a que dejara su trabajo de contable en Hartford (Connecticut): Falk se mudó a probar suerte en Nueva York en 1956.

En el teatro, Falk prontó logró una gran reputación, y a pesar de que un agente le dijo que no intentara probar suerte en el cine o en la televisión por su ojo de cristal, y que Harry Cohn, el mandamás de Columbia, rechazara contratarle diciendo "Por el mismo precio, tengo un actor con dos ojos", Falk ya fue candidato al Oscar en 1960 por su interpretación del gánster Abe Reles en "El sindicato del crimen".

Ese mismo año también compitió por el Emmy por la serie "The law and Mr. Jones", convirtiéndose en el primer actor seleccionado una misma temporada en ambos premios. En 1961 repitió la jugada: candidato al Oscar por "Un ganster para un milagro" (la última película de Frank Capra, que dijo que en aquel rodaje solo le alegró la vida a Falk) y al Emmy, que ganó, por su aparición en "The price of tomatoes", de la serie "The Dick Powell show".

Durante los años sesenta, Falk no dejó de trabajar en la televisión y el cine, en películas como "La carrera del siglo", "El mundo está loco, loco, loco" o "La batalla de Anzio". En 1969 actuó junto a John Cassavetes en "Las Vegas 1970" y cuando éste dirigió "Maridos", llamó a Falk para que trabajara a sus órdenes.

La amistad y la colaboración Cassavetes-Falk volvería a repetirse, con éxito en "Una mujer bajo la influencia" (donde Falk forma pareja prodigiosa con Gena Rowlands), "Mikey y Nicky" (actuaron juntos dirigidos por Elaine May), "Opening night", "Un hombre en apuros" y en "Columbo: Étude in black".

En 1971 Falk aceptó la oferta para encarnar a un detective dicharachero, que ya había aparecido como personaje en series precedentes. Aunque la serie como tal duró hasta 1978, Columbo resucitó en diversos telefilmes de 1989 a 2003. Por cierto, el primer episodio de Columbo lo dirigió un joven de 25 años llamado Steven Spielberg. "Tuvimos suerte. Yo ya avisé a los productores que aquel chico era demasiado bueno para estar haciendo Columbo".

Gracias al policía, Falk fue candidato 10 veces más a los Emmy (ganó cuatro con Columbo), y a nueve Globos de Oro (sólo obtuvo uno). En cambio, por sus fascinantes trabajos con Cassavetes no recibió ningún reconocimiento.

Hasta 2004, cuando dobló a uno de los peces de "El espantatiburones", no dejó de trabajar constantemente en filmes como "Un cadáver a los postres" (1976), "Los suegros" (1979), "Chicas con gancho" (1987), en su estupenda doble colaboración con Wim Wenders ("El cielo sobre Berlín" y "¡Tan lejos, tan cerca!"), y sobre todo, como el abuelo que narraba a su nieto (Fred Savage) las aventuras de "La princesa prometida". En uno de los mejores diálogos de un título mítico lleno de grandes diálogos, se oía esta conversación: "Abuelo, ya se están besando otra vez", se quejaba el niño. Y él respondía: "Algún día eso no te importará demasiado".

Con su primera esposa, Alyce Mayo, con quien estuvo casado de 1960 a 1976, adoptó dos niñas: Catherine (que acabaría siendo detective privada) y Jackie. Volvió a casarse em 1977, con la actriz Shera Danese, a quien había conocido en el plató de Columbo.

En junio de 2009 el intérprete estadounidense quedó bajo la custodia de Danese después de que un juez de Los Ángeles le declarara incapacitado por demencia senil como sentencia a una batalla legal de seis meses entre Danese y Catherine, que aseguraba que no le dejaban ver a su padre... aunque sobre su declaración siempre estuvo la sombra de la sospecha: Catherine ya había demandado a su padre en 1992 por no pagarle la Universidad. En aquella audiencia, uno de los médicos de Falk confirmó que el intérprete neoyorquino padecía demencia avanzada y que había empezado a mostrar señales de demencia senil en 2005.

En ese año, antes del avance del Alzheimer, a Falk lo homenajearon en su pequeño pueblo natal, Ossining (Nueva York). Para descubrir la placa que daba su nombre a una calle, Falk tuvo que quitar la prenda que cubría la señal. Y no usaron la típica sábana, sino un impermeable como el que él usaba en la serie.

En su web personal aún se pueden ver ejemplos de su gran pasión: la pintura.
.

Paola Cohen, del Puente a la Abadía

2011-06-24T19:01:00.000-07:00

El Puente de Town House Soho, galería inserta en uno de los edificios más sofisticados y modernos de Palermo, recibió a la artista plástica y diseñadora Paola Cohen, con su muestra titulada “Abadía”.

Grata fue la sorpresa al encontrarnos con esta nueva expresión de la conocida artista, en la cual, con sus trazos, abre caminos entre el mundo interno y externo, estableciendo un juego entre lo privado y lo público. “Así, una senda nos lleva desde espacios absolutamente íntimos hacia arquitecturas que afirman lo público, desovillando un hilo que teje de onírico la atmósfera creada.”, afirmó la crítica Kekena Corvalán.

Las abadías, los laberintos y las abstracciones de Paola Cohen se lucen en El Puente de Town House Soho; las torres se reflejan en los vidrios que conectan invisiblemente interior y exterior. El arte es el nexo que une, que dice, que deslumbra y vislumbra con pinceladas y silencios.

Cohen, recibiendo la grata visita del cantante Ricardo Lister y el matrimonio Margules

Una pequeña muestra del arte de Paola Cohen

Paola Cohen, junto a su esposo Claudio Margules

La muestra estará abierta hasta el viernes 22 de julio de 9 a 20 horas, y se ingresará con previa autorización de TH Soho.

Town House Soho
Thames 2151 (barrio de Palermo)
Buenos Aires, Argentina

Entre Elixires, Mandalas y Reiki

2011-06-22T10:12:00.000-07:00

En la hermosa tarde del 20 de junio, Lucrecia Catanzano presentó los “Elixires Áuricos de Sanación”, su libro de mandalas “Al-Kimia” y su nueva técnica de “Reiki Inlakesh”.

El evento tuvo lugar en el Salón del Parque de las Naciones Vinelli, de la localidad de Guernica (Pcia.de Buenos Aires).

Los Elixires Áuricos de Sanación fueron logrados a través de una conjunción de flores, minerales, aromaterapia, agua y luz de sol.. Tienen como objetivo armonizar la vida psíquica y estimular la vitalidad. La serie producida se compone de tres partes. La primera está destinada al Hombre, la Mujer y el Niño (éste último con tres esencias diferentes). Luego sigue una combinación para purificación y sellado áurico, y por último un limpiador, armonizador y activador de los chakras.

El libro “Al-Kimia” está compuesto por una serie de mandalas diseñados por la misma autora, tienen como base el diseño de la mariposa, símbolo de transformación. Aclaremos que el mandala es un diseño por lo general circular, teniendo como objetivo la concentración del sujeto en su centro para ir logrando, paulatinamente, la iluminación y la transformación personal. Cada mandala se corresponde a la vez con una gema y una runa, facilitando con ello ejercicios destinados a alcanzar la alquimia interior.

El “Reiki Inlakesh” es una nueva técnica de esta disciplina, cuyo objetivo es la integración del ser con los demás. Su nombre en sánscrito significa “Yo soy tú y tú eres yo”, por lo cual el propósito perseguido es que todos seamos uno para sentirnos participantes y a la vez elementos necesarios, únicos e irrepetibles de la Creación.

Los productos fueron presentados en un grato clima donde la espiritualidad de los presentes se elevó a través de mantrans entonados por Lucrecia y coreados por el público. También se hizo presente la danza, esta vez en profundo color azul, dedicada al Arcángel Miguel. La reunión terminó con un emotivo brindis para el cual se sirvió un delicioso vino acompañado de sandwichitos. Emociones, abrazos y emotivos reencuentros fueron el broche de oro de la tarde.
Desde esta columna, auguramos para Lucrecia Catanzano el mayor de los éxitos con este noble y luminoso emprendimiento.

Belgrano y la Bandera Argentina

2011-06-20T06:35:00.000-07:00

Manuel José Joaquín del Corazón de Jesús Belgrano (1770 – 1820) fue un intelectual, economista, periodista, político, abogado y militar de las Provincias Unidas del Río de la Plata, actual Argentina. Participó de la Revolución de Mayo y de la Guerra de Independencia de la Argentina, y es el creador de la Bandera de Argentina.

Belgrano fue un destacado representante de la población criolla de Buenos Aires, y uno de los principales impulsores de la emancipación del país que luego se llamaría Argentina, respecto a España. Para ello en un principio promovió las aspiraciones de Carlota Joaquina en la región, aunque sin éxito. Junto a otros patriotas impulsó la destitución del virrey Baltasar Hidalgo de Cisneros, lo cual produjo la Revolución de Mayo; Belgrano integró la Primera Junta que dirigió el gobierno desde entonces. Se le encargó la dirección del Ejército del Norte, y aunque fue derrotado por las fuerzas realistas, sentó las bases de la declaración de independencia paraguaya de 1811. En 1812 creó la bandera de Argentina en las cercanías de la ciudad de Rosario, y dirigió el éxodo jujeño, tras lo cual se impuso a los españoles en las batallas de Tucumán y Salta. Tuvo gran influencia en el Congreso de Tucumán y propuso la idea de establecer una monarquía constitucional dirigida por un noble Inca, pero no logró apoyo.

La educación fue una de sus principales preocupaciones: para ello elaboró durante su estadía en España un plan de acción con avanzadas ideas sobre la misma.

Fue nombrado jefe del regimiento de Patricios en reemplazo de Saavedra, que había sido condenado a destierro. Pero el Regimiento se negó a aceptarlo como su jefe, y se amotinó, en el llamado Motín de las Trenzas, que fue sangrientamente reprimido. Para recomponer la disciplina, fue enviado a Rosario a vigilar el Río Paraná contra avances de los realistas de Montevideo.

Allí, en Rosario, a las orillas del Paraná, enarboló por primera vez la bandera argentina el 27 de febrero de 1812 , creada por él con los colores de la escarapela. Lo hizo ante las baterías de artillería que denominó "Libertad" e "Independencia", donde hoy se ubica el Monumento Histórico Nacional a la Bandera. Inicialmente, la bandera era un distintivo para su división del ejército, pero luego la adoptó como un símbolo de independencia. Esta actitud le costó su primer enfrentamiento abierto con el gobierno centralista de Buenos Aires, personificado en la figura del ministro Bernardino Rivadavia, de posturas netamente europeizantes. El Triunvirato reaccionó alarmado: la situación militar podría obligar a declarar una vez más la soberanía del rey de España, de modo que Rivadavia le ordenó destruir la bandera. Sin embargo, Belgrano la guardó y decidió que la impondría después de alguna victoria que levantara los ánimos del ejército y del Triunvirato.

En cuanto a su elección de los colores de la bandera nacional argentina, tradicionalmente se ha dicho que se inspiró en los colores del cielo; esta versión es sin dudas válida aunque no excluyente de otras. Sin embargo, es muy probable que haya elegido los colores de la dinastía borbónica (el azul-celeste y el plata o blanco) como una solución de compromiso: en sus momentos iniciales las Provincias Unidas del Río de la Plata, para evitar el estatus de rebelde declararon que rechazaban la ocupación realista, aunque mantenían aún fidelidad a los Borbones. Por otra parte, Belgrano parece haber sido devoto de la Virgen de Luján, y otras advocaciones de la Virgen (de Chaguaya, de Itatí, del Valle, de Cotoca, y de Caacupé), cuyos ropajes tradicionalmente son o han sido albicelestes; en rigor ninguna de las teorías se contradice ya que los colores del cielo representan al manto de la Inmaculada Concepción de La Virgen cuyos colores fueron elegidos por la dinastía borbónica para su presea más importante entonces otorgada: la Orden de Carlos III, de esta presea o condecoración surgió luego durante las Invasiones Inglesas la escarapela y penacho del Regimiento de Patricios.

Belgrano murió en la pobreza, a pesar de que su familia había sido una de las más acaudaladas del Río de La Plata antes de que el prócer se comprometiera con la causa de la independencia. En medio de la crisis que se abatía sobre la provincia de Buenos Aires, su fallecimiento pasó prácticamente inadvertido. El único periodista que prestó debida atención a ese hecho fue el fraile franciscano Castañeda.

Cumpliendo con su última voluntad, su cadáver fue amortajado con el hábito de los dominicos (pues era costumbre entre los terciarios dominicos, de los que formaba parte) y fue trasladado desde la casa paterna en la que murió (actual avenida Belgrano, nº 430) al Convento de Santo Domingo, recibiendo sepultura en un atrio. El mármol de una cómoda de su casa sirvió de lápida para identificarlo.

En el año 1938 por primera vez se celebró el Día de la Bandera en Argentina, eligiéndose el 20 de junio, día de la fecha de su fallecimiento.

Monumento Nacional a la Bandera (Rosario, S.Fe)

¡LO QUE SE REGALA NO SE DEVUELVE!

2011-06-19T19:32:00.001-07:00

Es increíble pero real, y una más de las cosas insólitas que suceden en Argentina.

El delantero Martín Palermo tendrá que devolver el arco que le obsequió la dirigencia de Boca, al menos transitoriamente, ya que debe utilizarse para el desempate que Huracán y Gimnasia protagonizarán en el estadio la Bombonera en pocos días más.

Así lo confirmó el vicepresidente segundo de Boca, Juan Carlos Crespi, quien aseguró en declaraciones radiales que es necesario "colocar de nuevo" el arco en cuestión.

Tras el partido del domingo pasado ante Banfield, el último que jugó Palermo en la Bombonera, le regalaron al goleador el arco ubicado sobre la cabecera que da a Casa Amarilla. Sin embargo, el atacante tendrá que restituirlo temporariamente para que lo usen en el desempate programado para el miércoles venidero.

Cuando se lo regalaron, el Titán aseguró que no sabía dónde lo iba a ubicar. Sin embargo, cuando el máximo goleador de la historia xeneize ya había resuelto el destino de su particular regalo -en la escuela de su hermano Gabriel-, ahora deberá devolverlo para que Gimnasia y Huracán resuelvan quien desciende y quien va a la promoción.

Ahora más que nunca la hinchada tripera rezará para que el arco de uno de sus archirrivales más contemporáneos le traiga suerte.

Del árbol caído...

2011-06-19T16:47:00.000-07:00

En épocas de Facebook y Twitter, las tradicionales cargadas con afiches llegaron en formato virtual. River Plate deberá jugar la Promoción para intentar conservar la categoría, y las redes sociales se inundaron de burlas e imágenes (ingeniosas algunas, simplemente agresivas otras) dirigidas al mal momento del Millonario.

"Después de «Yo te ví último» y «Yo te ví en promo» llega la nueva remera: «Yo no te ví más»", se ríen desde los portales de Boca, seguramente los que más disfrutan de esta desgracia ajena. Los afiches virtuales apuntan a la marca que auspicia las camisetas de la B Nacional, relacionan el Día de la Bandera con Belgrano (el rival de River en la Promoción) y también hacen juegos de palabras con el Día del Padre.

Son parte del color que rodea al fútbol, donde siempre hay uno que celebra y otro que sufre. Esta vez le tocó a River recibir las cargadas. Y, mientras sea sin violencia, sean bienvenidos los afiches. Lo bueno es que, más tarde o más temprano, el fútbol siempre da revancha, aunque los hinchas de Boca crean que falta mucho para eso.

La Cocina de Belkys. Hoy: Branzino con langostinos y alcauciles

2010-02-27T05:37:00.000-08:00

Ingredientes

1 branzino limpio de 1kg
8 langostino
medio vaso de vino blanco
8 corazones de alcauciles
2 escaloñas
2dl de caldo de pescado
1 tronco de apio
1 zanahoria
1/2 vasito de coñac
aceite extravirgen de oliva
sal

Preparación

1.- Cortar en gajos a los alcauciles, pelar los langostinos, cortar en fetitas las escaloñas y rehogarlas en 3 cucharadas de aceite. Agregar los alcauciles, la sal y el vino y cocinar a llama media 5 minutos.-

2.- Poner al pescado en una fuente para horno y agregarle 3 cucharadas de aceite y los alcauciles; salar, bañar con el caldo de pescado, cubrir y hornear a 180ºC durante 25 minutos.

3.- Limpiar el apio y la zanahoria, rehogar en 3 cucharadas de aceite y agregarle las cabezas de los langostinos; cocinar en llama media durante 3 a 4 minutos. Agregar las colas de los langostinos sin caparazón y sin el hilo espinal, y apenas cambia de color, bañarlas con el cognac. Flambear y agregar al pescado. Pasar por el horno durante 5 minutos y servirlo.

Hoy recordamos a... Irena Sendler

2010-02-15T08:00:00.000-08:00

Irena Sendler o Sendlerowa, nació en Varsovia, el 15 de febrero de 1910 y falleció también en esa ciudad el 12 de mayo de 2008. Era una enfermera polaca, que durante la Segunda Guerra Mundial ayudó y salvó a más de dos mil quinientos niños judíos con riesgo de su vida. Fue conocida como «El Ángel del Gueto de Varsovia» y candidata al Premio Nobel de la Paz en 2007, aunque finalmente no resultó elegida.

Cuando Alemania invadió el país en 1939, Irena era enfermera en el Departamento de Bienestar Social de Varsovia el cual organizaba los comedores comunitarios de la ciudad. Allí trabajó incansablemente para aliviar el sufrimiento de miles de personas tanto judías como católicas. Gracias a ella, estos comedores no sólo proporcionaban comida para huérfanos, ancianos y pobres sino que además entregaban ropa, medicinas y dinero.

En 1942 los nazis crearon un gueto en Varsovia, e Irena, horrorizada por las condiciones en que se vivía allí, se unió al Consejo para la Ayuda de Judíos, el Zegota. Ella misma lo contaba: "Conseguí, para mí y mi compañera Irena Schultz, identificaciones de la oficina sanitaria, una de cuyas tareas era la lucha contra las enfermedades contagiosas. Más tarde tuve éxito en conseguir pases para otras colaboradoras. Como los alemanes invasores tenían miedo de que se desatara una epidemia de tifus, toleraban que los polacos controláramos el recinto."

Cuando Irena caminaba por las calles del gueto, llevaba un brazalete con la estrella de David, como signo de solidaridad y para no llamar la atención sobre sí misma. Pronto se puso en contacto con familias a las que ofreció llevar a sus hijos fuera del gueto. Pero no les podía dar garantías de éxito. Lo único seguro era que los niños morirían si permanecían en él. Muchas madres y abuelas eran reticentes a entregar a sus niños, algo absolutamente comprensible pero que resultó fatal para ellos. Algunas veces, cuando Irena o sus chicas volvían a visitar a las familias para intentar hacerles cambiar de opinión, se encontraban con que todos habían sido llevados al tren que los conduciría a los campos de la muerte.

A lo largo de un año y medio, hasta la evacuación del gueto en el verano de 1942, consiguió rescatar a más de 2.500 niños por distintos caminos: comenzó a sacarlos en ambulancias como víctimas de tifus, pero pronto se valió de todo tipo de subterfugios que sirvieran para esconderlos: sacos, cestos de basura, cajas de herramientas, cargamentos de mercancías, bolsas de patatas, ataúdes... en sus manos cualquier elemento se transformaba en una vía de escape.

Irena quería que un día pudieran recuperar sus verdaderos nombres, su identidad, sus historias personales y sus familias. Entonces ideó un archivo en el que registraba los nombres de los niños y sus nuevas identidades.

Pero los nazis se enteraron de sus actividades. Fue así que el 20 de octubre de 1943 Irena Sendler fue detenida por la Gestapo y llevada a la infame prisión de Pawiak donde fue brutalmente torturada. En un colchón de paja encontró una estampa de Jesús Misericordioso con la leyenda: “Jesús, en vos confío”, que conservó consigo hasta el año 1979, momento en que se la obsequió a Juan Pablo II.

Ella era la única que sabía los nombres y las direcciones de las familias que albergaban a los niños judíos. Soportó la tortura y se negó a traicionar a sus colaboradores o a cualquiera de los niños ocultos. Fue sentenciada a muerte. Mientras esperaba la ejecución, un soldado alemán se la llevó para un "interrogatorio adicional". Al salir, le gritó en polaco "¡Corra!". Al día siguiente halló su nombre en la lista de los polacos ejecutados. Los miembros del Zegota habían logrado detener la ejecución sobornando a los alemanes, e Irena continuó trabajando con una identidad falsa.

En 1944, durante el Levantamiento de Varsovia, colocó sus listas en dos frascos de vidrio y los enterró en el jardín de su vecina para asegurarse de que llegarían a las manos indicadas si ella moría. Al finalizar la guerra, Irena misma los desenterró y le entregó las notas al doctor Adolfo Berman, el primer presidente del Comité de salvamento de los judíos sobrevivientes. Lamentablemente la mayor parte de las familias de los niños había muerto en los campos de concentración nazis. En un principio los chicos que no tenían una familia adoptiva fueron cuidados en diferentes orfanatos y poco a poco se los envió a Palestina.

Los niños sólo conocían a Irena por su nombre clave "Jolanta". Pero años más tarde, cuando su foto salió en un periódico luego de ser premiada por sus acciones humanitarias durante la guerra, un hombre la llamó por teléfono y le dijo: "Recuerdo su cara, usted es quien me sacó del Gueto." Y así comenzó a recibir muchos llamadas y reconocimientos.

En 1965 la organización Yad Vashem de Jerusalén le otorgó el título de Justa entre las naciones y se la nombró ciudadana honoraria de Israel.

En noviembre de 2003 el presidente de la República, Aleksander Kwasniewski, le otorgó la más alta distinción civil de Polonia: la Orden del Águila Blanca. Irena fue acompañada por sus familiares y por Elzbieta Ficowska, una de las niñas salvadas, "la niña de la cuchara de plata".

En el año 2007 el gobierno de Polonia la presentó como candidata para el premio Nobel de la Paz. Esta iniciativa fue del Presidente Lech Kaczynski y contó con el apoyo oficial del Estado de Israel —a través de su primer ministro, Ehud Ólmert— y de la Organización de Supervivientes del Holocausto residentes en Israel. Las autoridades de Oświęcim (Auschwitz en alemán) expresaron su apoyo a esta candidatura, ya que consideraron que Irena Sendler fue uno de los últimos héroes vivos de su generación, y que demostró una fuerza, una convicción y un valor extraordinarios frente a un mal de una naturaleza extraordinaria. Finalmente el galardón fue concedido al ex vicepresidente de los EE. UU., Al Gore.

Falleció en Varsovia (Polonia), el 12 de mayo de 2008 a los 98 años de edad.

La vida de esta heroína ha sido llevada a la pequeña pantalla por la CBS en "The Courageous Heart of Irena Sendler", donde ha sido interpretada por la ganadora de un Oscar Anna Paquin.

Irena, apenas conocida fuera de Polonia, como sucedió con el ahora famoso Schindler, quien murió en Alemania en la pobreza, debe su relativo anonimato a la dictadura comunista que gobernó su país durante la Guerra Fría. Sus ideales católicos no compaginaban con los comunistas que se imponían entonces desde el poder. Polonia se corrigió en 2003 concediéndole la Orden del Águila Blanca, la más alta distinción del país europeo.
.
Publicado por Alberto Peyrano
Buenos Aires, Argentina
(Fuente: Wikypedia)
.

2010-02-14T19:38:00.000-08:00

Llegaron. Como cada año los Carnavales hacen su entrada bullanguera y cadenciosa a diversos países del orbe. Celebraciones que se caracterizan por música, disfraces, colores y fantasía, en las que hombres y mujeres, niños y adultos, se vuelven uno solo y recorren las calles dando rienda suelta a la creatividad y alegría.

Orígenes
Al momento hay varias respuestas. Se dice que se remonta a los griegos, comparando este festejo con la celebración en honor a Dionisio, si bien cabe recordar que en el carnaval existe la figura de origen griego, Momo, rey de la burla. No obstante, también los romanos tenían parecidas fiestas al carnaval como Saturnalia (en honor a Saturno), Bacanalia (en honor a Baco) y Lupercales (en honor al dios Pan).

La etimología admite diversos significados que van desde la raíz latina de la palabra carvanal ( Carnevale, palabra compuesta de carne - carne y levare - quitar), que puede asociarse a la festividad cristiana de Cuaresma y sus prescripciones para la abstención del consumo de carne. Para otros, deriva de Carrum navale que refiere festejos de burla o locura.

En fin, si bien no podemos otorgar por unanimidad una definición puntual sobre su origen, es un hecho que en la cultura popular mundial, existe un espacio creado para albergar y celebrar esta efeméride. Llegó pues el tiempo de evadir las preocupaciones cotidianas, y transformarse en arlequín, payaso, personaje o animal fantástico, de esos que sólo existen en nuestro imaginario colectivo.

Famosos Carnavales
Aquí estaremos –quizá- de acuerdo: es Brasil quien va a la cabeza en esta celebración con sus afamadas fiestas en Río de Janeiro, Salvador de Bahía y Sao Paulo. En el carnaval brasileño son destacadísimas las actuaciones de las escolas de samba y los blocos, conjuntos muy elaborados de danza, música y canto, que desfilan por las calles (en Salvador) y en "sambódromos" (en São Paulo y Río De Janeiro). Las música característica de estos carnavales es la samba y el axé

En la península ibérica se destaca el Carnaval de Cádiz, que ha sido reconocido (conjuntamente con el de Tenerife) como de Interés Turístico Internacional.

También en las distintas islas de Canarias, miles de personas salen a la calle durante más de una semana. La fiesta cuenta con murgas, comparsas, elegantes disfraces, etc. celebrándose distintos concursos como la Gala de Elección de la Reina. Los carnavales se celebran en todas las islas; los más concurridos son los de Tenerife, el de Palmas de Gran Canaria en el que destaca la Gala Drag, una forma de transformismo con fines primordialmente actorales o de entretenimiento en espectáculos públicos.

En Italia cobra gran importancia el Carnaval de Venecia. Esta celebración célebre por sus artísticas y bellas máscaras, tradición que data del S. XVII cuando la nobleza se disfrazaba y salía a las calles para alternar con el pueblo. Tiene una duración de 10 días. Durante las noches, se realizan bailes en salones y las comparsas conocidas como compagnie della calza realizan desfiles por la ciudad. Entre las más conocidas se encuentran Los Antiguos y Los Ardientes.

Estados Unidos de Norteamérica y Canadá también tienen lo propio. La ciudad de Quebec se convierte este mes de febrero en una verdadera fiesta. No importa el frío ni la nieve, sus calles se llenan de gente. Se adornan con esculturas de hielo realizadas por los artistas locales, además, miles de luces de colores, pasacalles y desfiles convierten el duro invierno canadiense en una especie de carnaval ‘a lo Río de Janeiro’, eso sí, las plumas y los tangas son sustituidos por gruesos abrigos y camisas de franela. Quién olvidaría el famoso Mardi gras que se celebra en el estado de Luisiana (U.S.A.). donde las costumbres de los colonizadores franceses se mezclaron con las de los afro-americanos y las de los indios americanos dando lugar a un singular y hermoso espectáculo.

México cuenta con dos destacados carnavales en Mazatlán y Veracruz. Poblaciones costeras, alegres y singulares, cada una dotado por extensos avenidas (malecón) a la orilla del mar, donde los desfiles, carros alegóricos, música, disfraces y colorido dan la pauta para que la alegría se aposente durante casi una semana, dando fama mundial al festejo.

Nuestra América Latina está llena de colorido, pasando por las fiestas carnestolendas de Argentina (destacan las efectuadas en Corrientes, Entre ríos, Salta, Buenos Aires, en las que reina la música del candombe) Colombia ( Carnaval de Barranquilla, declarado Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad por la Unesco en 2003 y Patrimonio Cultural de la Nación en 2001 por el Congreso de Colombia.) Panamá (su legendario carnaval cumple 100 años, en la capital se disfruta en las mañanas las “mojaderas” o "culecos" que refrescan el calor tropical: estos son carros cisternas que arrojan agua a los paseantes; en las tardes los desfiles y paradas con “Reinas” de extravagantes y lujosos disfraces en carros alegóricos, acompañadas de “comparsas” y “tunas” son el deleite de chicos y grandes.)

Y si como dice el adagio: “carnaval sin alharaca es como chinita flaca…” dispongámonos a celebrar estas fiestas, ya que como dijera la guarachera de Cuba, Celia Cruz, la vida es un carnaval…

Publicado por Rebeca Montañez
Mérida, México
.

La cocina de Belkys. Hoy: Ensalada de ahumados

2010-02-13T19:13:00.000-08:00

Calorías/ración: 190

Comensales: 4

Ingredientes

1 loncha de pescado ahumado (Unos 100 gr. Sirve salmón, trucha o cualquier otro).
1 lechuga pequeña
50 gr de queso fresco o Tofu
200 gr de tomatitos Cherry
2 huevos
2 cucharadas de alcaparras
2 cucharadas de aceite de oliva
1 cucharada de vinagre

Preparación

1.- Poner los huevos a cocer 10 minutos y pelarlos. Mientras, hacer la salsa vinagreta batiendo en un bol el aceite con el vinagre y
una pizca de sal.
Cortar el pescado ahumado y la lechuga ya lavada y cortada en juliana, el queso en cuadraditos, los tomatitos por la mitad y
los huevos duros en cuartos.
2.- Mezclar en un bol la lechuga con el queso, incorporar la vinagreta y revolver bien.
3.- Distribuir la lechuga con el queso en una fuente plana. Colocar en el centro el pescado ahumado con las alcaparras por encima.
Rodear todo alternando trozos de tomate y de huevo.

Publicado por Belkys Giordano de Elizalde

Buenos Aires, Argentina

El programa que hace milagros cumplió 20 años

2010-02-12T18:29:00.000-08:00

Corta, pega, ilumina, oscurece, difumina, mejora y en ocasiones... engaña. El Photoshop fue lanzado en 1990 pero en los últimos años salió del círculo de diseñadores para convertirse en la herramienta más controvertida de los "retoques" a divas y galanes de revistas.

Veinte años pasaron desde su lanzamiento comercial como se lo conoce hoy y nunca dejó de ser noticia. El Adobe Photoshop fue creado por un estudiante de la Universidad de Michigan en 1987 y en la idea original se llamaba Display. Dos años estuvo Thomas Knoll, su desarrollador, para refinar el proyecto y en 1988 lo renombró con un nombre menos ganchero: ImagePro.

En aquel entonces, pocos esperaban que la herramienta nacida como un instrumento netamente de diseño generara controversias, incluso, en el mundo mediático. En 1990, la empresa Adobe compró el programa y lo lanzó bajo la marca Photoshop 1.0. Mientras algunos blogs señalan que el 10 de febrero de 1990 se produjo la presentación del software.

El PS fue centro de diversas críticas por el abuso de este recurso con la famosa "foto retocada". Tal como sucedió en el caso de una cintura excesivamente afinada de una modelo en un anuncio de Ralph Lauren. Fue tal el escándalo que en Francia una legisladora presentó un proyecto de ley con una serie de normas que advertía sobre una imagen retocada de forma digital, publicaba el matutino. Además, la edición de una popular revista argentina, donde misteriosamente en una foto de Susana Giménez posando en topless, alguien osó "robarle" el ombligo a la diva, no se queda atrás. Para su suerte, la instantánea recorrió el mundo.

La evolución del PS resultó en múltiples ediciones, tanto para la plataforma Mac como PC. Thomas Knoll pasó a figurar en los créditos de la aplicación, mientras que John Knoll, su hermano y trabajador de la compañía de efectos especiales propiedad de George Lucas, Industrial Light & Magic (ILM), continuó con su trabajo en ILM como supervisor de efectos especiales en diversas películas, como Star Wars: Episodio 1, Piratas del Caribe y en la última producción de James Cameron: Avatar.

Ahora ya se ofrece una versión para trabajar en tres dimensiones. Muy pocas personas se resisten a utilizarlo. Tanto que con el tiempo se ha visto aquejado por los abusos.

Cuerpos perfectos, más pecho, menos curvas, rostros angelicales pero, ¿dónde está el límite? Cada vez más profesionales se resisten a su utilización, entre ellos las propias modelos.

Más de una se ha atrevido a posar con la cara lavada, sin pudor. Es que la tecnología avanza pero los milagros no existen.

Publicado por Wenceslao Laguna
Lima, Perú
.

Vancouver 2010

2010-02-12T18:10:00.000-08:00

Vancouver 2010 acoge a las grandes estrellas de los deportes de invierno en 17 días de competición. En Vancouver 2010 tomarán parte un total de 2762 deportistas

Vancouver 2010 arranca hoy. Lo hace con la ya tradicional ceremonia de inauguración de los Juegos y con las primeras eliminatorias de saltos de esquí. Por delante, 17 días de competición en los que los deportistas congregados en Vancouver 2010 saborearán las mieles del éxito y del fracaso, de la victoria y la derrota. Pero ante todo, la esencia de los Juegos Olímpicos de Vancouver 2010 será nuevamente la emoción. Como no podía ser de otra forma.

Los datos revelan bien a las claras la importancia de la cita de Vancouver 2010. Se estima que unos 3.000 millones de personas seguirán todo lo que acontezca en Vancouver 2010, una cita que acoge a un total de 2762 deportistas de 82 países diferentes, entre los que destacan los recién llegados de Ghana e Islas Caimán. La respuesta de la afición ha sido tan grande que los propios organizadores de Vancouver 2010 se han visto sorprendidos por las más de 2 millones de entradas vendidas hasta la fecha. Todo un éxito para Vancouver 2010, que espera acoger estos días 300.000 visitantes.

Vancouver 2010, una cita para las estrellas del esquí Los Juegos Olímpicos de Vancouver 2010 vienen a recoger el testigo de Turín 2006, una cita en la que Benjamin Raich y Michaela Dorfmeister se reivindicaron como las grandes estrellas. En Turín, el alemán ganó las dos pruebas técnicas de esquí alpino, mientras que la austríaca lograba el oro en las de velocidad.

En Vancouver 2010, los favoritos cambian. Y es que Lindsey Vonn y Didier Cuche se estilan como los grandes favoritos a la victoria en las modalidades de esquí alpino, al menos visto su rendimiento en las pruebas de la Copa del Mundo. Sin embargo, la americana padece dolores en su pierna derecha y su estado de forma en Vancouver 2010 es una incógnita. Lindsey Vonn tendrá como rivales a Maria Riesch, Anja Paerson, Kathrin Zettel y Marlies Schild. Se da la circunstancia de que Schild es la novia de Benjamin Raich, líder de la Copa del Mundo y doble campeón olímpico en Turín.

En lo que respecta a la categoría masculina, la rivalidad entre los esquiadores alemanes, los austríacos y los suizos promete grandes duelos en Vancouver 2010: Raich, Didier Cuche y Carlo Janka tendrán que dar lo mejor de sí para lograr el oro. Todo ello sin olvidar al noruego Aksel Lund Svindal, los americanos Ted Ligety y Bode Miller y el italiano Massimiliano Blardone. Palabras mayores en Vancouver 2010.

Vascos en Vancouver 2010 En representación vasca en Vancouver 2010, estarán el esquiador donostiarra Paul de la Cuesta, en esquí alpino y la labortana Cami lle de Faucompret, en snowboard. Ambos esperan realizar un buen papel en Vancouver 2010. Y, por qué no, luchar por estar entre los mejores.
.

Publicado por Darío José

Buenso Aires, Argentina

El adiós a Julio Paz

2010-02-09T18:14:00.000-08:00

Falleció en Milán el artista plástico argentino, Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Grabado 1971.

El viernes 5 de febrero falleció en el Hospital Sacco, de Milán, Italia, el gran artista plástico argentino Julio Paz.

Había nacido en Avellaneda, en 1939, y residió en Quilmes desde 1949 hasta 1976, año en que partió al exilio después de haber sido amenazado de muerte en su lugar de trabajo, la Escuela Municipal de Bellas Artes Carlos Morel, de la ciudad Quilmes.

Diseñador gráfico, dibujante, grabador y pintor su obra recibió innumerables premios nacionales e internacionales: Salón Internacional de Grabado de Biella, Italia, en 1992: VIII Internacional de Arte Gráfico en Berlín, República Democrática Alemana, en 1987; Medalla de Honor en la IV Exhibición Internacional de Arte Gráfico en Lodz, Polonia, en 1985; Premio Internacional de Grabado, en Japón, en 1885, entre otros.

Expuso en museos y galerías de nuestro país y el exterior: Museo Municipal de Artes Visuales de Santa Fe; Museo Provincial de Bellas Artes de Tucumán; Museo Municipal de Artes Visuales de Quilmes; Langsan Gallery, de Armandale, Australia; Galería Arte Vigente, Caracas, Venezuela; Academia de Bellas Artes, de Brera, Milán; Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Bs. As., Argentina; Café Paz, en Kulturhaus Mitte, Berlín, Alemania; Museo de Historia de la Ciudad de Lodz, Polonia; por nombrar sólo algunas de las instituciones que mostraron su trabajo.

Poseen sus obras los museos de Arte Contemporáneo, de Artes Plásticas Eduardo Sívori, del Grabado, de Arte Moderno, Nacional de Bellas Artes, en Buenos Aires, y distintos museos del interior del país. En el exterior disponen de obras de Julio Paz: el Museo Nacional de Bellas Artes de La Paz, Bolivia; el Museo de Arte Gráfico Moderno de El Cairo, Egipto; la Biblioteca Nacional de París, Francia; el Museo del Libro y la Escritura de Liepzig, Alemania; Museo del Grabado Latinoamericano de San Juan, Puerto Rico; y distintas instituciones y colecciones privadas del país y el mundo.

Su obra transmite la búsqueda quimérica de los sueños incumplidos del humanismo latinoamericano. Fiel a su época, registra los hechos más crudos de nuestra realidad sin ceñirse a un anecdotario cronológico sino que se adentra en nuestros problemas con una crítica sutil a la insensibilidad y el individualismo. El color es un elemento que Julio Paz ha manejado con visible talento y con una fuerza que trasmite siempre esperanza y calidez.

La literatura fue uno de los ríos que alimentó su trabajo artístico, desde la serie de “Los inventos” donde recreaba los más vulgares objetos de nuestra cotidianeidad, como un Verne sudamericano, hasta sus retratos de Onetti, con quién compartió una larga noche en Montevideo y Cortázar, a quién conoció en el exilio.

El Luna Park, Gardel, los pugilistas, los circos sin nombre, las Madres de Plaza de Mayo, sus alusiones a Quilmes y Bernal, los lugares en los que fue feliz, aparecen en su obra una y otra vez, como si nunca hubiera partido definitivamente del país que lo expulsó y no supo, todavía, recuperarlo.

Su última gran muestra antológica “La mano que…” tuvo lugar en el Palazzo Reale de Milán, en mayo de 2008, coincidiendo con la celebración de la Semana Argentina en Milán. Una vez más Julio Paz dio muestras de su talento compositivo con pinturas y grabados que volvieron sobre sus temas de siempre, el amor, la patria lejana, la soledad, y el arte. Como si Van Gogh, Chagall, Frida Kahlo, Gauguin, Goya, alimentaran aún su solitario, inconfundible, noble camino hacia una belleza que, no sabía, ya había encontrado muchos años atrás.

Texto de Claudio L. Pérez difundido por la escritora Marga Mangione, a quien agradecemos su gentileza al hacernos saber de esta lamentable pérdida para las artes argentinas.

El adiós a Ian Carmichael

2010-02-06T18:51:00.000-08:00

Noticias provenientes de Inglaterra nos hacen saber que falleció el actor británico Ian Carmichael, a la edad de 89 años.

Había nacido en Hull, Yorkshire y era hijo de óptico, educado en el Scarborough College y en la Bromsgrove School, antes de su formación como actor en RADA.

Debutó en el escenario como un robot en una sala del East London en 1939. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, su carrera actoral fue interrumpida y tuvo que prestar servicios en el Cuerpo Blindado Real, como oficial, en el Regimiento de Dragones 22.

El joven actor había dado la espalda a los negocios familiares en Hull para asistir a la Real Academia de Arte Dramático, y cantar en los concursos de talentos en el Hammersmith Palais de Danse.

En el cine, siempre hizo personajes secundarios pero serios, com en las películas “Brumas de traición” (1954), protagonizada por Clark Gable y Lana Turner, “La historia de Colditz” (1955) junto a John Mills y Lionel Jeffries, “Simón y Laura”, del mismo año protagonizada por Peter finch y Kay Kendall. Llegó a hacerse un nombre y pasó a ser reconocido por el gran público actuando en una serie de filmes de los hermanos Boulting, como “Private’s Progress” (1956), “Brothers in law” (1957) y “I'm All Right Jack” (1959), así como películas similares de otros productores, por ejemplo, “School for Scoundrels” (1960). También apareció en el episodio "Orgullo" (Pride) de “The Magnificent Seven Deadly Sins” (1971).

Durante los años 1960 y 1970, tuvo éxito en la televisión británica, con la comedia “Bachelor father”, basada en la historia de un soltero de la vida real que se enfrentó a la crianza de varios niños. También en “Bertie Wooster”, junto a Dennis Price, como Jeeves; en varias series de “El Mundo de Wooster”, basada en la obra de PG Wodehouse. En años posteriores, se le escuchó en la radio BBC como “Galahad Threepwood”, otra creación de Wodehouse. En la década de 1970, hizo el rol de Lord Peter Wimsey en varias series de ficción basada en las novelas de misterio de Dorothy L. Sayers.

Su último trabajo fue el año pasado para algunos capítulos de la serie “The Royal”.

Carmichael, falleció pacíficamente en su casa en el Valle de Esk en el North York Moros. Según su esposa Kate, había caído enfermo durante Navidad y Año Nuevo. Ian Carmichael tuvo dos hijas, cinco nietos y cuatro bisnietos.

Publicado por Alberto Peyrano
Buenos Aires, Argentina
.

Richard Clayderman en Argentina

2010-02-05T13:14:00.000-08:00

Dos únicas funciones en Buenos Aires ofrecerá el reconocido pianista Richard Clayderman en Buenos Aires: el sábado 20 de febrero a las 21.00 horas y el viernes 26 de febrero, a las 21.00 horas en el Teatro Coliseo de la Capital Argentina.

Con más de 70 millones de discos vendidos, 267 Discos de Oro y 70 de platino, el aclamado pianista volverá a estar nuevamente en un escenario porteño en su regreso a nuestro país tras casi 20 años de ausencia.

Clayderman comenzó sus estudios de piano a muy temprana edad de la mano de su propio padre, quien era un profesor de música. Con apenas 12 años ingresó al conservatorio de música de París, donde a los 16 años obtuvo el Primer Lugar al Mérito.

Sus primeros pasos como músico profesional lo encontraban como pianista sesionista para poder seguir pagando sus estudios de capacitación y perfeccionamiento. Trabajó junto a grandes como Michel Sardou, Thierry LeLuron y Johnny Halliday.

En el año 1976 fue convocado por un productor de grabaciones musicales para realizar una prueba junto con otros 20 pianistas para la grabación discográfica de algunas baladas. Finalmente Clayderman fue elegido y desde ese momento su popularidad se incrementó hasta niveles nunca igualados por pianistas mundiales en el género popular.

La mundialmente famosa “Balada para Adelina” (compuesta por Paul de Senneville) fue una de las piezas que lo lanzó al estrellato mundial. Sólo con este disco vendió alrededor de 22 millones de copias en más de 30 países.

Actualmente lleva grabadas más de 1500 piezas musicales distintas y sus discos se ubican siempre en el Top 10 de los más vendidos del género instrumental en todo el mundo.

El músico es reconocido por reformular, con su estilo, muchas obras famosas de música clásica, como “Para Elisa”, acercándolas al público masivo. También grabó un par de discos acompañado por la orquesta de James Last.

El reconocimiento que el mundo de la música hace a CLAYDERMAN es su innegable aporte para popularizar el arte del piano, de tal manera que algunos comentadores lo señalan como el mayor difusor popular de este instrumento musical del siglo XX.

La fecha elegida para Buenos Aires es el sábado 20 de febrero de 2010 a las 21.00 horas, cuando brindará un único concierto en el Teatro Coliseo interpretando sus grandes creaciones, para emocionar y traer recuerdos a público de todas las edades.

De la mano de exitoso productor Ovidio García el 19 de Febrero del 2010 se presentará en el Hotel Conrad de Punta del Este, el 24 en Rosario y durante todo el mes, en otras ciudades del interior del país.

- Localidades en venta en el Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125, Buenos Aires) y por sistema Ticketek
- Por localidades agotadas, se agrega una función para el Viernes 26 de Febrero a las 21.00 horas, en el mismo teatro.

Publicado por Darío José según gacetilla enviada por Colombo-Pashkus.
Buenos Aires, Argentina
.

MENDELSSOHN Y LA CUEVA DE FINGAL

2010-02-03T03:36:00.000-08:00

“Cuando Dios se pone a pintar paisajes,

crea cuadros de extraña belleza.” (Félix Mendelssohn)

Se cumple hoy el 201º Aniversario del nacimiento de Felix Mendelssohn Bartholdy. El músico había nacido en Hamburgo el 3 de febrero de 1809 y falleció en Leipzig el 4 de noviembre de 1847, y está considerado uno de los grandes compositores alemanes representativos del periodo romántico. Fue un niño prodigio que tocaba el piano con maestría y componía piezas musicales. A los nueve años hizo su primera aparición en público, cuando participó en un concierto de música de cámara, y a los 13 compuso su primera obra publicada, un cuarteto para piano. En un encuentro con Goethe, el famoso escritor quedó impresionado de la forma en que Mendelssohn tocaba el piano y le dijo que si algún día estuviese triste, quisiera que acudiese a verle con su música.

Dentro de los numerosos viajes que realizó Mendelssohn durante su breve vida, cobra especial importancia para nuestra nota, su periplo por Gran Bretaña. En 1829, a los 20 años de edad, por consejos de su padre para que diera a conocer su talento en otras tierras, Mendelssohn realizó la primera de sus visitas a Inglaterra, país que habría de ser muy hospitalario para su música y su persona. Como viajero ilustrado que era, Mendelssohn solía escribir interesantes y evocativas cartas desde los lugares que visitaba, cartas que son una fuente invaluable de información sobre su pensamiento musical y sobre sus apreciaciones de la cultura y la naturaleza humana. Así, la capital inglesa le produjo al joven músico una profunda impresión: “Es impresionante, ¡es de locura! Estoy completamente aturdido y confundido. Londres es el monstruo más grande y complicado que existe sobre la faz de la tierra”. En ese año de 1829, dirigió una sinfonía suya en la Sociedad Filarmónica de Londres con éxito apreciable. Los músicos de la Filarmónica se sorprendieron al principio pues debían someterse a un muchachito y no a un maduro director. Pero el talento de Mendelssohn pronto los hizo olvidarse de prejuicios y el concierto tuvo éxito. Los críticos aclamaron su música y su obra. Cinco días más tarde, hizo su primera aparición como pianista tocando de memoria el Konzerstück de Weber. Y escribió a sus padres: “¡Por Júpiter!, yo toco mejor aquí que en Berlín. ¿Y por qué? Porque aquí la gente muestra más satisfacción en escucharme”.

En el verano de ese año el compositor alemán viajó a Escocia, y de esa jornada son algunas de sus cartas más poéticas y evocativas. Como era de esperarse, el viaje lo llenó también de ideas musicales. En sus propias palabras, Mendelssohn afirmó que había ido a Escocia con el oído abierto a las canciones folclóricas, con el alma dispuesta a admirar la campiña y el corazón preparado para apreciar las piernas desnudas de las nativas. Las tierras escocesas le inspiraron algunas de sus mejores obras y despertaron su inspiración poética. Allí surgió, como nacida de las mismas aguas del mar, su poema sinfónico “Las Hébridas”, también conocido como “La gruta de Fingal”. Fue por los estímulos que recibió frente a las fuerzas de la naturaleza que escribió: “Cuando Dios se pone a pintar paisajes, crea cuadros de extraña belleza.”

Frente a la costa occidental de Escocia se encuentra un grupo de más de 500 islas conocidas como el archipiélago de las Hébridas. Menos de la quinta parte de estas tierras se encuentra habitada, y la población es variable debido a constantes fenómenos de migración. Hay en ellas un poco de agricultura, algo de ganadería, ciertas actividades pesqueras y, sobre todo, la confección de ese tipo de tela típicamente británica que se conoce como tweed. En algunas de las islas pueden verse monumentos prehistóricos y en otras, algunos restos arquitectónicos del cristianismo medieval. Ahí, en pleno mar de las Hébridas, flanqueada a oriente y occidente por las islas de Mull y Tiree, y al norte y al sur por las islas de Ulva y de Iona, se encuentra la isla de Staffa.

Su nombre proviene de los vikingos, quienes la llamaron así por sus "pilares" o "columnas", en referencia a las columnas de basalto que existen en la isla que a veces semejan tubos de órgano. Se encuentra ubicada a 6 Km al oeste de la isla de Mull, tiene 33 hectáreas de territorio y su punto más alto está a 42 metros sobre el nivel del mar. Es una isla que ha obtenido cierto renombre tras ser visitada por Sir Joseph Banks a finales del siglo XVIII, quien ensalzó la belleza de las columnas que la caracterizan, y dio el nombre de "gruta de Fingal" a la principal cavidad natural, la espectacular caverna marítima de la isla. Ya en siglos posteriores, otras personalidades, incluyendo a la reina Victoria visitaron la isla. Actualmente, está deshabitada y se puede acceder a ella en barcos turísticos que parten desde Oban, Mull y otras localidades cercanas, y permiten al visitante admirar la belleza de sus grutas y contemplar a los frailecillos anidando en el lugar.

La Gruta de Fingal está formada por basalto hexagonal, similar en estructura -a causa de su mismo origen en un flujo de lava- a la Giant's Causeway o “calzada de los gigantes” de Irlanda del Norte. Su tamaño y techo de arcos naturales, junto a los escalofriantes ecos producidos por las olas, producen el ambiente de una catedral natural. El nombre gaélico de la gruta, Uamh-Binn, significa "Gruta de la melodía". Pero la fama que adquirió este hueco natural excavado en la piedra por la mano gigantesca de la fuerza del mar se debe a Félix Mendelssohn , quien esbozó in situ su obertura “Las Hébridas”, más conocida como el nombre de la misma cueva. Ésta era ya por aquel tiempo un atractivo turístico y Mendelssohn no permaneció ajeno a los relatos de esta maravilla, por lo cual decidió conocerla, sin sospechar que la experiencia tendría como consecuencia una de sus obras más profundas y delicadas.

En aquella época la cueva tenía aproximadamente 11 metros de altura y 60 de profundidad (actualmente es un poco más profunda debido al avance de la erosión marítima), y contenía coloridos pilares. Contactado con los sonidos, la luz, el colorido, la dinámica de las aguas y el entorno del paisaje, el compositor no pudo sustraerse al llamado de su inspiración e inmediatamente comenzó a escribir lo que después se convertiría en el tema inicial de la obra. Cuando se la envió a su hermana Fanny, en la carta que acompañaba a la partitura afirmó: "Para lograr que comprendas hasta qué punto me han afectado las Hébridas, te envío lo siguiente, que vino a mi cabeza allí".

Mendelssohn terminó la obra el 16 de diciembre de 1830, y la tituló originalmente “Die einsame Insel” (La isla solitaria). Sin embargo, más tarde revisó la partitura, que volvió a dar por finalizada el 20 de junio de 1832, y la retituló “Die Hebriden” (Las Hébridas). El título "La Gruta de Fingal" también hace su aparición en la partitura. La obra se estrenó el 14 de mayo de 1832 en Londres, en un concierto en el que también se interpretó “El sueño de una noche de verano”. El manuscrito autógrafo se conserva en la Biblioteca Bodleiana, en Oxford.

Pese su calificación de "obertura", la obra está pensada como pieza independiente. No narra una historia y por lo tanto no cabe calificarla como música que preludia una gran ópera o una sucesión posterior de temas, sino que se trata de la descripción de un ambiente, la pintura de una escena o paisaje, con lo que se convierte en una de las primeras obras musicales en intentar algo semejante. Consta de dos temas principales: las notas iniciales, interpretadas por las cuerdas, establecen el tema que Mendelssohn dijo escribir en la cueva misma. Este tema lírico y sugerente de la belleza de la cueva está pensado para inspirar sentimientos de soledad. El segundo tema, en cambio, al que se suman otros instrumentos, representa el movimiento del mar y de las olas. La pieza está escrita para una orquesta estándar y dura aproximadamente 11 minutos.

No es difícil apelar a la imaginación y visualizar a Mendelssohn parado sobre el majestuoso paisaje de Staffa, teniendo frente a sí la entrada de la gruta y anotando la frase musical con la que inicia su partitura, que a la larga habría de resultar una de sus obras más logradas. En 1833 Mendelssohn la dirigió en Berlín, en el estreno de su obertura en Alemania, y desde ese día la obra ha ocupado un merecido lugar de privilegio en las salas de conciertos de todo el mundo. Un gran equilibrio formal, un conciso y claro desarrollo de los temas principales, una orquestación vital pero no exhibicionista y, sobre todo, un gran poder de evocación, son las cualidades de esta pequeña joya musical del romanticismo.

© Alberto Peyrano
Buenos Aires, Argentina

Nota publicada en la Revista Estrellas Poéticas
.

El adiós a Tomás Eloy Martínez

2010-02-02T04:05:00.000-08:00

"Fue uno de los brillantes autores de su generación, que sufrió el silencio de los academicistas de la literatura y la quema de sus obras durante la dictadura militar". Con estas palabras, el historiador argentino Osvaldo Bayer se refirió al periodista y escritor argentino Tomás Eloy Martínez, que falleció anoche. Las palabras del intelectual fueron más allá, al señalar: "tal vez fue el mejor dentro del periodismo situacionista argentino de la década del 60 y primeros años de los 70; siempre manteniendo una línea llamada ’moderada’, lo que le permitió escribir para diarios de centroizquierda y conservadores".

Los principales medios del mundo se hicieron eco de la noticia de su muerte, a causa de un tumor cerebral y de un cáncer contra el que venía batallando hacía varios años.

En España los periódicos El Mundo y El País -en este último se desempeñó como columnista- destacaron en su portada la noticia, mientras que El Universal de Venezuela -país en el que exilió entre 1975 y 1983- también le otorgaron un importante espacio. La noticia sobre su muerte se reprodujo en toda Latinoamérica en medios como Radio Caracol de Colombia y el diario El Mercurio de Chile, además de tabloides y portales de Internet en México, Perú, Paraguay, Ecuador y Uruguay entre otros países.

Tomás Eloy Martínez nació en San Miguel de Tucumán, Argentina, el 16 de julio de 1934. Se graduó como licenciado en Literatura Española y Latinoamericana en la Universidad Nacional de Tucumán y obtuvo en 1970 una Maestría en Literatura en la Universidad de París VII. En Buenos Aires fue crítico de cine del diario La Nación y jefe de redacción del semanario Primera Plana. Entre 1969 y 1970 fue corresponsal de la editorial Abril en Europa, con sede en París, y luego director del semanario Panorama. También dirigió el suplemento cultural del diario La Opinión.

Entre 1975 y 1983 vivió exiliado en Caracas, Venezuela, donde fue editor del Papel Literario del diario El Nacional y asesor de la Dirección de ese mismo diario. Allí fundó El Diario de Caracas, del que fue director de redacción. En 1991 participó en la creación del diario Siglo 21 de Guadalajara, México, que salió durante siete años, hasta diciembre de 1998.

En junio de 1991 creó el suplemento literario Primer Plano del diario Página/12 de Buenos Aires, que dirigió hasta agosto de 1995. Desde mayo de 1996 era columnista permanente del diario La Nación de Buenos Aires y de The New York Times Syndicate, que publicaba sus artículos en doscientos diarios de Europa y las Américas.

Además de su trayectoria periodística y literaria había desarrollado una extensa carrera académica con conferencias y cursos en importantes universidades de Europa, Norteamérica y Sudamérica, así como su vinculación como profesor a la universidad de Maryland. Desde julio de 1995 era profesor distinguido de Rutgers University en Nueva Jersey y director del Programa de Estudios Latinoamericanos de esa universidad. Recibió títulos de doctor honoris causa de la Universidad John F. Kennedy de Buenos Aires y de la Universidad de Tucumán.

Entre sus obras que publicadas figuran el ensayo “Estructuras del cine argentino (1961); la novela “Sagrado” (1969); el relato periodístico “La pasión según Trelew” (1974), cuya tercera edición fue quemada en la plaza del III Cuerpo de Ejército, en Córdoba, por la dictadura militar; los ensayos de crítica literaria “Los testigos de afuera” (1978), y “Retrato del artista enmascarado” (1982); la colección de relatos “Lugar común la muerte” (1979); las novelas “La novela de Perón” (1985) y “La mano del amo” (1991) y, por supuesto, “Santa Evita” (1995), la novela argentina más traducida de todos los tiempos. En 1996, publicó “Las memorias del general”, una crónica sobre los años 70 en Argentina.

Ganó en 2002 el codiciado Premio Internacional Alfaguara de Novela por su novela “El vuelo de la reina”.

Fue también autor de diez guiones para cine, tres de ellos en colaboración con el novelista paraguayo Augusto Roa Bastos, y de varios ensayos incluidos en volúmenes colectivos.

En 2008 se le entregó el Premio Cóndor de Plata a la trayectoria que entrega la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, la distinción en su tipo más importante del país. El premio fue por su fecunda trayectoria dentro del periodismo y la crítica cinematográfica.

En 2009 resultó premiado con el Ortega y Gasset de Periodismo a la Trayectoria Profesional

“Las ficciones son nuestra forma de rebelión”, resumía Eloy Martinez, contemporáneo a los primeros gobiernos de Juan Domingo Perón, y de quien escribiera en 1985 “La novela de Perón”. “Es una novela donde todo es verdad. Durante diez años reuní documentos, cartas, voces de testigos, páginas de diarios, fotografías, muchas desconocidas. En el exilio reconstruí las memorias que Perón me dictó entre 1966-1972 y las que López Rega me leyó en 1970, explicándome que pertenecían al General aunque él las hubiera escrito. Luego, decidí que las verdades de este libro no admitían otro lenguaje que el de la imaginación. Así fue apareciendo un Perón que nadie había querido ver: no el de la historia, sino el de la intimidad”, contó él mismo.

“La pasión según Trelew” (1974) le provocó, quizás, uno de los primeros cimbronazos en su vida de periodista: fue despedido de la revista Panorama por publicar en tapa los hechos ocurridos en el penal de Rawson en agosto de 1972. El libro fue quemado en la plaza del III Cuerpo de Ejército en Córdoba durante la última dictadura militar y fue incluido como prueba en la causa que investiga la masacre de Trelew. Su pluma mezcló el relato periodístico con la literatura: entre sus libros se destacan, entre otros, la colección de relatos “Lugar común la muerte” (1979) y “La mano del amo” (1991). Su última novela se llamó “Purgatorio” (2008). En ella reflexionó profundamente sobre la muerte.

Publicado por Alberto Peyrano
Buenos Aires, Argentina
.

La Cocina de Belkys. Hoy: Brusqueta mediterránea

2010-01-31T05:45:00.000-08:00

Ingredientes para 4 porciones

300gr de tofu
250gr de tomatitos cerezas
8 fetas de pan integral
8 filetes de anchoa
2 ajíes pequeños verdes (o peperoncini)
3 cucharadas de aceite de oliva
1 cucharada de aceite de maiz
1 cucharadita de orégano
albahaca fresca
sal

Preparación
1.- Lavar bien los tomatitos, cortarlos por la mitad y saltearlos en sartén con 3 cucharadas de aceite de oliva y una pizca de sal, durante 5 minutos.-

2.- Disponer el pan integral sobre la rejilla del horno protegido por una hoja de papel para horno. Distribuir sobre las fetas los tomatitos, el tofu picado junto con las anchoas picadas y los ajíes en rodajitas.

3.- Llevar al horno precalentado a 200ºC hasta que se dore. Adobar con una cucharada de aceite de maiz y sobre ésto espolvorear el orégano.

4.- Una vez dorados, retirarlos del horno y adornar el plato con las hojas de albahaca fresca.-

Publicado por Belkys Giordano de Elizalde
Buenos Aires, Argentina
.

Comentando Fútbol por Raquel Luisa Teppich

2010-01-31T05:39:00.000-08:00

Rápido y vistoso

La última vez que River tuvo a sus refuerzos con tanta anticipación fue campeón. ¿Casualidad o una señal?

Antes de cada torneo, los técnicos suelen repetirse en la importancia que tiene para la conformación del equipo que los refuerzos lleguen lo antes posible. Ni en tiempo ni en forma: ya, hoy, ayer si es posible. Ni más ni menos que como Daniel Passarella hizo en este mercado. Y aunque el fútbol esté lejos de ser una ciencia cierta, en River se podría decir que la demanda da buenos resultados, ya que la última vez que un entrenador había tenido con tanta antelación a los nuevos fue en el Clausura 08. Sí, cuando el equipo por entonces dirigido por Simeone ganó el último título del club...

Tres fueron las incorporaciones que tuvo aquel River del Cholo: Gustavo Cabral, Rodrigo Archubi y Sebastián Abreu. Y además de que los tres pudieron realizar la pretemporada completa, para el debut en el torneo (2-0 ante Gimnasia de Jujuy) el DT sólo no pudo contar con Abreu debido a que la Federación Mexicana no había enviado el transfer. Después, ya nada volvió a ser igual. En el Apertura 08, las únicas dos caras nuevas en el arranque ante Colón fueron las de Robert Flores (hizo un gol en ese partido) y la de Galmarini. Pero de Santiago Salcedo, Facundo Quiroga y Omar Merlo ni noticias. La historia se acentuó ya con Gorosito en el banco en el Clausura 09, ya que ninguno de los tres recién llegados (Barbosa, Gallardo y Fabbiani) estaba listos para el inicio del torneo. Y ni hablar del último Clausura, cuando apenas jugó Paniagua con dos prácticas encima (después llegarían Navarro, Almeyda y Cohene Mereles). Por eso mañana, con tres refuerzos en cancha (Ferrero, Díaz y Rojas) y el cuarto en el banco (Canales), Astrada tiene todo lo que pidió tal cual lo soñaba. Habrá que ver si esta vez también es con final feliz...

Publicado por Raquel Luisa Teppich
Mar del Plata, Argentina
.

Angulema y su Festival Anual del Comic Internacional

2010-01-28T05:38:00.000-08:00

El festival de Angulema inicia hoy su 37ª edición consagrado como una cita tan ineludible para el mundo del cómic como lo son Cannes o los Oscar para el cine. Presidido por el ganador del premio Ciudad de Angulema 2009, Christian Hincker, Blutch, este año el certamen rinde homenaje a Sempé, creador de las populares historias de “El pequeño Nicolás”, y a Crumb, autor estadounidense fundador del cómic underground.

La organización espera recibir más 200.000 visitantes ávidos por conocer las últimas novedades, asistir a los conciertos de dibujo y recorrer las múltiples exposiciones distribuidas por toda la ciudad. Un total de 58 álbumes publicados en 2009, entre los que figuran tanto autores consagrados como jóvenes promesas, integran el palmarés de la competición oficial. El ganador del mejor álbum se alzará con el premio más prestigioso de un sector editorial que no conoce la crisis. En los últimos cinco años ha doblado la producción de libros. Francia publica cada año 3.500 nuevos álbumes, una media de unos 300 mensuales.

El organizador del certamen sale al paso de las acusaciones de elitismo lanzadas por algunos editores. «Cuando "Persépolis" (historieta de la iraní Marjana Satrapi crítica con el fundamentalismo islámico) ganó, se me reprochó que se recompensara a libros que no se vendían, hoy es un superventas indiscutible, que ha sido llevado al cine con éxito». Con este ejemplo, Mouchart reivindica a Angulema como «un formidable escaparate para la tira cómica» cuyos premios no duda en calificar de «Oscars del noveno arte».

Polémicas aparte, nadie discute la supremacía de Angulema como referente del sector. Las estrellas invitadas constituyen uno de los principales atractivos. Firman autógrafos a sus fans y posan para los medios de comunicación igual que los actores de cine. Solo falta el desfile sobre la alfombra roja.

Los amantes incondicionales del manga contarán con la presencia de Yukimura, al que se ha dedicado una exposición. El festival dedica también un espacio a los autores rusos, sin olvidar a los clásicos. Una de las mayores muestras tiene como protagonistas a los Casacas azules de Raoul Cauvin y Willy Lambil, autores de 50 álbumes –durante 40 años de colaboración– sobre las andanzas del sargento Cornelius y su inseparable cabo Blutch.

Angulema (en francés Angoulême) es una ciudad y comuna del sudoeste de Francia situada a orillas del río Charente; es la capital del departamento de Charente y del distrito de Angulema, así como de los cantones de Angoulême-Est, Angoulême-Nord y Angoulême-Ouest. Se encuentra en la región de Poitou-Charentes. Actualmente tiene 102.368 habitantes y su superficie es de 21,85 km².

Recordemos que el Festival Internacional de la Historieta de Angulema (Festival International de la Bande Dessinée) es una reunión de autores, editores y lectores de historietas que desde 1974 se celebra anualmente en esta ciudad y que constituye una importante referencia para la historieta francesa, europea y mundial.

A finales de 1972, el éxito de una exposición consagrada a la historieta en la ciudad, titulada "Diez millones de imágenes", hizo surgir la idea de organizar un encuentro anual dedicado al medio. El 25 de enero de 1974 se inauguró la primera edición, cuyo cartel fue obra de Hugo Pratt; al encuentro acudieron importantes autores, como André Franquin, Burne Hogarth y Harvey Kurtzman. En estos primeros años el Festival se afianzó como un evento de importancia internacional, al que asistieron los más célebres historietistas, como Hergé, Will Eisner, Moebius, Enki Bilal o Jacques Tardi; al mismo tiempo, la municipalidad de Angulema se comprometió en la tarea de hacer de la ciudad un centro del cómic mundial, con iniciativas tales como la creación del Taller-Escuela de BD (bande dessinée = historieta), en 1982. Desde entonces, como explica Jean Giraud, el certamen ha funcionado "muy bien, pero mientras mejor funciona, más cuesta y eso es un problema en tiempos de crisis económica".

El Festival concede varios premios, que recompensan, en diferentes categorías, los mejores trabajos del año anterior editados en Francia. Los jurados escogen a los ganadores de entre una previa selección de nominados (no superior a siete). Los premios son entregados la tarde del primer día del Festival, en el teatro de Angulema.

El Festival concede premios en 14 categorías diferentes, entre los cuales los más destacados son:

Gran Premio: concedido a un autor por el conjunto de su obra. A la producción de este autor se dedica cada año el Festival, con abundantes exposiciones, mesas redondas y actividades de otro tipo sobre su obra.
Premio al Mejor Álbum (Fauve d'Or)
Premio al Dibujo
Premio al Guión
Premio al Primer Álbum

En la versión del año 2007, el Gran Premio fue otorgado al dibujante argentino José Muñoz, de extensa trayectoria en Europa. El premio otorgaba la posibilidad de realizar una muestra de su obra en el Festival 2008, además de presidirlo. Con gran generosidad José Muñoz decidió realizar una muestra de homenaje a la Historieta Argentina. Esta muestra contó, para la sección histórica, con el aporte de 80 obras de 40 artistas del patrimonio del Museo del Dibujo y la Ilustración de Buenos Aires y estuvo exhibida durante 6 meses, en el Museo del Comic en el Centro Nacional de la Imagen y fue inaugurada por la Ministro de Educación de Francia.

Página oficial del Festival: http://www.bdangouleme.com/

Publicado por Wenceslao Laguna
Lima, Perú
.

El adiós a Inda Ledesma

2010-01-26T18:45:00.000-08:00

Cuando Pierre Chenal dirigió “Seccion desaparecidos”, nunca imaginó que su obra sería el punto de partida de mi admiración por quien después sería una de mis grandes maestras en el arte escénico y de la expresión cantada: Inda Ledesma.

Aquella producción de 1958, rimbombante en cuanto al elenco -pues participaban en ella figuras internacionales como Maurice Ronet y Nicole Maurey- y excelente muestra del cine negro argentino, fue un estímulo para mí que, al cabo del tiempo y de la oportunidad, se transformaría en una necesidad: llegar a esa mujer enigmática, de ojos enormemente bellos y rictus amargo en su boca, que llenaba la pantalla y era una Medea que traspasaba el telón y se desplegaba en la platea inundando el corazón de un adolescente que se llenó de miedo cuando la vio, por la magnitud de su emoción revivida en cada proyección.

Luego, en 1962, vendría “A puerta cerrada”, la famosa “Huis clos” de Sartre, dándonos otro ejemplo de soberbia actuación y entrega al personaje con tal intensidad, que la película se transformaba sólo en ella, desluciendo al resto del elenco por la intensidad de su trabajo y el compromiso de su mundo interior con el rol asignado por la dirección.

Y así siguió una lista de 22 producciones para el cine, con memorables escenas, con entrañables roles, con toda Inda Ledesma latiendo en cada escena como sólo ella sabía hacerlo y entregarlo.

En la década de los ’80 tuve oportunidad de conocerla, de frecuentarla, de tomar clases con ella pues necesitaba una maestra que me indicara los pasos a seguir con las letras del tango en mi rol de cantante. Fuimos un grupo hermoso que una vez a la semana y durante un año, seguimos paso a paso sus indicaciones, amamos sus lecciones, escuchamos sus anécdotas y hasta compartimos el delicioso “té de yuyos” de su termo que no dejaba de acompañarla en cada clase. Entre los alumnos, hoy más conocidos, estaban allí conmigo Ricardo Lister y Ángela Ragno.

Puedo decir, con propiedad, que Inda Ledesma marcó un antes y un después en mi carrera de cantante. Las letras ya no fueron lo mismo después de asistir a sus clases, cobraron importancia los verbos de la frase, la intencionalidad del final anticipado en el comienzo, la historia re-creada del personaje que nunca debe dejar de estar presente, el compromiso de la propia memoria emocional enlazada con la historia que uno canta, la previa relajación antes de cada actuación. Rubros sagrados que todo actor sigue pero son pocos los cantantes que aplican estos pasos que enriquecerán lo que luego harán en el escenario cuando deban crear, en tres minutos, una historia tal vez de años o de décadas.

Inda lo logró. Inda fue la maga de una sonrisa cordial y tierna, tan lejos de los superlativos personajes de sus comienzos, que estar con ella era como compartir con una querida tía una tarde de mate y bizcochitos bajo una parra de patio en el barrio de Chacarita en un tiempo bello y alejado del caos y de la incoherencia en la que hoy estamos sumidos.

Es que así son los grandes que a la vez son maestros: sencillos y entregados, concienzudos formadores, entrañables compañeros, exigentes docentes que dan todo por su alumno.

Inda Ledesma: yo te agradezco la oportunidad que tu alma me dio de acercarme a vos, de compartir tu ser durante un año, de captar tu esencia, de haberme ayudado a encontrar, para mis tangos, verdad en la palabra, música en el verbo, ritmo en la historia, belleza en el desarrollo y éxtasis en el final. Y también te agradezco la dulzura de tu verbo y la honda mirada de tus ojos profundos, de donde emergían, siempre renovadas, las mujeres que incorporaste y que me hicieron vibrar: la visceral Amanda Merlino de “Sección desaparecidos”, la dulce y tierna Amalia, muchacha de barrio de “Los días que me diste”, la inolvidable y breve Señora Bullosi de “El hombre de las sorpresas” o la matriarcal y meridiana Doña Leonor Acevedo de Borges de “Un amor de Borges”.

Gracias Inda, sé que al ingresar adonde hoy llegaste, un largo y conmovido aplauso coronó tu entrada en el reino de la Inmortalidad.

Publicado por Alberto Peyrano
Buenos Aires, Argentina
.

NOTIBAR

TANGO PA QUERERTE MUCHO!

"1984", un libro que siempre tendrá vigencia

Una estación rusa caerá en aguas chilenas

Messi, en nombre del Barça

Libro sobre la historia del dulce de leche uruguayo fue premiado en certamen internacional

100 AÑOS… NO ES NADA

María del Mar Estrella: su taller

EL GAUCHO ANTONIO RIVERO

En busca del amor

TANGO PA QUERERTE MUCHO!

El adiós a Nina Miranda

Se casa Ricky Martin

Ley Antitabaco en Buenos Aires

El Dakar 2012 ya cobró una víctima

¡Felices Fiestas!

TANGO...Pa`quererte mucho!

10 de diciembre: Día de los Derechos Animales

10 de diciembre: Día de los Derechos Humanos

TANGO PA QUERERTE MUCHO!

ANTONIONI, LA NOCHE Y LA FRAGILIDAD AFECTIVA

El Hueso de Alba

"LA DE TANGO" en Ingeniería

Lucy Saborido y sus alumnos de Canto

Felicitaciones Raquel Luisa Teppich!

William Blake, pintor visionario y poeta apocalíptico

En el cine las estrellas: Boris Karloff

Javier González, conurbano, ida y vuelta

Welles, La dama de Shangai y el cine de autor

TANGO...pa´quererte mucho!

En el cine las estrellas: Clark Gable

Los besos del escándalo

San Alberto Magno

El adiós a Ilya Zhitomirskiy

¡Felicitaciones Cataratas del Iguazú!

El cine de Kubrick y "La patrulla infernal" o "Senderos de gloria", y algunas analogías

Manual Yankee te enseña cómo torturar y/o matar a tu hijo

Bahía Blanca: Concierto de Música Medieval

"Amor de Gatos"

Tratamiento para el Sobrepeso y la Obesidad

El adiós a Walter Vidarte

Paseando al perro y al gato

PARA AYUDAR A UNA PERSONA NO VIDENTE

HOMENAJE A LAS MADRES, EN SU DÍA

El adiós a Laura Pollán (1948-2011)

Teppich, Godoy y Peyrano celebran a la "Pastora de Palabras"

Pierre de Fermat

Las Magnolias y Fabián en Flores

María José Mentana: "De Buenos Aires a París"

Concierto de Tango

Los 450 años de una Catedral

Creer para crear

Los Samaritanos astrólogos

El anillo del galeón

El adiós a Peter Falk

Paola Cohen, del Puente a la Abadía

Entre Elixires, Mandalas y Reiki

Belgrano y la Bandera Argentina

¡LO QUE SE REGALA NO SE DEVUELVE!

Del árbol caído...

La Cocina de Belkys. Hoy: Branzino con langostinos y alcauciles

Hoy recordamos a... Irena Sendler

CARNAVALES Por ©Rebeca Montañez

La cocina de Belkys. Hoy: Ensalada de ahumados

El programa que hace milagros cumplió 20 años

Vancouver 2010

El adiós a Julio Paz

El adiós a Ian Carmichael

Richard Clayderman en Argentina

MENDELSSOHN Y LA CUEVA DE FINGAL

El adiós a Tomás Eloy Martínez

La Cocina de Belkys. Hoy: Brusqueta mediterránea

Comentando Fútbol por Raquel Luisa Teppich

Angulema y su Festival Anual del Comic Internacional

El adiós a Inda Ledesma